Michelangelo

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A Criação de Adão, de Michelangelo

De todas as imagens maravilhosas que povoam o imenso complexo do Teto Sistino, A Criação de Adão é sem dúvida aquele que mais profundamente impressionou a posteridade. Não é de se admirar, pois aqui temos uma visão única e avassaladora da sublimidade de Deus e da nobreza potencial do homem, sem precedentes e incomparáveis ​​em toda a história das artes visuais. Não estando mais na terra com os olhos fechados e manto, o Senhor flutua pelos céus, Seu manto espalhado e explodindo com formas angelicais, e Seu olhar calmo acompanhando e reforçando o movimento de Seu braço poderoso. Ele estende o dedo indicador, prestes a tocar o de Adão, que se reclina na costa árida da terra, mal conseguindo levantar a mão. A forma divina é convexa, explosiva, paterna, a humana côncava, receptiva e visivelmente impotente. O contato incipiente e fecundante prestes a ocorrer entre os dois dedos indicadores tem sido frequentemente descrito como uma faísca ou uma corrente, uma metáfora elétrica moderna sem dúvida estranha ao século dezesseis, mas bastante natural considerando o rio da vida que parece prestes a fluir para dentro o corpo em espera.

Gênesis conta como o Senhor criou Adão do pó da terra e soprou em suas narinas o fôlego da vida. Essa história nunca é ilustrada literalmente na arte renascentista. Normalmente, como no belo relevo de Jacopo della Quercia na fachada da igreja de San Petronio em Bolonha, que deve ter impressionado profundamente o jovem Michelangelo, o Criador está na terra e abençoa o corpo já formado de Adão, lido junto com o solo, já que seu nome em hebraico significa terra. A imagem completamente nova de Michelangelo parece simbolizar uma ideia ainda mais - a instilação do poder divino na humanidade, que ocorreu na Encarnação. Dada a reiterada insistência do Cardeal Vigerio na doutrina dos dois Adões, e a posição da cena imediatamente após a barreira do santuário, no local onde a Anunciação costumava aparecer, e depois de Ezequiel com sua visão do nascimento virginal, isso pareceria bastante natural. A cena lembra os famosos versículos de Isaías: "Quem acreditou em nossa pregação? E a quem foi revelado o braço do Senhor? Pois ele crescerá diante dele como uma planta tenra e como uma raiz de uma terra seca... "invariavelmente levado por teólogos para predizer a Encarnação de Cristo, rebento da vara de Jessé. Dois elementos visuais marcantes deixam claro que esta foi uma das passagens que realmente recomendou a Michelangelo por seu provável conselheiro, o cardeal Vigerio. Primeiro, o poderoso braço direito do Senhor é revelado, nu como em nenhuma outra de Suas aparições no teto da Sistina, nem em qualquer outro lugar, até onde fui capaz de determinar, em toda a arte cristã anterior a este tempo. (O braço esquerdo é coberto, pelo menos até o cotovelo, por uma manga branca.) Em segundo lugar, diretamente abaixo de Adão, o braço do jovem velado à esquerda acima da Sibila persa se projeta em cena - um assunto que envolveu um planejamento prévio considerável - chegando tão perto de tocar a coxa de Adão quanto o Criador faz com seu dedo. Esta mão segura uma cornucópia repleta de folhas e bolotas de Rovere, parecendo crescer a partir do solo seco, tão cheia de potência quanto Adam ("solo") está vazio dela. Tal imagem é característica não só de Michelangelo, que na medida do possível preferiu mostrar figuras masculinas, inclusive a de Cristo, completamente nuas, mas da Alta Renascença romana e do próprio Júlio II, cuja linguagem, registrada por seus atônitos contemporâneos, transborda de orgulha-se de sua própria força física e potência.


Michelangelo - HISTÓRIA

David é uma das esculturas renascentistas mais requintadas feitas durante o início dos anos 1500. Esta famosa obra de arte foi criada por Michelangelo, um famoso artista italiano. A estátua mede 5,17 metros de altura e é uma figura de mármore do herói bíblico chamado David. Esse jovem também foi o sujeito mais comum na arte renascentista, principalmente em Florença.

Destaques

A escultura foi originalmente concebida como uma das estátuas de profetas que foram posicionadas na linha do telhado da seção oriental do Florença. Além disso, foi colocado na praça pública do Palazzo della Signoria, que era o centro do governo cívico de Florença. Por causa da natureza corajosa desse herói bíblico, ele acabou se tornando o símbolo de defesa das liberdades civis representadas na República Florentina.

A obra de arte é muito diferente das estátuas anteriores feitas por outros artistas famosos, como Verrocchio e Donatello. David por Michelangelo descreveu o jovem Davi antes que ele partisse para sua batalha contra o poderoso Golias. Portanto, o rosto da figura 8217 parecia tenso e pronto para o combate em vez de vitorioso por causa da derrota de seu inimigo.

Recursos

A obra de arte de Michelangelo & # 8217 é sua interpretação do típico tema da Grécia Antiga de uma figura bíblica heróica. Apresenta a pose do contrapposto, que é um aspecto distinto das esculturas antigas. O bravo Davi fica de pé tenso, com uma perna relaxada enquanto a outra segura o peso total do corpo. Conseqüentemente, isso faz com que seus ombros e quadris descansem em um ângulo oposto. Além disso, a cabeça de David vira para a esquerda e ele carrega uma tipóia nas costas. Com todas essas características, muitas pessoas consideram a escultura um símbolo de beleza juvenil e força humana.

A estátua também é bastante grande, em comparação com os contemporâneos do artista naquela época. Na verdade, a maioria dos estudiosos da arte considera a estátua milagrosa, pois Michelangelo foi capaz de trazer de volta à vida uma figura renomada que já estava morta. Embora houvesse inúmeras estátuas colossais já criadas na história, David de Michelangelo permaneceu como um dos melhores e mais impressionantes.

Também é importante notar que algumas das características desta estátua pareciam bastante grandes, especialmente as mãos e a cabeça. No entanto, o artista fez isso de propósito, pois a estátua deveria ser posicionada na linha do telhado da catedral. Assim, ele precisava encontrar uma maneira de acentuar certas partes que as tornassem visíveis quando vistas de baixo.

Detalhes adicionais

Esta figura parece bastante esbelta da frente para trás quando comparada com sua altura. Segundo estudiosos, isso pode ser causado pelo trabalho feito no bloco antes mesmo de o artista começar a esculpi-lo. Além disso, a estátua era considerada uma imagem política antes de sua decisão de trabalhar nela.

Evidentemente, David há muito é a imagem política preferida em Florença, já que várias obras de arte que retratam o herói bíblico foram encomendadas na maioria dos locais importantes da cidade.

Conservação e Preservação

Em 1991, o pé da estátua foi seriamente danificado quando um homem louco o quebrou com um martelo. Com base nas amostras coletadas desse incidente, os cientistas foram capazes de descobrir que o mármore foi obtido nas pedreiras Miseglia & # 8217s Fantiscritti, que ficava em um dos pequenos vales de Carrara & # 8217s. Com a degradação do mármore, a estátua sofreu sua primeira grande limpeza, de 2003 a 2004. Quatro anos depois, havia planos para isolar a escultura da vibração causada pelos passos dos turistas, a fim de evitar mais e danos mais graves do mármore.

Várias reproduções da estátua foram feitas ao longo dos anos. Por exemplo, o molde de gesso deste herói bíblico está atualmente em exibição no Victoria and Albert Museum. No entanto, esta estátua tem uma folha de gesso, que foi criada quando a Rainha Vitória ficou chocada com a estátua e a nudez dos anos # 8217. A folha de gesso da figueira é pendurada na figura com dois ganchos, antes de qualquer visita real.

No século 20, a escultura se tornou um termo icônico para a cultura da cidade e da década de 8217. A estátua também foi reproduzida com frequência, como em imitação de mármore de fibra de vidro e gesso, que simbolizava um ambiente de requinte e cultura em vários ambientes, como modelos de ferrovias, cassinos de jogos e resorts de praia. Assim, a obra de arte é de fato a melhor da história por causa de seu grande tamanho, detalhes e características interessantes.


Como Michelangelo mudou o mundo?

Michelangelo mudou o mundo ajudando as pessoas a ver a arte e os artistas de maneira diferente. Sua arte se destacou por conta disso, o mundo passou a reconhecer os artistas e sua arte como importantes acréscimos à sociedade.

Antes de Michelangelo, os artistas não recebiam atenção individual ou notoriedade por seu trabalho. Eles eram vistos como nada mais do que jornaleiros.

Michelangelo mudou a opinião mundial dos artistas por meio de suas extraordinárias obras de arte. Com arte inovadora, ele criou algumas das peças mais reverenciadas conhecidas pelo homem, sua atenção aos detalhes tornou essas obras notáveis. Michelangelo era mais conhecido como escultor, e seu infame David, com características reais esculpidas em mármore, ainda é considerado uma obra-prima. Outras esculturas notáveis ​​incluem Pieta, Moisés e Madonna and Child.

Michelangelo não foi apenas um escultor, mas também um pintor importante e um arquiteto prolífico. Suas pinturas são consideradas algumas das maiores vitrines do mundo. Essas pinturas incluem o teto elaborado e detalhado da Capela Sistina, que inclui vários elementos pintados para formar um grande esquema dentro da Capela. Como arquiteto, ele projetou os planos finais da Catedral de São Pedro no Vaticano.

Seu trabalho é considerado o início do Alto Renascimento, período em que o mundo passou a reconhecer e valorizar as artes visuais.


Michelangelo - Biografia e Legado

Michelangelo nasceu de Leonardo di Buonarrota e Francesca di Neri del Miniato di Siena, uma família de banqueiros de classe média na pequena aldeia de Caprese, perto de Arezzo, na Toscana. A doença infeliz e prolongada de sua mãe forçou seu pai a colocar seu filho aos cuidados de sua babá. O marido da babá era cortador de pedra e trabalhava na pedreira de mármore de seu pai.

Quando Michelangelo tinha seis anos de idade, sua mãe morreu, mas ele continuou a viver com o casal e a lenda diz que essa situação não convencional desde a infância estabeleceria as bases para seu posterior caso de amor com o mármore.

Aos 13 anos, ficou claro para o pai que Michelangelo não tinha aptidão para a vocação familiar. O jovem foi enviado para aprendiz no conhecido ateliê de Domenico Ghirlandaio. Depois de apenas um ano no estúdio, Lorenzo de 'Medici, da renomada família de patrocinadores da arte florentina, pediu a Ghirlandaio dois de seus melhores alunos. Michelangelo, junto com Francesco Granacci, foram escolhidos para frequentar a academia humanista da família Médici. Foi uma época próspera na Florença do Renascimento, quando os artistas foram encorajados a estudar as humanidades, acentuando seus esforços criativos com o conhecimento da arte e da filosofia da Grécia Antiga e Romana. A arte estava se afastando da iconografia gótica e do trabalho devocional e evoluindo para uma grande celebração do homem e de sua importância no mundo. Michelangelo estudou com o famoso escultor Bertoldo di Giovanni, ganhando exposição às grandes esculturas clássicas do palácio de Lorenzo.

Durante esse tempo, Michelangelo obteve permissão da Igreja Católica de Santo Spirito para estudar cadáveres em seu hospital, a fim de obter uma compreensão da anatomia. Em troca, ele esculpiu uma cruz de madeira para eles. Sua capacidade de reproduzir com precisão o tom muscular realista do corpo resultou dessa educação inicial, conforme evidenciado em duas esculturas que sobreviveram daquela época Madonna sentada em um degrau (1491) e Batalha dos Centauros (1492).

Treinamento precoce e trabalho

Após a morte de Lorenzo di Medici em 1492, Michelangelo permaneceu com relativa segurança em Florença. Mas quando a cidade florentina se envolveu em turbulências políticas, a família Médici foi expulsa e o artista mudou-se para Bolonha. Foi em Bolonha que ele recebeu a encomenda para terminar a escultura da Tumba de São Domingos, que incluía a adição de uma estátua de São Petrônio, um anjo ajoelhado segurando um candelabro e São Próculo.

Michelangelo voltou a Florença em 1494 depois que a ameaça de invasão francesa diminuiu. Ele trabalhou em duas estátuas, São João Batista, e um pequeno cupido. o cupido foi vendida ao cardeal Riario de San Giorgio, disfarçada como uma escultura antiga. Embora aborrecido por ter sido enganado, o cardeal ficou impressionado o suficiente com a mão de obra de Michelangelo para convidá-lo a ir a Roma para outra comissão. Para esta encomenda, Michelangelo criou uma estátua de Baco, que foi rejeitada pelo cardeal, que considerou politicamente imprudente ser associado a uma figura nua pagã. Michelangelo ficou indignado - tanto que mais tarde pediu a seu biógrafo Condivi que negasse que a comissão fosse do cardeal e, em vez disso, registrasse como uma comissão de seu banqueiro, Jacopo Galli. A natureza impetuosa do artista já lhe trazia a fama de ser aquele que indignadamente fazia o que queria, muitas vezes evitando os desejos do patrão ou deixando de terminar o trabalho uma vez iniciado.

Michelangelo permaneceu em Roma após completar o Baco, e em 1497 o Embaixador da França, o Cardeal Jean Bilhères de Lagraulas encomendou seu Pietà para a capela do Rei da França na Basílica de São Pedro. o Pietà viria a se tornar uma das esculturas mais famosas de Michelangelo, que o biógrafo do século 16, Giorgio Vasari, descreveu como algo que "a natureza dificilmente é capaz de criar na carne". Sua acuidade com expressão emocional e realismo natural na peça, atraiu o artista muito admiração e atenção.

Embora seu status como um dos artistas mais talentosos do período após a conclusão do Pietà estava seguro, Michelangelo não recebeu nenhuma encomenda importante nos dois anos seguintes. Financeiramente, porém, essa ausência de trabalho não era muito preocupante. A riqueza não parecia afetar o estilo de vida do artista. Como diria a Condivi no final da vida: "Por mais rico que tenha sido, sempre vivi como um homem pobre".

Em 1497, o monge puritano Girolamo Savonarola tornou-se famoso por sua Fogueira das Vaidades, evento em que ele e seus apoiadores queimaram arte e livros em Florença, interrompendo o que havia sido um período próspero da Renascença. Michelangelo teria que esperar até a saída de Savonarola em 1498 antes de retornar para sua amada Florença.

Em 1501, sua realização mais notável nasceu por meio de uma comissão da Guilda de Lã para concluir um projeto inacabado iniciado por Agostino di Duccio cerca de 40 anos antes. Este projeto, finalmente concluído em 1504, era uma majestosa estátua nua de 5 metros de altura do herói bíblico Davi. O trabalho foi um testemunho da excelência incomparável do artista em esculpir representações incrivelmente precisas da vida real em mármore inanimado.

Seguiram-se várias encomendas de pintura após David's conclusão. Em particular, a única pintura acabada conhecida de Michelangelo que sobreviveu, Doni Tondo (A Sagrada Família) (1504).

Durante essa época da Alta Renascença em Florença, rivalidades entre Michelangelo e seus colegas artistas abundavam, cada um lutando por comissões de primeira linha e reverenciado status social como mestres notáveis ​​em seus campos.

Leonardo da Vinci alcançou a fama rapidamente e a competição entre ele e Michelangelo era lendária. Em 1503, Piero Soderini, o gonfaloneiro vitalício da Justiça (alto funcionário semelhante a um prefeito), encarregou os dois de pintar duas paredes opostas do Salone dei Cinquecento no Palazzo Vecchio. Ambas as pinturas nunca foram concluídas e infelizmente estão perdidas. Leonardo's A Batalha de Anghiari foi pintado quando Vasari posteriormente reconstruiu o Palazzo. O trabalho de Michelangelo em A Batalha de Cascina foi interrompido na fase de desenho preparatório quando o Papa Júlio II o convocou a Roma. Michelangelo foi seduzido pela reputação extravagante do papa patrono, que estava atraindo outros colegas artistas, como Donato Bramante e Raphael, para criar novos projetos empolgantes. Nunca superado por seus rivais, ele aceitou o convite.

Período maduro

Em Roma, Michelangelo começou a trabalhar no túmulo do Papa, trabalho que deveria ser concluído em um prazo de cinco anos. Ainda assim, o artista abandonaria o projeto depois de ser bajulado pelo Papa para outra encomenda. O projeto era a pintura do teto da Capela Sistina e dizem que Bramante, o arquiteto encarregado da reconstrução da Basílica de São Pedro, foi quem convenceu o Papa de que Michelangelo era o homem certo para a obra. Bramante foi notoriamente consumido pela inveja, e sabendo que Michelangelo era mais conhecido por suas esculturas do que por pinturas, tinha certeza de que seu rival iria falhar. Ele esperava que isso fizesse com que o artista caísse em desgraça popular. Michelangelo aceitou relutantemente a comissão.

Michelangelo trabalharia na Capela Sistina pelos próximos quatro anos. Foi um trabalho difícil de resistência extraordinária, especialmente porque o artista tempestuoso despediu todos os seus assistentes, exceto um que o ajudou a misturar tintas. O que resultou foi uma obra monumental de grande gênio ilustrando histórias do Antigo Testamento, incluindo a Criação do Mundo e Noé e o Dilúvio. Contrariamente às esperanças de Bramante, tornou-se (e continua a ser) uma das maiores obras-primas da arte ocidental.

Outro rival notável foi o jovem Rafael, de 26 anos, que apareceu em cena e foi escolhido em 1508 para pintar um afresco na biblioteca particular do Papa Júlio II, uma encomenda disputada por Michelangelo e Leonardo. Quando a saúde de Leonardo começou a piorar, Rafael se tornou o maior adversário artístico de Michelangelo. Por causa da acuidade de Raphael para retratar a anatomia e sua finesse para pintar nus, Michelangelo costumava acusá-lo de copiar seu próprio trabalho. Embora influenciado por Michelangelo, Rafael se ressentia da animosidade de Michelangelo em relação a ele. Ele respondeu pintando o artista com seu tradicional rosto carrancudo sob o disfarce de Heráclito em seu famoso afresco A escola de Atenas (1509-1511).

Após a morte do Papa Júlio II em 1513, Michelangelo foi contratado pelo novo Papa Leão X para trabalhar na fachada da Basílica de São Lourenço, a maior igreja de Florença. Ele passou os três anos seguintes nisso, antes de o projeto ser cancelado por falta de fundos. Em 1520, ele recebeu outra encomenda para uma capela Médici na Basílica de San Lorenzo, na qual trabalhou intermitentemente pelos próximos vinte anos. Durante essas duas décadas, ele também completaria uma encomenda de arquitetura para a Biblioteca Laurentian.

Após o saque de Roma por Carlos V em 1527, Florença foi declarada república e permaneceu sob cerco até 1530. Tendo trabalhado antes do cerco para a defesa de Florença, Michelangelo temeu por sua vida e fugiu de volta para Roma. Apesar de seu apoio à república, ele foi recebido pelo Papa Clemente e recebeu um novo contrato para o túmulo do Papa Júlio II. Foi também nessa época que ele foi contratado para pintar o afresco do Juízo Final na parede do altar da Capela Sistina, um projeto que levaria sete anos.

Embora tenha um relacionamento tardio, aos 57 anos, Michelangelo estabeleceria a primeira de três amizades notáveis, gerando uma produção poética prolífica para adicionar ao seu quadro de talentos artísticos. O primeiro em 1532 foi um nobre italiano de 23 anos, Tommaso dei Cavalieri, que não era apenas o jovem amante do artista, mas permaneceu um amigo para toda a vida. O historiador da arte, Howard Hibbard, cita Michelangelo descrevendo Tommaso como a "luz do nosso século, modelo de todo o mundo." O caso apaixonado levou Michelangelo a produzir uma série de poemas de amor de natureza tão homoerótica que seu sobrinho-neto, ao publicar o volume em 1623, mudou os pronomes de gênero para disfarçar seu contexto homossexual.

Em 1536, Michelangelo encontrou outro objeto de afeto para toda a vida, a viúva, Vittoria Colonna, a marquesa de Pescara, que também era poetisa. A maior parte de sua prolífica poesia é dedicada a ela, e sua adoração continuou até sua morte em 1547. Ele também deu a ela pinturas e desenhos, e um dos mais belos que sobreviveram é o desenho em giz preto Pietà para Vittoria Colonna de 1546. Ela foi a única mulher que desempenhou um papel significativo na vida de Michelangelo e acredita-se que seu relacionamento tenha sido platônico. Durante este período, ele também trabalhou em uma série de encomendas arquitetônicas, incluindo a Igreja de Santa Maria degli Angeli e a Capela Sforza na Basílica de Santa Maria Maggiore, bem como o Monte Capitolino. Ele também recebeu encomendas de dois afrescos na Cappella Paolina, a Conversão de São Paulo e a Crucificação de São Pedro.

Em 1540, Michelangelo conheceu Cecchino dei Bracci, filho de um rico banqueiro florentino, na corte do Papa Paulo III, que tinha apenas 12 anos. Os epitáfios que Michelangelo escreveu após a morte de Cecchino quatro anos depois revelam a extensão de seu relacionamento, sugerindo que eles eram amantes. Em particular, um, que inclui a alusão gráfica: "Ateste ainda para ele como fui gracioso na cama. Quando ele se abraçou, e em que a alma vive."

Período tardio

Foi o Papa Júlio II quem, em 1504, propôs demolir a velha Basílica de São Pedro e substituí-la pelo "edifício mais grandioso da cristandade". Embora o projeto de Donato Bramante tenha sido selecionado em 1505 e as fundações tenham sido feitas no ano seguinte, não houve muito progresso desde então. No momento em que Michelangelo relutantemente assumiu este projeto de seu famoso rival em 1546, ele estava na casa dos setenta anos, declarando: "Eu faço isso apenas por amor a Deus e em honra ao Apóstolo."

Michelangelo trabalhou continuamente pelo resto de sua vida na Basílica. Sua contribuição mais importante para o projeto foi seu trabalho na cúpula na extremidade oriental da Basílica. Ele combinou as idéias de design de todos os arquitetos anteriores que deram contribuições sobre o trabalho, que imaginaram uma grande cúpula comparável à famosa cúpula de Brunelleschi em Florença, e as uniu com suas próprias grandes visões. Embora a cúpula não tenha sido concluída até depois de sua morte, a base na qual a cúpula seria colocada foi concluída, o que significa que o design da cúpula não poderia ser alterado significativamente em sua conclusão. Ainda a maior igreja do mundo, continua a ser uma prova de seu gênio e sua devoção. Ele continuou a esculpir, mas o fez em particular para o prazer pessoal e não para o trabalho. Ele completou uma série de Pietàs incluindo o Disposição (que ele tentou destruir), bem como o seu último, o Rondanini Pietà, na qual trabalhou até as últimas semanas antes de sua morte.

Tem sido dito que leva 10.000 horas de prática deliberada para se tornar de classe mundial em qualquer campo. Michelangelo sintetizou esse ideal quando começou sua carreira ainda menino e continuou trabalhando até sua morte aos 88 anos.

Seu grande amor Tommaso permaneceu com ele até o fim, quando Michelangelo morreu em sua casa em Roma após uma breve doença em 1564. Por sua vontade, seu corpo foi levado de volta a Florença e enterrado na Basílica de Santa Croce.

O Legado de Michelangelo

Junto com Leonardo da Vinci e Raphael, Michelangelo é considerado um dos três gigantes da Renascença e um dos principais contribuintes do movimento Humanista. A humanidade, tanto em sua relação com a realidade divina quanto com a realidade não secular, foi central para sua pintura e escultura. Ele era um mestre em representar o corpo com tal precisão técnica que o mármore foi aparentemente transformado em carne e osso. Sua aptidão para a emoção e expressão humanas inspirou humildade e veneração. A percepção psicológica e o realismo físico em seu trabalho nunca haviam sido retratados com tanta intensidade antes. Seu Pieta, David, e as Capela Sistina foram mantidos e preservados e continuam a atrair multidões de visitantes de todo o mundo. Suas realizações ao longo da vida dão crédito ao título comumente concedido a ele de Il Divino (o Divino).

A influência de Michelangelo sobre outros artistas foi profunda e continuou desde Raphael em seu tempo até Rubens, passando por Bernini, e o último grande escultor a seguir sua tradição de realismo, Rodin.

Sua fama, estabelecida quando ele tinha vinte e poucos anos, continua até nossos dias. Quanto ao seu gênio, olhe para Galileu, que afirmava ter nascido um dia antes, para coincidir com o dia da morte de Michelangelo, aludindo à afirmação de que o gênio nunca morre.


Michelangelo: Você Sabia?

Durante séculos, os afrescos da Capela Sistina foram caracterizados por cores suaves e sombras escuras. Algumas pessoas até presumiram que Michelangelo, que se via mais como escultor do que como pintor, estava mais interessado em informações do que em cores. Mas um grande projeto de restauração na década de 1980 mostrou o que uma limpeza completa pode fazer. Ao longo de uma década e no centro de uma polêmica internacional, os conservadores usaram tecnologia de computador e solventes químicos para consertar seções danificadas e limpar a sujeira acumulada. Seus esforços revelaram um teto brilhantemente colorido que revelou a genialidade de Michelangelo novamente. Quando o projeto foi concluído em 1990, o New York Times chamou o resultado de "incrivelmente belo". Restauração de Michelangelo Último Julgamento na parede do altar logo em seguida.

Herói mortal

A reputação de Michelangelo era tão imensa que seus contemporâneos o elogiavam como "o divino Michelangelo". Mas antes de sua morte, o velho artista escreveu a um amigo que ele era apenas "um homem pobre e de pouco valor, um homem que segue trabalhando naquela arte que Deus me deu por tanto tempo quanto eu posso".

Investigando o passado

Durante a Renascença, os esforços dos humanistas para estudar textos antigos e purificar o Cristianismo [ver p. 14] levou a uma série de descobertas inovadoras. O erudito clássico Lorenzo Valla (1406-1457) provou que a "Doação de Constantino" & # 151 um documento que concede ao papa o poder temporal sobre o Império Romano Ocidental & # 151 não poderia ter sido escrito pelo imperador Constantino, mas foi uma falsificação posterior. Valla também chocou a igreja ao argumentar que os doze apóstolos não compuseram o Credo dos Apóstolos e que a versão da Vulgata Latina da Bíblia estava completa.

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Michelangelo & # 8217s Pintura do teto da Capela Sistina

A Capela Sistina é um dos espaços interiores pintados mais famosos do mundo, e praticamente toda essa fama vem da pintura de seu teto de cerca de 1508-1512 de tirar o fôlego. A capela foi construída em 1479 sob a direção do Papa Sisto IV, que lhe deu seu nome (& # 8220Sistine & # 8221 deriva de & # 8220Sixtus & # 8221). A localização do edifício é muito próxima à Basílica de São Pedro e ao Pátio do Belvedere no Vaticano. Uma das funções do espaço era servir de ponto de encontro para os cardeais da Igreja Católica se reunirem para eleger um novo papa. Ainda hoje, ele é usado para esse fim, inclusive na recente eleição do Papa Francisco em março de 2013.

Capela Sistina como apareceu antes de Michelangelo e afresco do teto # 8217

Originalmente, o teto abobadado da Capela Sistina e do nº 8217 era pintado de azul e coberto com estrelas douradas. As paredes eram adornadas com afrescos de diferentes artistas, como Pietro Perugino, que pintou Cristo entregando as chaves a São Pedro em 1482.

Em 1508, o Papa Júlio II (reinou 1503-1513) contratou Michelangelo para pintar o teto da capela, em vez de deixá-lo como estava. Antes dessa época, Michelangelo havia ganhado fama por seu trabalho como escultor, trabalhando em grandes obras como a Pieta e David. Ele não era, entretanto, muito estimado por seu trabalho com o pincel. Segundo Vasari, a razão pela qual Júlio deu uma tarefa tão elevada a Michelangelo foi por causa da instigação de dois rivais artísticos dele, o pintor Rafael e o arquiteto Bramante. Vasari diz que os dois esperavam que Michelangelo caísse, já que ele estava menos acostumado a pintar do que a esculpir, ou então ficaria tão irritado com Júlio que gostaria de partir de Roma.

Michelangelo, Noé e o Dilúvio, teto da Capela Sistina

Em vez de cair de cara no chão, entretanto, Michelangelo assumiu a tarefa de criar uma das obras-primas da arte ocidental. O programa do teto, que provavelmente foi formulado com a ajuda de um teólogo do Vaticano, é centrado em várias cenas do Antigo Testamento, começando com a Criação do Mundo e terminando na história de Noé e o Dilúvio. As pinturas são orientadas de forma que, para vê-las do lado direito para cima, o observador deve estar voltado para o altar do outro lado da parede do altar. A sequência começa com a Criação, acima do altar, e avança em direção à entrada da capela do outro lado da sala.

Michelangelo começou a pintar em 1508 e continuou até 1512. Ele começou pintando o afresco de Noé (lado da entrada da capela), mas uma vez que ele completou esta cena, ele removeu o andaime e pegou o que havia concluído. Percebendo que as figuras eram muito pequenas para servir ao seu propósito no teto, ele decidiu adotar figuras maiores em suas cenas subsequentes com afrescos. Assim, à medida que as pinturas se movem em direção ao lado do altar da capela, as figuras são maiores e mais expressivas de movimento. Duas das cenas mais importantes no teto são seus afrescos da Criação de Adão e a Queda de Adão e Eva / Expulsão do Jardim.

Para enquadrar as cenas centrais do Antigo Testamento, Michelangelo pintou uma moldura arquitetônica fictícia e estátuas de apoio ao longo da capela. Estes foram pintados em Grisaille (coloração acinzentada / monocromática), o que lhes dava o aspecto de luminárias de concreto.

Abaixo da arquitetura fictícia estão mais conjuntos de figuras-chave pintadas como parte do programa de teto. Essas figuras estão localizadas nos triângulos acima das janelas em arco, as maiores figuras sentadas entre os triângulos. O primeiro grupo inclui pessoas do Antigo Testamento, como Davi, Josias e Jesse & # 8211, todos os quais se acreditava serem parte da ancestralidade humana de Cristo. Eles complementavam os retratos dos papas que foram pintados mais abaixo nas paredes, já que os papas serviam como Vigário de Cristo. Assim, as conexões com Cristo & # 8211 antes e depois de & # 8211 estão incorporadas nessas pinturas, que começam no teto e continuam nas paredes.

As figuras entre os triângulos incluem dois tipos diferentes de figuras & # 8211 profetas do Antigo Testamento e sibilas pagãs. Os humanistas da Renascença deveriam estar familiarizados com o papel das sibilas no mundo antigo, que predisseram a vinda de um salvador. Para os cristãos do século dezesseis, essa profecia pagã foi interpretada como tendo sido cumprida com a chegada de Cristo à terra. Ambos os profetas do Antigo Testamento e da cultura clássica, portanto, profetizaram a vinda do mesmo Messias e são descritos aqui. Uma dessas sibilas, a Sibila da Líbia, é particularmente notável por sua forma escultural. She sits on a garment placed atop a seat and twists her body to close the book. Her weight is placed on her toes and she looks over her shoulder to below her, toward the direction of the altar in the chapel. Michelangelo has made the sibyl respond to the environment in which she was placed.

It has been said that when Michelangelo painted, he was essentially painting sculpture on his surfaces. This is clearly the case in the Sistine Chapel ceiling, where he painted monumental figures that embody both strength and beauty.


Michelangelo Artworks

This statue of Bacchus depicts the Roman god of wine precariously perched on a rock in a state of drunkenness. He wears a wreath of ivy and holds a goblet in one hand, brought up toward his lips for a drink. In the other hand, he holds a lion skin, which is a symbol for death derived from the myth of Hercules. From behind his left leg peeks a satyr, significant to the cult of Bacchus often representing a drunken, lusty, woodland deity.

The work, one of Michelangelo's earliest, caused much controversy. It was originally commissioned by Cardinal Riario and was inspired by a description of a lost bronze sculpture by the ancient sculptor Praxiteles. But when Riario saw the finished piece he found it inappropriate and rejected it. Michelangelo sold it to his banker Jacopo Galli instead.

Despite its colored past though, the piece is evidence of Michelangelo's early genius. His excellent knowledge of anatomy is seen in the androgynous figure's body which Vasari described as having the "the slenderness of a young man and the fleshy roundness of a woman." A high center of gravity lends the figure a sense of captured movement, which Michelangelo would later perfect even further for David. Although intended to mimic classical Greek sculpture and distressed toward an antique appearance, Michelangelo remained true to what in visual human terms it means to be drunk the unseemly swaying body was unlike any depiction of a god in classical Greek and Roman sculpture. Art historian Claire McCoy said of the sculpture, "Bacchus marked a moment when originality and imitation of the antique came together."

Marble - Museo del Bargello, Florence

Pietà

This was the first of a number of Pietàs Michelangelo worked on during his lifetime. It depicts the body of Jesus in the lap of his mother after the Crucifixion. This particular scene is one of the seven sorrows of Mary used in Catholic devotional prayers and depicts a key moment in her life foretold by the prophet, Simeon.

Cardinal Jean de Bilhères commissioned the work, stating that he wanted to acquire the most beautiful work of marble in Rome, one that no living artist could better. The 24-year-old Michelangelo answered this call, carving the work in two years out of a single block of marble.

Although the work continued a long tradition of devotional images used as aids for prayer, which was developed in Germany in the 1300s, the depiction was uniquely connotative of Italian Renaissance art of the time. Many artists were translating traditional religious narratives in a highly humanist vein blurring the boundaries between the divine and man by humanizing noted biblical figures and taking liberties with expression. Mary was a common subject, portrayed in myriad ways, and in this piece Michelangelo presented her not as a woman in her fifties, but as an unusually youthful beauty. As Michelangelo related to his biographer Ascanio Condivi, "Do you not know that chaste women stay fresh much more than those who are not chaste?"

Not only was Pietà the first depiction of the scene in marble, but Michelangelo also moved away from the depiction of the Virgin's suffering which was usually portrayed in Pietàs of the time, instead presenting her with a deep sense of maternal tenderness for her child. Christ too, shows little sign of his recent crucifixion with only slightly discernible small nail marks in his hands and the wound in his side. Rather than a dead Christ, he looks as if he is asleep in the arms of his mother as she waits for him to awake, symbolic of the resurrection.

A pyramidal structure signature to the time was also used: Mary's head at the top and then the gradual widening through her layered garments to the base. The draped clothing gives credence to Michelangelo's mastery of marble, as they retain a sense of flowing movement, far removed from the typical characteristic of stone.

This is the only sculpture Michelangelo ever signed. In a fiery fit of reaction to rumors circulating that the piece was made by one of his competitors, Cristoforo Solari, he carved his name across Mary's sash right between her breasts. He also split his name in two as Michael Angelus, which can be seen as a reference to the Archangel Michael - an egotistical move and one he would later regret. He swore to never again sign another piece and stayed true to his word.

o Pietà became famous immediately following its completion and was pivotal in contributing to Michelangelo's fame. Despite an attack in 1972, which damaged Mary's arm and face, it was restored and continues to inspire awe in visitors to this day.

Marble - St. Peter's Basilica, Vatican City, Rome

David

This 17 foot tall statue depicts the prophet David, majestic and nude, with the slingshot he used to kill Goliath, slung victoriously over one shoulder.

The piece was commissioned by the Opera del Duomo for the Cathedral of Florence, a project that was originally meant to be a series of sculptures of prophets for the rooftop. Although David's familiarity stems from the classic religious tale, the statue became not only a rendition of the tale, but a symbol for the new Florentine Republic of its defiant independence from Medici rule.

Considered one of Michelangelo's great masterpieces. An exquisite example of his knowledge of anatomy can be seen in David's musculature, his strength emphasized through the classical contrapposto stance, with weight shifting onto his right leg. A sense of naturalism is conveyed in the way the body stands determined, a confident glare on the young man's face. The top half of the body was made slightly larger than the legs so that viewers glancing up at it or from afar would experience a more authentic perspective. The realism was seen as so powerful that Vasari praised it as Michelangelo's "miracle. to restore life to one who was dead."

During the Early Renaissance, Donatello had revived the classical nude as subject matter and made a David of his own. But Michelangelo's version, with its towering height, is unmistakably the most iconic version. As was customary to Michelangelo and his work, this statue was simultaneously revered and controversial.

The plaster cast of David now resides at the Victoria and Albert Museum. During visits by notable women such as Queen Victoria, a detachable plaster fig leaf was added, strategically placed atop the private parts.

On another occasion, a replica of David was offered to the municipality of Jerusalem to mark the 3,000th anniversary of King David's conquest of the city. Religious factions in Jerusalem urged that the gift be declined because the naked figure was considered pornographic. A fully clad replica of David by Andrea del Verrocchio, a Florentine contemporary of Michelangelo, was donated instead.

Galleria dell'Accademia, Florence - Marble

Doni Tondo (Holy Family)

Holy Family, the only finished panel painting by the artist to survive, was commissioned by Agnolo Doni for his marriage to Maddalena Strozzi, daughter of a powerful Tuscan family, which gives it its name. It portrays Jesus, Mary, Joseph, and an infant John the Baptist. The intimate tenderness of the figures governed by the father's loving gaze emphasizes the love of family and divine love, representing the cores of Christian faith. In contrast, the five nude males in the background symbolize pagans awaiting redemption. The round (tondo) form was customary for private commissions and Michelangelo designed the intricate gold carved wooden frame. The work is believed to be entirely by his hand.

We find many of the artist's influences in this painting, including Signorelli's Madonna. It is also said to have been influenced by Leonardo's The Virgin and Child with St Anne, a cartoon (full scale drawing) that Michelangelo saw while working on his David in 1501. The nude figures in the background are said to have been influenced by the ancient statue of Laocoön and His Sons (the Trojan priest) attributed to the Greek sculptors Agesander, Athenodoros and Polydorus, which was excavated in Rome in 1506 and publicly displayed in the Vatican.

Yet influences aside, the piece is distinctly Michelangelo, an example of his individualism, which was considered very avant-garde for the time. It was a significant shift from the serene, static rendition of figures depicted in classical Roman and Greek sculpture. Its twisting figures signify enormous energy and movement and the vibrant colors add to the majesty of the work, which were later used in his frescos in the Sistine Chapel. The soft modelling of the figures in the background with the focused details in the foreground gives this small painting great depth.

This painting is said to have laid the foundations of Mannerism which in contrast to the High Renaissance devotion to proportion and idealized beauty, preferred exaggeration and affectation rather than natural realism.

Tempera on panel - Galleria degli Uffizi, Florence

The Creation of Adam

This legendary painting, part of the vast masterpiece that adorns the Sistine Chapel, shows Adam as a muscular classical nude, reclining on the left, as he extends his hand toward God who fills the right half of the painting. God rushes toward him, his haste conveyed by his white flaring robe and the energetic movements of his body. God is surrounded by angels and cherubim, all encased within a red cloud, while a feminine figure thought to be Eve or Sophia, symbol of wisdom, peers out with curious interest from underneath God's arm. Behind Adam, the green ledge upon which he lies, and the mountainous background create a strong diagonal, emphasizing the division between mortal he and heavenly God. As a result the viewer's eye is drawn to the hands of God and Adam, outlined in the central space, almost touching. Some have noted that the shape of the red cloud resembles the shape of the human brain, as if the artist meant to imply God's intent to infuse Adam with not merely animate life, but also the important gift of consciousness.

This was an innovative depiction of the creation of Adam. Contrary to traditional artworks, God is not shown as aloof and regal, separate and above mortal man. For Michelangelo, it was important to depict the all-powerful giver of life as one distinctly intimate with man, whom he created in his own image. This reflected the humanist ideals of man's essential place in the world and the connection to the divine. The bodies maintain the sculptural quality so reminiscent of his painting, carrying on the mastery of human anatomy signature to the High Renaissance.

Many subsequent artists have studied and attempted to imitate parts of the work for what art historians Gabriele Bartz and Eberhard König called its "unprecedented invention." It is also one of the most parodied of Michelangelo's works, seen as humorous inspiration for The Creation of Muppet by artist James Hance in homage to Muppets creator Jim Henson used in the title sequence of the television arts program The Southbank Show borrowed from for the promotional poster for Steven Spielberg's movie ET and derived from for artist TasoShin's The Creation of Mario in homage to Miyamoto's contribution to Nintendo games.

Fresco - Sistine Chapel, Vatican City, Rome

Moisés

This grand, epic-sized statue depicts Moses seated regally to guard the tablets written with the Ten Commandments. His expression is stern, reflecting his anger at seeing his people worshipping the golden calf on his return from Mount Sinai.

Michelangelo's reputation following the sculpture of David reached Pope Julius II in Rome who commissioned the artist to come and work on his tomb. The ambitious artist initially proposed a project of over 40 figures. Yet In the final structure the central piece became this sculpture of Moses. Not only has he rendered the great prophet with a complex emotionality, his work on the fabric of Moses' clothes is noted for its exquisite perfection and look of authenticity. Again, he managed to craft a visage of seeming real life out of stone.

Pope Julius II famously interrupted Michelangelo's work on the tomb so that he could paint the Sistine Chapel. The final tomb wasn't finished until after the Pope's death in 1513, to be finally completed in 1545.

This sculpture has been at the center of much analysis, with Sigmund Freud having purportedly spent three weeks in 1913 observing the emotions expressed by the sculpture, concluding it was a supreme vision of self-control. Part of the controversy hinged around what appear to be horns protruding from Moses' head. While some see them as symbolic of his anguish, others believe them to hearken to a Latin mistranslation of the Bible in which instead of rays of light illuminating the radiance of Moses, he appears to be growing horns. This can stem from the Hebrew word Keren, which can mean 'radiated light' or 'grew horns.'

The work was eventually housed in the church of San Pietro in Vincoli in Rome where Pope Julius II had been Cardinal.

Marble - San Pietro Vincoli, Rome

The Last Judgement

This fresco covers the entire altar wall of the Sistine Chapel and is one of the last pieces in the seminal building that was commissioned by Pope Clement VII when Michelangelo was 62. In it we see the Second Coming of Christ as he delivers the Last Judgement. The monumental work took five years to complete and consists of over 300 individual figures. The scene is one of harried action around the central figure of Christ, his hands raised to reveal the wounds of his Crucifixion. He looks down upon the souls of humans as they rise to their fates. To his left, the Virgin Mary glances toward the saved. On either side of Christ are John the Baptist and St Peter holding the keys to heaven. Many of the saints appear with examples of their sacrifices. Particularly interesting is St Bartholomew, martyred by the flaying of his skin, the face on which is said to be a self-portrait of Michelangelo. The saved souls rise from their graves on the left helped by angels. On the right, Charon the ferryman is shown bringing the damned to the gates of Hell. Minos, assuming the role Dante gave him in his Inferno, admits them to Hell. Another noteworthy group are the seven angels blowing trumpets illustrating the Book of Revelation's end of the world.

In usual Michelangelo fashion, the artist depicted the traditional scene with elements of controversy, particularly by rendering its subjects nude with extremely muscular anatomies. His rendition of a beardless Christ was unusual for the time, as was the use of figures from pagan mythology. Vasari reports that the Pope's Master of Ceremonies, Biagio da Cesena, called it a disgrace "that in so sacred a place there should have been depicted all those nude figures, exposing themselves so shamefully." Michelangelo, angry at the remark, is said to have painted Cesena's face onto Minos, judge of the underworld, with donkey's ears. Cesena complained to the Pope at being so ridiculed, but the Pope is said to have jokingly remarked that his jurisdiction did not extend to Hell.

materials - Fresco, Sistine Chapel, Vatican City

The Deposition

This piece is not only sculpturally complex and indicative of Michelangelo's genius, but it carries layers of meaning and has sparked multiple interpretations. In it, we see Christ the moment after the Deposition, or being taken down from the cross of his crucifixion. He is falling into the arms of his mother, the Virgin Mary, and Mary Magdalene, whose presence in a work of such importance was highly unusual. Behind the trio is a hooded figure, which is said to be either Joseph of Arimathea or Nicodemus, both of whom were in attendance of the entombment of Christ, which would follow this event. Joseph would end up giving his tomb for Christ and Nicodemus would speak with Christ about the possibility of obtaining eternal life. Because Christ is seen falling into the arms of his mother, this piece is also often referred to as a pietà.

The multiple themes alluded to in this one piece: The Deposition, The Pietà, and The Entombment are further emphasized by the way Michelangelo carved it. Not only is it life like and intense with realism, it was also sculpted so that a person could walk around to observe and absorb each of the three narratives from different perspectives. The remarkable three-dimensionality allows the group to interact within each of the work's meanings.

The work is also a perfect example of Michelangelo's temperament and perfectionism. The process of making it was arduous. Vasari relates that the artist complained about the quality of the marble. Some suggest he had a problem with the way Christ's left leg originally draped over Nicodemus, worrying that some might interpret it in a sexual way, causing him to remove it. Perhaps Michelangelo was so particular with the piece because he was intending it for his own future tomb.

In 1555, Michelangelo attempted to destroy the piece causing further speculation about its meaning. There is a suggestion that the attempted destruction of the piece was because Nicodemus, by reference to his conversation with Christ about the need to be born again to find everlasting life, is associated with Martin Luther's Reformation. Michelangelo was known to be a secret sympathizer, which was dangerous even for someone as influential as he was. Perhaps a coincidence, but his Lutheran sympathies are given as one of the reasons why Pope Paul IV cancelled Michelangelo's pension in 1555. One of Michelangelo's biographers Giorgio Vasari also mentions that the face of Nicodemus is a self-portrait of Michelangelo, which may allude to his crisis of faith.

Although Michelangelo worked on this sculpture over a number of years he was unable to complete it and gave the unfinished piece to Francesco Bandini, a wealthy merchant, who commissioned Tiberio Calcagni, a friend of Michelangelo's, to finish it and repair the damage (all except for replacing Christ's left leg).

Marble - Museo dell'Opera del Duomo, Florence

Pietà Rondanini

Pietà Rondanini is the last sculpture Michelangelo worked on in the weeks leading up to his death, finalizing a story that weaved through his many Pietàs and now reflective of the artist's reckoning with his own mortality. The depiction of Christ has changed from his earlier St. Peter's Pietà in which Christ appeared asleep, through to his Deposition, where Christ's body was more lifeless, to now, where Christ is shown in the utter pain and suffering of death. His mother Mary is standing in this piece, an unusual rendition, as she struggles to hold up the body of her son while immersed in grief.

What's interesting about this work is that Michelangelo abandoned his usual perfection at carving the body even though he worked on it intermittently for over 12 years. It was a departure that so late in his prolific career signified the enduring genius of an artist whose confidence would allow him to try new things even when his fame would have allowed him to easily rest upon his laurels. The detached arm, the subtle sketched features of the face, and the way the figures almost blend into each other provide a more abstracted quality than was his norm, and all precursors of a minimalism that was yet to come in sculpture. The renowned sculptor Henry Moore later said of this piece, "This is the kind of quality you get in the work of old men who are really great. They can simplify, they can leave out. This Pietà is by someone who knows the whole thing so well he can use a chisel like someone else would use a pen."

This sculpture's importance was ignored for centuries, including its disappearance from public discourse until it was found in the possession of Marchese Rondanini in 1807. It has since excited many modern artists. The Italian artist Massimo Lippi is quoted as saying that modern and contemporary art began with this Pietà, and the South African painter, Marlene Dumas, based her Homage to Michelangelo (2012) on this work.


The Story Behind Michelangelo’s David

The David, perhaps the world’s most famous sculpture, surely one of Florence’s greatest attractions, stands at 5.16 meters tall in the Accademia Gallery.

This outstanding sculpture was created between 1501 and 1504 by Renaissance genius Michelangelo, after the enormous block of marble used for the statue had lied abandoned for 25 years in the courtyard of the Opera del Duomo because the two artists originally commissioned with the work thought the marble, which came from the quarries in Carrara, had too many imperfections.

Michelangelo was hired to complete the project – the sculpture was to be one of a series of statues depicting Old Testament figures, to be placed in the buttresses of the Cathedral of Florence.

Michelangelo was 26 years old when he took on the task and worked on it for more than two years, creating a masterpiece that still leaves us in awe, more than 500 years after it was created.

His interpretation of the David is different from earlier versions by Florentine Renaissance artists, such as Verrocchio, Ghiberti and Donatello, who depicted a triumphant version of the young hero, standing victorious over Goliath’s severed head. Michelangelo chose to depict David before the battle: alert and ready for combat.

Michelangelo used the a classical pose known as contrapposto, where most of the weight is on one leg, so that the shoulders and arms twist off-axis from the hips and legs, giving the statue a more dynamic look.

You can hardly see the slingshot David carries over his shoulder, implying that David’s victory was due more to his cleverness than to his sheer force. His self-confidence and concentration are values that were highly regarded in the Renaissance, which strived toward the ideal of the “thinking man”.

When the statue was almost ready, Florentine authorities realized it was too large and heavy to be raised to the roof of the cathedral. In June 1504, David was placed next to the entrance to Palazzo Vecchio, where it replaced Donatello's bronze sculpture of Judith and Holofernes. It took four days to move the statue the half mile from Michelangelo's workshop to Piazza della Signoria.

In 1873, the statue of David was removed from the piazza to protect it from damage, and placed in the Accademia Gallery, where it can be admired today. The replica you see in Piazza della Signoria was installed in 1910, in the same spot where the original used to be.

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Il David, forse la scultura più famosa al mondo, sicuramente una delle più grandi attrazioni di Firenze, si trova, con i suoi imponenti 5,16 metri di altezza, nella Galleria dell'Accademia.

Questa eccezionale scultura fu creata tra il 1501 e il 1504 dal genio del Rinascimento Michelangelo, dopo che l'enorme blocco di marmo utilizzato per la statua aveva giaciuto abbandonato per 25 anni nel cortile dell'Opera del Duomo, perché i due artisti a cui era stato originariamente commissionato il lavoro avevano decretato che il marmo, proveniente dalle cave di Carrara, avesse troppe imperfezioni.

Michelangelo fu assunto per completare il progetto - la scultura doveva essere parte di una serie di statue raffiguranti figure dell'Antico Testamento, da posizionarsi nei contrafforti del Duomo di Firenze.

Michelangelo aveva 26 anni quando ottenne l’incarico e vi lavorò per più di due anni, creando un capolavoro che, più di 500 anni dopo la sua realizzazione, ci lascia ancora a bocca aperta.

La sua interpretazione del David è diversa rispetto alle versioni precedenti di artisti fiorentini del Rinascimento, come Verrocchio, Ghiberti e Donatello, i quali avevano raffigurato una versione trionfale del giovane eroe, in piedi vittorioso sulla testa mozzata di Golia. Michelangelo scelse di rappresentare David prima della battaglia: vigile e pronto per il combattimento.

Michelangelo utilizzò una posa del Classicismo nota come contrapposto: la maggior parte del peso è su una gamba, in modo che spalle e braccia si spostino fuori asse rispetto a fianchi e gambe, per dare alla statua un aspetto più dinamico.

La fionda che David porta sopra la spalla si intravede a fatica, per implicare il fatto che la vittoria di David fu dovuta più alla sua intelligenza che alla semplice forza. La fiducia in se stesso e la concentrazione che traspaiono erano valori tenuti in grande considerazione nel Rinascimento, un periodo nel quale si guardava all'ideale di un uomo riflessivo e ragionevole.

Quando la statua fu quasi pronta, le autorità fiorentine capirono che era troppo grande e pesante per essere sollevata verso il tetto della cattedrale. Nel giugno del 1504, il David fu posto accanto all'ingresso di Palazzo Vecchio, dove sostituì la scultura in bronzo di Donatello, Giuditta e Oloferne. Ci vollero quattro giorni per trasportare la statua lungo gli 800 metri che separavano la bottega di Michelangelo da Piazza della Signoria.

Nel 1873, la statua del David venne rimossa dalla piazza per proteggerla da eventuali danni, e collocata nella Galleria dell'Accademia, dove si può ammirare oggi. La copia che si vede in Piazza della Signoria è stata installata nel 1910, nello stesso punto in cui era l'originale.


Madonna of Bruges

o Madonna of Bruges is a marble sculpture by Michelangelo of the Virgin and Child.

Madonna and Child
ArtistaMichelangelo
Ano1501–1504
ModeloMarble
Dimensões200 cm (79 in)
LocalizaçãoOnze Lieve Vrouwekerk, Bruges
Coordinates Coordinates: 51°12′17″N 3°13′28″E  /  51.20472°N 3.22444°E  / 51.20472 3.22444

Michelangelo's depiction of the Madonna and Child differs significantly from earlier representations of the same subject, which tended to feature a pious Virgin smiling down on an infant held in her arms. Instead, Jesus stands upright, almost unsupported, only loosely restrained by Mary's left hand, and appears to be about to step away from his mother. Meanwhile, Mary does not cling to her son or even look at him, but gazes down and away. It is believed the work was originally intended for an altar piece. If this is so, then it would have been displayed facing slightly to the right and looking down. The early 16th-century sculpture also displays the High Renaissance Pyramid style frequently seen in the works of Leonardo da Vinci during the late 1400s.

Madonna and Child shares certain similarities with Michelangelo's Pietà, which was completed shortly before – mainly, the chiaroscuro effect and movement of the drapery. The long, oval face of Mary is also reminiscent of the Pietà.

The work is also notable in that it was the only sculpture by Michelangelo to leave Italy during his lifetime. In 1504, it was bought by Giovanni and Alessandro Moscheroni (Mouscron), who were wealthy cloth merchants in Bruges, [1] then one of the leading commercial cities in Europe. The sculpture was sold for 4,000 florins.

The sculpture was removed twice from Belgium after its initial arrival. The first was in 1794 after French Revolutionaries had conquered the Austrian Netherlands during the French Revolutionary Wars the citizens of Bruges were ordered to ship it and several other valuable works of art to Paris. It was returned after Napoleon's final defeat at Waterloo in 1815. The second removal was in 1944, during World War II, with the retreat of German soldiers, who smuggled the sculpture to Germany enveloped in mattresses in a Red Cross truck. [2] It was discovered a year later in Altaussee, Austria within a salt mine and again returned. It now sits in the Church of Our Lady in Bruges, Belgium. This is represented in the 2014 film The Monuments Men.


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