História da Arte: Linha do Tempo e Arte Antiga

História da Arte: Linha do Tempo e Arte Antiga

A história da arte conta a complexa história da civilização humana por meio da arte e do design. Ele abrange desde a arte pré-histórica do período Neolítico até as obras-primas do Renascimento, o Impressionismo, o Modernismo, a Bauhaus e a arte contemporânea.


Fatos da história da arte e planilhas # 038

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Arte já existe há muitos milhares de anos. Das pinturas e esculturas em cavernas dos povos antigos à arte mais moderna da era abstrata e renascentista. Abaixo estão alguns fatos e informações interessantes sobre a história da arte e suas origens ou você pode baixar nosso coleção de planilhas e ensinar tudo sobre a história da arte na sala de aula ou no ambiente de ensino doméstico.

  • Ninguém sabe especificamente quando as primeiras pessoas começaram a produzir arte, mas acredita-se que a arte foi criada há 100.000 anos
  • A obra de arte mais antiga vem da África na forma de esculturas em pedra. Existem muitos exemplos de pinturas e esculturas em cavernas da África e da Europa, que datam de 32.000 aC.
  • Por volta de 9.000 aC, as pessoas começaram a deixar de ser nômades viajantes para se estabelecerem em aldeias. Nessa época, a arte começou a evoluir para peças maiores. Na Ásia Ocidental e no Egito, as primeiras estátuas de pedra e argila foram criadas e também foi quando os artistas começaram a criar cerâmicas decoradas.
  • Por volta de 3.000 aC, as pessoas aprenderam a trabalhar com metais e começaram a criar pequenas peças de arte de bronze e, muitas vezes, pequenas estatuetas. Esta foi a época em que as pessoas na Grécia e na Índia começaram a criar arte e no Egito os escultores estavam criando estátuas de pedra grandes e realistas, pintadas de forma realista e em tamanho natural.
  • A Idade das Trevas por volta de 1.100 aC no Leste Asiático e no Mar Mediterrâneo fez com que a maioria das pessoas não tivesse dinheiro para comprar obras de arte. Os artistas pararam de criar suas peças por várias centenas de anos.
  • Após a Idade das Trevas, foi na Grécia que a escultura Arcaica e Clássica foi iniciada, juntamente com as pinturas de figuras negras e vermelhas em vasos.
  • Os etruscos na Itália começaram a criar grandes estátuas de pedra e argila, bem como cerâmica pintada que eles também criaram.
  • As coisas mudaram quando Alexandre o Grande conquistou a Ásia Ocidental em 325 aC e as pessoas puderam viajar por todo o império. Ideias sobre arte foram trocadas e isso levou às primeiras estátuas de pedra gregas a chegarem à Índia com escultores indianos que seguiam os métodos gregos para esculpir grandes estátuas de Buda.
  • A ascensão do Império Romano espalhou a arte grega para o oeste, bem como com artistas no norte da África e no norte da Europa criando peças de arte no estilo romano.
  • Esta época romana é quando o vidro soprado se tornou uma forma de arte. Foi inventado por artistas fenícios e vendido para a Inglaterra e China.
  • Em 200 DC, os artistas começaram a experimentar e se afastaram da pintura e esculturas realistas para uma forma mais abstrata. Estátuas com olhos maiores, por exemplo, eram para indicar que o sujeito tinha uma alma forte.
  • Houve uma segunda Idade das Trevas após a queda de Roma em 450 DC e, novamente, pouca arte foi produzida por várias centenas de anos.
  • Na China, nessa época, eles começaram a fazer novos tipos de pintura usando uma nova invenção que iria revolucionar o mundo da arte: o papel!
  • Na época medieval, a arte estava evoluindo e mostrando o mundo de forma diferente. O cristianismo se tornou um grande tema, assim como o islamismo.

Planilhas de História da Arte

Este pacote contém 11 prontos para usar Folhas de trabalho de história da arte que são perfeitos para alunos que desejam aprender mais sobre a história da arte. De pinturas em cavernas e esculturas dos povos antigos à arte mais moderna da era abstrata e renascentista, a coleção de planilhas cobre a quantidade certa de conhecimento para introduzir a história da arte na sala de aula ou no ambiente doméstico.

O download inclui as seguintes planilhas:

  • Fatos da história da arte
  • Palavras cruzadas artísticas
  • Quem fez isso?
  • Comparação de Arte
  • Arte em todo o mundo
  • Dê um nome à arte
  • Minha Própria Versão
  • Eu sou um artista
  • Crítico de arte
  • Artista favorito
  • Refletindo sobre a arte

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Cronologia da História da Arte

Nossas linhas do tempo da história da arte oferecem uma explicação simples dos principais estilos de arte, destacando artistas importantes e pinturas-chave de cada movimento.

JAMES ROSENQUIST (1933-2017)
Time Stops the Face Continues, 2008 (óleo sobre tela com espelho giratório)

Nossas linhas do tempo da história da arte delineiam o desenvolvimento estilístico da arte ocidental e moderna de 330-1975. Para apreciar plenamente o trabalho de qualquer artista ou movimento artístico, é necessário compreender sua posição na Linha do Tempo da História da Arte. Como a maioria das novas obras de arte é uma reação contra ou desenvolvimento de um estilo anterior na linha do tempo, é esclarecedor conhecer o contexto artístico e histórico em que foi criada.


Linha do tempo da história da arte

Vinte mil anos atrás, quando o clima mundial começou a esquentar lentamente após a última grande glaciação, e os povos asiáticos cruzaram o estreito de Bering entre a Sibéria e o Alasca, esses novos americanos se espalharam pelos dois grandes continentes. Armas e ferramentas são feitas de madeira, pedra e osso. A corda, a rede e a cestaria se desenvolvem e a cerâmica temperada com fibra é eventualmente queimada. A prática de colocar sepulturas significativas sob montes de terra e pedra é iniciada.

Caçadores na América do Norte perseguiam animais de grande porte para se alimentar. Hábeis na tarefa, esses americanos deixaram evidências de atividades em grande parte do continente, onde muitos de seus locais de vida e locais de caça são agora conhecidos. Blackwater Draw no leste do Novo México, que evidencia a atividade humana de cerca de 9.500 a 3.000 a.C., é um dos primeiros locais de caçadores mais importantes. Animais de grande porte eram atraídos por ela para obter água - as fontes de água eram locais produtivos para a caça - e as armas com as quais os animais eram abatidos eram principalmente de pedra.

As pontas do projétil de pedra, ou lança, usadas pelos primeiros caçadores eram lindamente feitas. Elegantes e úteis, os pontos do primeiro complexo cultural a ser definido para a América do Norte (por volta de 9500 a.C.) são conhecidos como pontos de Clovis. Encontrados no Blackwater Draw, os pontos Clovis eram feitos por meio de um chert, ágata ou jaspe de cores lindas e descamadas sob pressão e têm formatos distintos. Bifacial, ou seja, pontiagudo em ambos os lados, eles têm um grande centro, ou "canal", floco removido da parte inferior. Esse detalhe deu a eles o nome de pontas caneladas, e eles são peculiarmente americanos

Os melhores exemplos foram encontrados na caverna Lovelock, um abrigo aberto na rocha no oeste de Nevada, datado de cerca de 3.000 aC. Foi habitado por muito tempo e permaneceu em uso até os tempos históricos. Grandes quantidades de materiais perecíveis, como iscas de pássaros, cestos, cestaria, penas e cobertores de pele, também foram descobertos lá.

Evidências de fabricação de cerâmica aparecem durante o início do período Neolítico, com o surgimento da agricultura e da vida sedentária. À medida que as aldeias se desenvolvem em culturas estabelecidas, as discretas tradições da cerâmica evoluem, mostrando uma abordagem chinesa distinta à forma, decoração e técnica, levando à identificação de mais de trinta culturas do Neolítico Tardio em toda a China. Outros artefatos incluem o mais antigo instrumento de múltiplas notas (flauta) e revelam evidências dos primeiros usos da laca, da escrita e dos temas do tigre e do dragão. Acredita-se que os objetos feitos de jade tenham desempenhado um papel cerimonial nas culturas do neolítico tardio.

Por volta de 10.000 & ndash7000 a.C. evidências iniciais de cerâmica podem ser encontradas, geralmente associadas ao surgimento da agricultura e da vida sedentária, provenientes de abrigos de rocha descobertos em locais nas províncias do sul de Zhejiang e Guangxi.

Durante o período neolítico tardio, por volta de 5000 a.C., numerosas culturas estabelecidas, que cada vez mais interagem umas com as outras e muitas vezes são altamente estratificadas, florescem em toda a China. No início do século XX, apenas duas dessas culturas eram conhecidas, enquanto hoje mais de trinta foram identificadas. Eles se distinguem uns dos outros pelos tipos de cerâmica ou entalhes de jade que produzem, geralmente recebem o nome de sítios arqueológicos específicos e costumam ser subdivididos em fases.
Algumas das primeiras cerâmicas pintadas são produzidas pela cultura Yangshao por volta de 5.000-1500 aC, que floresce primeiro no centro-norte da China e depois no noroeste. Os primeiros designs de Yangshao incluem máscaras, figuras dançantes, sapos e criaturas com penas. Os exemplos posteriores são caracterizados por seus motivos geométricos vibrantes.

Entre 3500 e ndash2500 a.C., culturas como Hongshan no nordeste e Liangzhu no sudeste produziram uma variedade surpreendente de estatuetas, adornos e implementos feitos de jade (nefrita) e geralmente decorados com gravuras ou entalhes em baixo relevo. Além disso, esculturas de argila incomuns (para a China) de mulheres com estômagos salientes, provavelmente indicativas de gravidez e, portanto, talvez usadas como amuletos de fertilidade. Alguns são em tamanho real, encontrados em locais associados à cultura Hongshan, como Dongshangzui e o & quotTemple of the Goddess & quot na província de Liaoning.

A história da Europa primitiva, também conhecida como período Paleolítico, está repleta de exemplos muito antigos de prática artística rudimentar, e a variedade de materiais usados ​​é mais ampla do que você poderia esperar. Pequenos entalhes na rocha, como a Vênus de Willendorf, batizada com o nome de onde foi encontrada na Áustria e considerada um talismã de fertilidade, foram encontrados ao lado de marfim esculpido de mamutes de períodos tão antigos quanto 7.000 AC, cerâmica de 5.000 AC e até pinturas rupestres feitas com pigmentos naturais, sendo os primeiros exemplos europeus conhecidos deles nas cavernas de Lascaux, na França. Isso já mostra uma amplitude de experimentação humana, pois a cerâmica e outras esculturas são cobertas por marcações lineares estilizadas, brincando com padrões repetidos de forma geométrica e abstrata para decoração simples.

A tecnologia de jardinagem avança, levando ao desenvolvimento da agricultura e à longa transição da vida de caçadores-coletores para a vida assentada em aldeias. O milho e as técnicas para seu cultivo, sem dúvida introduzidas do México, estão presentes no Sudoeste. O milho se torna a cultura alimentar mais significativa na América do Norte nativa, e a presença de cerâmica leva a grandes mudanças no armazenamento e transporte de alimentos.

No Ártico oriental e ocidental, são produzidas pequenas ferramentas de pedra delicadamente feitas. A Tradição de Pequenas Ferramentas do Ártico, caracterizada por uma similaridade tecnológica de ferramentas, surge na região do Estreito de Bering e é subsequentemente encontrada em todo o Ártico ocidental e oriental.

Por volta de 1500 a.C., grandes aterros - construções feitas pelo homem, acima do solo, como túmulos, fortificações e cumes - começam a ser erguidos no que agora é conhecido pelos arqueólogos como Ponto de Pobreza. Poverty Point está localizado no vale do baixo Mississippi, na Louisiana, perto da Costa do Golfo e da confluência de seis rios principais. Estrategicamente localizado em várias rotas comerciais, o local de Poverty Point era grande e influente, dominando grande parte da região circundante e servindo como um foco para inovação e crescimento. A configuração de suas estruturas de barro é considerada única, visto que são notavelmente concêntricas, cristas semi-elípticas de grande tamanho e não tinham igual em grandeza em sua época.

As atividades de movimentação de terra para a modelagem da ampla praça começaram por volta de 1500 a.C. e embora a história da construção do local não seja bem compreendida hoje, as estruturas de barro foram construídas e ampliadas por centenas de anos, com o local atingindo seu plano final por volta de 1000 a.C. As semielipses concêntricas encerram uma praça aberta cobrindo uma área de cerca de 34 acres. Aberturas semelhantes a corredores correm entre os anéis concêntricos, que se pensa terem mais de um metro e oitenta de altura. Eles podem ter funcionado, pelo menos parcialmente, como áreas de convivência. O maior monte no local atinge uma altura de mais de 21 metros e fica adjacente ao lado oriental das grandes cristas. O monte tem um plano e forma complexos e parece ser semelhante a um pássaro.

Objetos escavados em Poverty Point e locais relacionados eram frequentemente feitos de materiais originários de lugares distantes, compreensíveis devido à sua localização em uma confluência de redes comerciais viáveis, e incluem pontas de projéteis de pedra lascada e ferramentas, prumos de pedra do solo, gorgetes e vasos, e contas de concha e pedra. Objetos de argila modelados à mão, cozidos em baixa temperatura, apresentam-se em uma variedade de formas. Estatuetas e bolas de cozinha estão entre eles.

O local do Ponto de Pobreza foi relatado pela primeira vez em 1873, quando as cristas semi-elípticas foram consideradas formações naturais. Foi apenas na década de 1950, quando o local foi visto do ar, que os arqueólogos perceberam que eles eram feitos pelo homem.

Ao longo dos anos, e no passado 1.000 aC, os modos de vida dos caçadores-coletores continuam nas florestas orientais, onde os povos da cultura Adena constroem terraplenagens em locais de várzea ao longo do vale do rio Ohio e desenvolvem cerimônias comunitárias complexas. Os costumes funerários são elaborados: bens fúnebres incluem materiais de luxo e ornamentos pessoais, bem como ferramentas. No sudoeste, embora a mobilidade da população ainda seja um fator, cavernas rasas são construídas. O uso de cerâmica é iniciado.

A Tradição das Pequenas Ferramentas do Ártico continua, e os povos do Ártico ao redor do Estreito de Bering desenvolvem uma tecnologia de caça marinha bem-sucedida, provavelmente baseada nas tradições asiáticas, para a captura de mamíferos marinhos. Por volta de 100 aC, o entalhe em marfim de morsa é uma tradição consolidada e bem definida. Em todo o continente, os objetos associados à caça e ao sepultamento são cuidadosamente confeccionados e decorados, implicando em significados rituais.

De 2000 a.C. metais começam a ser usados ​​de forma consistente em toda a China para fazer facas, furadores, sinos e joias.

Os primeiros bronzes chineses foram feitos pelo método conhecido como fundição de molde de peça - em oposição ao método de cera perdida, que foi usado em todas as outras culturas da Idade do Bronze. Na fundição em molde por peça, é feito um modelo do objeto a ser fundido e um molde de argila retirado do modelo. O molde é então cortado em seções para liberar o modelo, e as seções são remontadas após a queima para formar o molde para fundição.
A área ao longo do rio Amarelo na atual província de Henan emergiu como o centro das culturas mais avançadas e letradas da época e se tornou a sede do poder político e militar da dinastia Shang (cerca de 1600 e ndash1050 aC), a mais antiga arqueologicamente dinastia registrada na história chinesa.

Jade, junto com o bronze, representa a maior conquista da cultura material da Idade do Bronze. Em muitos aspectos, a dinastia Shang pode ser considerada o culminar de 2.000 anos de arte da escultura em jade. Registros escritos e evidências arqueológicas nos informam que o jades era usado em oferendas de sacrifício a deuses e ancestrais, em ritos funerários, para registrar tratados entre estados e em cerimônias formais nas cortes dos reis.

Do final do século 6 ao início do 5 a.C. foi um período crítico no desenvolvimento da arte da fundição de bronze no final da Idade do Bronze na China, onde as técnicas começaram a incorporar a decoração da superfície, intrincados padrões compostos por máscaras de animais e faixas entrelaçadas terminando em cabeças de dragão e caudas emplumadas, fazendo uso de motivos de períodos anteriores, mas de uma maneira que sugere arranjos geométricos.
Embora a decoração da superfície tenha sido executada inteiramente no molde - o método tradicional de usinagem na China - a introdução da moldagem de cobre dentado, vazado na boca do vaso, anuncia o início de um novo estilo e técnica de usinagem que foi introduzido para a China do Ocidente neste momento. Após esse período, o uso de outros metais além do bronze (cobre, prata e ouro) como parte da decoração tornou-se mais comum.

Durante o período dos Estados Combatentes (cerca de 475 e ndash221 a.C.), a China foi dividida em países menores e conflitantes, foi um período de brilho técnico e artístico conhecido por seus vasos de bronze com decoração incrustada em prata e ouro.

As primeiras pinturas existentes em seda podem ser datadas de 400 e ndash200 a.C., uma mostrando uma mulher com um dragão e uma fênix, a outra um homem com as mesmas criaturas mitológicas, são escavadas em locais associados ao estado de Chu. Os motivos de animais e criaturas estão firmemente enraizados na psique decorativa chinesa agora, e ainda persistem até hoje.

Por volta de 100 a.C., esculturas de pedra monumentais, valorizadas por sua aura de permanência, aparecem acima de tumbas e em outros locais públicos. No primeiro século d.C., as estradas & quotspirit & quot, avenidas de monumentos de pedra e figuras que circundam o acesso a uma tumba imperial substituíram os exércitos de terracota comuns anteriormente.

Na península italiana, entre 2000 e 1000 a.C., os ligurianos e os raetianos, ambas tribos de origem desconhecida, se estabeleceram no noroeste e nos vales alpinos. As tribos itálicas entram pelo norte, trazendo consigo o conhecimento do bronze. Com a disseminação do uso de metais, o comércio de obsidiana diminui drasticamente, com graves repercussões econômicas nas ilhas Lipari e em Melos.
Por volta de 1800 e 1300 a.C. surge a sexta cidade de Tróia (uma das muitas iterações de um assentamento ali no mesmo local). A sofisticação de sua arquitetura militar pode ser comparada com a dos palácios de Creta.
Logo, torna-se lugar comum em toda a Europa que a cremação seja a norma no lugar do enterro por inumação - as cinzas são enterradas, geralmente com alguns bens de túmulo, em urnas colocadas nos terrenos do cemitério. Isso confere à cerâmica, desenvolvida muitos anos antes, uma função ritual específica, diferente do uso doméstico. A mudança parece indicar novos conceitos religiosos, que dão menos importância à materialidade do corpo e deixam objetos preciosos em grande parte para os vivos, dando maior ênfase à tradição hereditária e à longevidade da criação artística e prática.
Por volta de 1200 aC, a produção metalúrgica, já conhecida na Europa há mais de mil anos, aumenta dramaticamente. Os Smiths lidam com grandes quantidades de bronze e ouro e exploram técnicas sofisticadas, como fundição por cera perdida e fundição em moldes em muitas peças. Estamos agora firmemente na Idade do Bronze.

Na Grécia Antiga, em 776 a.C., são fundados os Jogos Olímpicos. Realizado uma vez a cada quatro anos, os jogos homenageiam o Zeus Olímpico. Os primeiros jogos acontecem em um dia e consistem em corrida e luta livre. No século 7 a.C., eles foram reorganizados para incluir corridas de bigas e corridas de cavalos individuais. Segundo a tradição, o bardo cego Homero compõe a Ilíada e a Odisséia por volta de 750 a.C. Seguindo a tendência atual de civilização, nessa época os gregos começaram a se aventurar no exterior e estabelecer colônias no sul da Itália e na Sicília.


Por volta de 525 aC, a técnica de cerâmica de figuras vermelhas é pioneira em Atenas. Esta técnica é o oposto direto da figura negra, já que o fundo de um vaso é pintado com uma corrediça preta e as figuras e outros detalhes são deixados em reserva como a cor do barro. Linhas de contorno e alguns detalhes internos podem ser adicionados com um deslizamento diluído. Taças grandes e kraters seguindo a técnica da cerâmica de figuras vermelhas ou pretas são usadas como prêmios para os vencedores de jogos esportivos, como as Olimpíadas.

Em 447 AC & ndash432 AC, o Partenon foi construído em Atenas, o feito número um da arquitetura até então, e ainda permanece como uma Maravilha do Mundo Antigo. Uma combinação de classe de design, matemática, religião e escultura contemporânea, o Partenon é definido como uma referência para a arquitetura global. Os laços entre arte e religião estão cada vez mais estreitos a cada dia.

Do outro lado do mar Egeu, em 509 a.C. uma república aristocrática é estabelecida em Roma. Então, em
146 a.C., após anos de comércio, literatura e cultura compartilhados, sob o cônsul Múmio Achaico, os romanos saquearam Corinto e dissolveram a Confederação Aqueia. A partir dessa época, a Grécia é governada por Roma.
Muitas grandes obras-primas da Grécia Antiga, como a Vênus de Milo de mármore que hoje está no Louvre, sobrevivem apenas como cópias feitas por artesãos romanos. Quando estátuas gregas e outras obras de arte são importadas para Roma, elas despertam tanto entusiasmo que escultores locais produzem cópias para atender às demandas do mercado.

Alguns dos mais suntuosos exemplos de mosaicos que ainda nos restam, foram encontrados em Pompéia e datados de cerca de 100 aC, como se a técnica já existisse há anos, os pompeianos os haviam refinado e aperfeiçoado. Outras técnicas interessantes lançadas nessa época incluem o sopro do vidro, introduzido na península italiana por artesãos do Mediterrâneo oriental, facilitado pela nova estabilidade proporcionada pelo Império Romano e que revoluciona a indústria italiana de fabricação de vidro.

O principado de Augusto foi estabelecido em 27 a.C. e, assim, começa o período do Principado ou Império Romano. Augusto famoso é citado como tendo dito & ldquoI encontrei uma cidade feita de tijolos. Eu deixei um feito de mármore. & Rdquo Isso é uma referência aos extensos programas de construção que ele iniciou em torno da cidade, construindo a cidade para parecer digna de um imperador.

A comunicação inter-regional aumenta junto com o comércio de longa distância de materiais preciosos, especialmente nas florestas do leste. Cobre, mica, obsidiana e conchas marinhas são amplamente comercializadas, e os objetos feitos a partir delas são marcadores de status quando aparecem em túmulos. Em Hopewell, no North Fork de Paint Creek, em Ohio, um grande recinto de terraplenagem é construído ao redor de um grande monte de terra com nove metros de altura. Os povos Hohokam do Deserto de Sonora, no Arizona, têm laços com o México, como pode ser visto em objetos de cerâmica de aparente importância ritual, como estatuetas. No Ártico, as tecnologias de caça marinha são bem-sucedidas e, em Point Hope, Alasca, os costumes funerários são elaborados com o entalhe significativo de objetos feitos de marfim de morsa.

Centros florescentes com enormes terraplenagens em formas geométricas tão variadas quanto octógonos, trapézios e elipses estavam presentes na região de Hopewell, no sul de Ohio. Um desses locais de terraplenagem, conhecido hoje como Mound City, perto de Chillicothe, Ohio, tem uma concentração particularmente alta de túmulos, levando à suposição de que era principalmente funerário, usado para esse fim por locais vizinhos.

Uma extensa rede de comércio de materiais exóticos existia durante o período, tornando enormes quantidades de objetos preciosos disponíveis para uso e sepultamento com as pessoas poderosas das comunidades. Os enterros no chamado Monte de Pipes em Mound City produziram mais de 200 cachimbos de pedra, representando animais e pássaros em uma forma tridimensional bem desenvolvida. Objetos em outros materiais, por exemplo cobre da área dos Grandes Lagos e mica do sul dos Apalaches, foram usados ​​para criar placas elaboradas, ornamentos e imagens recortadas de perfil. Os enfeites de cobre incluíam colares, pulseiras, couraças e carretéis de orelha. Uma sofisticada tradição de cerâmica produziu muitos frascos curtos e redondos que foram encontrados em túmulos em toda a área de comércio de Hopewell.

Já podemos ver que com a vasta paisagem do continente americano, a influência da tradição criativa vem de três áreas distintas. As populações crescem e os assentamentos permanentes aumentam ao longo do período, enquanto as adaptações regionais às condições ambientais e os consequentes estilos de vida especializados evoluem. Primeiro do sul, através do que hoje é o México, com fortes laços com o Arizona e o que agora é o extremo sul. No final do primeiro milênio, decorações distintas e locais de cerâmica são desenvolvidas, como no Vale Mimbres do Novo México.

Em segundo lugar, da tradição ártica, perto do Estreito de Bering, onde uma tradição de caça diferente e específica moldou a vida cultural e a prática ritual. As baleias agora são caçadas com sucesso, mas as evidências de um novo equipamento de arco e flecha e armadura sendo desenvolvido nesta época indicam que havia uma séria competição entre as tribos pelos recursos disponíveis.

Finalmente, no Nordeste, perto dos Grandes Lagos e da bacia do Mississippi, rotas comerciais florescentes expandiram os assentamentos individuais além de apenas vivenciar uma vida local e costurar a aparência de uma identidade maior. Na região central do Mississippi, conhecida como fundo americano, os centros montanhosos - alguns com estruturas colocadas em torno de praças comunitárias - tornam-se politicamente dominantes.

Li Yuan, membro de uma família aristocrática do norte com uma longa história de serviço governamental, estabelece a dinastia Tang (que funcionará 618 e 906), governando como imperador Gaozu. Seu mausoléu e os de seus sucessores são enormes complexos com várias câmaras cobertos por túmulos, e acessados ​​por estradas espirituais ladeadas por altas figuras de pedra. Recentemente, várias dessas tumbas, bem como os numerosos sepultamentos de aristocratas e funcionários que as acompanham, foram escavadas, fornecendo novo material para o estudo da pintura, escultura, cerâmica e trabalho em metal de Tang.

Sob seu governo e de seus ancestrais, a arte e a literatura floresceram, refletindo as influências das diferentes culturas com as quais a China mantém relações diplomáticas e comerciais. Além da pintura e da caligrafia, o período Tang é conhecido por suas esculturas budistas, trabalhos em metal e cerâmica, e por suas figuras de tumbas vitrificadas e vasos de corpo branco

A indústria têxtil chinesa é desenvolvida em um nível fantasticamente detalhado durante o período de alta Tang. A estrutura é de um tipo conhecido como jin, uma trama composta, e é tipicamente embelezada com decorações florais, onipresentes em tecidos Tang e artes decorativas. Certos elementos de influência vieram do Mediterrâneo oriental e foram transmitidos pela Ásia Central nos primeiros séculos da era cristã. No início do século VIII, o medalhão floral & quotChinese & quot foi encontrado no leste da Ásia Central, que então fazia parte do império Tang.

Além dos mercadores do Mediterrâneo que se dirigiam para o leste, por volta de 650 DC, comerciantes e diplomatas árabes haviam chegado, apresentando o Islã à China. Devido a esses volumes crescentes de comércio, tanto internacional quanto internamente, & quotExchange notes, & quot, certificados negociáveis ​​apelidados de & quotflying money & quot, entraram em circulação. Eles são considerados os precursores das notas, amplamente difundidos no início do século XI.

A qualidade do envasamento e a produção de peças de cerâmica fina parecem não ter sido afetadas pela turbulência política que tomou conta da China quando a dinastia Tang (618 e ndash906) perdeu sua preeminência no início do século X. Após a queda da dinastia em 907, a China é mais uma vez dividida em norte e sul, governada por dinastias e reinos concorrentes.

Sob os auspícios dos imperadores romanos, a península italiana, especialmente Roma e seus arredores, experimenta grandes conquistas na literatura, arquitetura e artes.

Em 43 d.C., começa a conquista romana da Grã-Bretanha. A cultura romana torna-se bem estabelecida entre os bretões, que até então não haviam se desenvolvido muito além do padrão de prática artística da Idade do Bronze. Na década de 130 d.C., o imperador Adriano construiu uma parede com muitos quilômetros de extensão nas colinas da Nortúmbria, marcando o limite noroeste do Império Romano.

Curiosamente, os romanos consideravam as obras em bronze mais prestigiosas do que as feitas em mármore, e as estátuas de bronze eram comuns no período romano. No entanto, bronzes em tamanho real são uma raridade nas coleções modernas porque eram rotineiramente derretidos na Idade Média devido ao seu valor metálico inerente.

Seguindo o costume de uma tendência nitidamente romana desde a liderança de Augusto & rsquo, em 101 o imperador Trajano encomendou um friso em espiral para comemorar suas campanhas militares vitoriosas no exterior. Isso se tornaria conhecido como coluna Trajano e rsquos, e ecoava a propaganda marmórea que Augusto utilizou em seu Ara Pacis, um grande monumento público que demonstra uma imagem pública cuidadosamente orquestrada para o mundo.

Por volta de 200 DC, pinturas frequentemente chamadas de retratos Faiyum (embora nem todas venham do oásis Faiyum), são produtos típicos da sociedade multicultural e multiétnica do Egito romano. Estes não são encontrados decorando paredes como afrescos, mas são alguns dos primeiros exemplos de uma obra de arte independente, além da escultura. A maioria deles é pintada na elaborada técnica encáustica, na qual os pigmentos eram misturados com cera de abelha quente ou fria e outros ingredientes. Esse meio versátil permitiu que os artistas criassem imagens que, em muitos aspectos, são semelhantes a pinturas a óleo. Essa forma de pintura, que é muito diferente do estilo egípcio tradicional, mas era bem conhecida no Egito ptolomaico, teve origem na Grécia clássica nos séculos V e IV a.C.

Afastando-se da influência romana, em 350 DC o império bizantino era o poder político e cultural dominante nos Bálcãs durante os primeiros séculos medievais. Os principais centros urbanos incluem Constantinopla, a capital política e religiosa do império, e Thessaloniki, estrategicamente situada ao longo da principal rota terrestre que conecta Bizâncio ao Ocidente. O desenvolvimento de um tipo de edifício grande, abobadado e planejado centralmente está entre os grandes avanços da arquitetura bizantina do período. Nas artes, a tecelagem da seda e o esmalte cloisonn & eacute surgem como novas técnicas pelas quais os artesãos bizantinos se tornaram famosos em todo o mundo medieval.

Em 530 DC, a cristianização da cidade clássica de Atenas estava em pleno vigor, pois as escolas de filosofia antiga foram fechadas pelo imperador Justiniano I (r. 527 e ndash65). Durante o século VI, o Partenon foi convertido para ser usado como a catedral da cidade e o interior do templo foi decorado com afrescos cristãos. Em 537, a monumental Hagia Sophia é consagrada pelo imperador Justiniano I, como catedral de Constantinopla e residência do patriarca bizantino.
O poder que muitos crentes religiosos da época conferiam à prática artística é muito interessante. Não são apenas representações de religião usadas na adoração, mas em 626 um ícone de Cristo teria repelido o ataque sassânida-persa e avar a Constantinopla. Ao longo da história da capital bizantina, os ícones são creditados com a defesa da cidade e rsquos. No ataque árabe a Constantinopla (674 & ndash78), um ícone de painel pintado da Virgem defende a cidade.

Um intenso interesse em sistematizar o conhecimento e preservar as tradições passadas é visto na cultura bizantina neste período, sob o patrocínio de imperadores do século X, incluindo Constantino VII Porfirogeneto (r. 945 e ndash59). Tratados sobre a cerimônia imperial, bem como história, relações exteriores e militares, são realizados durante o reinado de Constantino. Estilos classicizantes e naturalistas na pintura manuscrita do século X e esculturas em marfim estão ligados a esse crescente interesse pelo passado. Historiadores contemporâneos elogiam o próprio Constantino como um pintor de imagens realistas e realistas.

Olhando para trás, para o oeste, onde a atração do cristianismo era mais forte, em 962 Otto I, duque da Saxônia e rei dos alemães, é coroado imperador pelo Papa João XII. Este renascimento do Império Romano no Ocidente virá a ser conhecido como Sacro Império Romano. Até a dissolução do império em 1806, todo candidato à eleição ao trono deve ser capaz de rastrear sua ancestralidade até Otto I. Em 968, o imperador Otto I completa e dedica uma nova catedral em Magdeburg na Saxônia e logo depois em 972 Otto II casa-se com uma princesa bizantina, Teófano, criando assim uma aliança entre os impérios otoniano e bizantino. Neta de Otto I, Mathilde torna-se uma patrocinadora extraordinária das artes, contribuindo com muitos itens extravagantes, como candelabros e cruzes processionais com joias para a fundação da igreja religiosa. A maior expressão da munificência de Mathilde & # 39s é uma estátua de ouro da Virgem, que é uma das primeiras esculturas em grande escala da Alemanha medieval.
Por volta de 1000 dC, o imperador Otto III encomendou um suntuoso livro do evangelho ilustrado com miniaturas notáveis ​​por sua expressividade linear e dívida com os modelos bizantinos. Outras encomendas otonianas incluem frontais de altar magníficos, objetos do tesouro e esculturas arquitetônicas. Os artistas otonianos expandem a linguagem gestual e o potencial narrativo de cenas com muitas figuras, experimentam maneiras de expressar emoções e trazem peso e graça às representações da forma humana.

No início do século XV, muitos povos nativos povoaram a América do Norte. Eles falam inúmeras línguas e seguem diversos padrões que são adaptados e variam de acordo com seus ambientes.

A chegada dos europeus no final do século, seguida pela chegada de pescadores, comerciantes de peles, caçadores de ouro e colonos, altera para sempre o modo de vida dos nativos americanos. Os contatos entre europeus e nativos americanos aumentam no século seguinte, principalmente no Nordeste, onde o comércio se expande e as artes da região iniciam um período de integração de elementos estranhos em objetos de uso cotidiano. Essa integração, de uma forma ou de outra, ocorre em todo o continente, as especificidades variam com o tempo, o local e os grupos envolvidos. Também novas doenças chegam com os europeus, iniciando um ciclo de dizimação que durará até o século XIX.

Em 1492, Cristóvão Colombo pousou em uma ilha do Caribe e a reivindicou para os reis da Espanha. Logo depois disso, em 1497, John Cabot reivindica a Terra Nova para a Inglaterra. A vida no continente norte-americano nunca mais será a mesma. Pescadores europeus investigam as possibilidades de comércio de peles de animais. O comércio de peles se torna uma grande força econômica em toda a América do Norte e revoluciona a moda na Europa.

A partir do início do século 17, os europeus colonizam a América do Norte motivados por objetivos religiosos e econômicos. Dezenas de milhares de migrantes ingleses se estabelecem ao longo da costa atlântica da América do Norte entre 1607 e 1675. Eles ocupam terras que antes eram o território dos nativos americanos em três grandes regiões conhecidas hoje como Nova Inglaterra, Médio Atlântico e Chesapeake. Os ingleses trazem tradições distintas através do Atlântico com eles, mas sua experiência nas colônias costeiras os empurra para novos modos de vida social e cultura material. Na virada do século XVIII, as elites coloniais emergem nas colônias em maturação, proprietários de plantations no Sul e os mercadores coloniais no Norte se destacam como os principais patrocinadores das artes.

No entanto, o desejo britânico de aumentar as receitas para financiar as operações do império, gerando assim uma crise na relação política entre a metrópole e os colonos, que eventualmente deflagra uma guerra pela independência, 1775 e 1783.

Após a Revolução Americana, um novo governo federal e uma nova cultura federal emergiram nos Estados Unidos da América. Um arranjo inovador de compartilhamento de poder entre o eleitorado, os estados e o governo nacional é criado com a elaboração e ratificação da Constituição dos Estados Unidos. No entanto, as divisões permanecem entre o Norte e o Sul quanto a como reconstruir uma nova nação e patronos e artistas também elaboram uma cultura nacionalista distinta em torno dos princípios neoclássicos, olhando para as antigas repúblicas da Grécia e Roma em busca de inspiração para sua nova república.

De 1100 & ndash1125 DC, o mais famoso esteta-imperador da história chinesa, Huizong, reina. Ele é conhecido como pintor e patrono das artes, mas avaliado como um governante fraco que perde o império para os invasores mongóis. Um catálogo de sua coleção de pinturas, publicado em 1123, conta com cerca de 6.000 obras. Huizong também é famoso por estabelecer uma academia de pintura em 1104 e por seu gosto pela cerâmica, preferindo as peças Ru esmaltadas em azul / verde em vez de Ding esmaltado em branco. A coleção de antiguidades torna-se moda durante seu reinado.

Mudando ligeiramente o foco para o Japão de 1400 agora, neste ponto da história o Japão é totalmente feudal, dividido em províncias mais autocráticas do que o continente, embora seja um país muito menor. Devido a essa guerra constante, um modo de vida militar foi incutido em todas as esferas de sua cultura e, por meio de raros exemplos sobreviventes de yoroi (armaduras) medievais, podemos ver como seus designs artísticos tradicionais alimentaram suas necessidades práticas. O yoroi é caracterizado por uma couraça que envolve o corpo e é fechada por um painel separado (waidate) do lado direito e por uma saia funda de quatro lados.Em uso por volta do século X ao XIV, os yoroi eram geralmente usados ​​por guerreiros a cavalo.
Esta armadura foi originalmente atada em seda branca e tinha faixas diagonais de laços multicoloridos nas bordas da saia e o sode agora ausente (protetores de ombro). Os laços coloridos simbolizavam o arco-íris, que representava boa sorte e beleza passageira. O peitoral é coberto com couro estampado com a imagem da poderosa divindade budista Fudo Myo-o, cujo semblante feroz e atributos de calma e força interior eram altamente valorizados pelos samurais. O capacete, há muito associado a esta armadura, data de meados do século XIV.

Isso nos leva ao período Muromachi, 1400-1600 DC, em homenagem ao distrito de Kyoto onde a sede da família Muromachi estava localizada. Como os senhores da guerra provinciais, chamados daimyo, mantinham um grande grau de poder, eles foram capazes de influenciar fortemente os eventos políticos e as tendências culturais durante esse tempo. A rivalidade entre daimyo, cujo poder aumentou em relação ao governo central com o passar do tempo, gerou instabilidade e o conflito logo eclodiu, culminando na Guerra Onin (1467 e ndash77). Com a destruição resultante de Kyoto e o colapso do poder do xogunato, o país mergulhou em um século de guerra e caos social conhecido como Sengoku, a Era do País em Guerra, que se estendeu desde o último quarto do século 15 até o final do século XVI.

Apesar da turbulência social e política, o período Muromachi foi econômica e artisticamente inovador. Esta época viu os primeiros passos no estabelecimento de empreendimentos comerciais, de transporte e urbanos modernos. O contato com a China, retomado no período Kamakura, mais uma vez enriqueceu e transformou o pensamento e a estética japoneses. Uma das importações que teve um impacto de longo alcance foi o zen budismo. Embora conhecido no Japão desde o século 7, o Zen foi entusiasticamente abraçado pela classe militar no início do século 13 e teve um efeito profundo em todos os aspectos da vida nacional, do governo e comércio às artes e educação.

O legado cultural do shogunato Ashikaga é a influência penetrante do Zen Budismo na cultura japonesa. Sem o Zen, artes auxiliares como a cerimônia do chá (chanoyu), os arranjos de flores (ikebana), o No dance-drama e o código de convenções e etiqueta formal que caracteriza a vida moderna no Japão não teriam existido ou teriam assumiu formas muito diferentes das que prevalecem hoje.

Painéis ricamente decorados eram típicos do período Muromachi. Decorados com motivos de animais, os monge artistas zen incorporariam Gibões, por exemplo, para simbolizar a unidade subjacente de todas as criaturas vivas. O artista Sesson Shukei é mais famoso por seu trabalho em telas de painel, pintando com humor característico e contrastes staccato de tinta preta forte combinada com lavagem pálida, formando padrões rítmicos que criam um todo unificado. O último grande pintor do período Muromachi, Sesson, junto com seus contemporâneos, exemplificou a plena assimilação da tradição da pintura a tinta de origem chinesa em uma forma exclusivamente japonesa.
Mais tarde, em 1495 Sesshu, um dos maiores pintores monocromáticos de tinta do período Muromachi, pinta sua paisagem com tinta respingada. Esta pintura altamente expressionista, que sugere uma paisagem montanhosa enevoada com apenas algumas pinceladas grandes e grosseiramente aplicadas, surge da ênfase do Zen Budismo na compreensão intuitiva e na iluminação repentina.

Em 1543, um grupo de marinheiros portugueses desembarcou acidentalmente na ilha de Tanegashima em um barco chinês, marcando a primeira vez que europeus pisaram em solo japonês. Inicialmente, os japoneses respondem com interesse a essas novas chegadas e começam a importar, principalmente por meio da cidade portuária de Nagasaki, mercadorias ocidentais como armas de fogo, vidros, óculos, tabaco e relógios. À medida que os produtos europeus entram na moda, os japoneses adotam alguns costumes europeus e produzem seus próprios mosquetes, assam e comem pão (frigideira), fritam alimentos em massa (tempura) e usam pantalonas.

Em 1549, o padre jesuíta Francis Xavier (1506 & ndash1552) chega a Kagashima e introduz o cristianismo no Japão. Motivados pelo menos parcialmente pelo desejo de armas de fogo e bens ocidentais, alguns senhores da guerra provinciais (daimyo) se convertem à nova religião. No próximo século, o Cristianismo é aceito e obtém algum sucesso em atrair convertidos.
Imagens cristãs pintadas a óleo e gravadas em placas de cobre apresentam as técnicas de arte ocidental ao Japão.

O período seguinte, Edo (séculos 17 a 19), também conhecido como Tokugawa, é uma época de relativa paz e estabilidade, após séculos de guerras e perturbações. Essa era de calma leva a uma expansão extraordinária da economia nacional, incluindo aumentos dramáticos na produção agrícola, infraestrutura de transporte, comércio, população e alfabetização.

Usando sua riqueza, os residentes da cidade (chonin), que incluem as classes acima mencionadas, bem como muitos samurais, escapam temporariamente das restrições oficiais patrocinando entusiasticamente os bairros de lazer estabelecidos em todas as grandes cidades e as cortesãs, artistas, prostitutas, casas de chá, teatros , e restaurantes encontrados lá. Novas formas de drama, literatura, pintura e gravura altamente divertidas atendem às tendências populares da época, tornando o período Edo um período ativo e inovador para as artes.

Em 1765, o artista Suzuki Harunobu é o primeiro designer de gravuras em xilogravura populares a usar várias cores para fazer impressões de nishiki-e, ou brocado. Usando uma série de blocos para aplicar cores diferentes, Harunobu cria imagens vivas e decorativas de mulheres bonitas, atores famosos de kabuki e cenas do & quot; mundo flutuante & quot.

O período entre os tempos antigos e modernos na civilização ocidental, conhecido como Idade Média, estende-se do quarto ao início do século XVI, ou seja, aproximadamente da Queda de Roma ao início do Renascimento no norte da Europa.
O desenvolvimento cultural até este ponto resultou em artistas e artesãos sendo capazes de criar a partir de uma ampla variedade de meios, de madeira e pedra autônoma e escultura arquitetônica a vitrais, trabalhos em metal, esmaltes, marfins, iluminuras manuscritas (normalmente têmpera e ouro folha em pergaminho ou pergaminho), pinturas a óleo, tapeçarias e muito mais.
Este período abrange um momento de verdadeira transição para a prática artística e uma expansão do pensamento cultural.

Este período testemunhou a maior expansão medieval de Bizâncio nos Bálcãs, seguida pelo colapso quase completo do império em 1204 com Bizâncio conquistado e ocupado pelos exércitos ocidentais da Quarta Cruzada. Obras de arte bizantinas estão espalhadas por todo o mundo medieval ocidental como saqueadores da guerra, incluindo prata bizantina, esmaltes, vidro e joias medievais de marfim trabalhos em metal românico e gótico, vitrais, esculturas, esmaltes e marfins e tapeçarias góticas.

Dando continuidade a uma tendência que vem ganhando impulso há um milênio, fortes correntes na espiritualidade cristã encorajam uma participação direta e emocional nas histórias bíblicas. A literatura devocional, como a Imitação de Cristo, exorta os leitores a se imaginarem participando de eventos do Novo Testamento. Isso encontra expressão visual em imagens em pequena escala de temas como a Virgem com o Cristo Morto, o Homem das Dores ou uma cena da Paixão. Estas imagens de devoção privada convidam a uma observação atenta e prolongada e ajudam os devotos a refletir sobre o sofrimento de Cristo e da Virgem.

Entre 1304 e 1313, Enrico Scrovegni contratou o pintor florentino Giotto di Bondone, o artista mais famoso de sua época, para fazer um afresco na Capela Arena em Pádua. As composições dramáticas e altamente naturalistas de Giotto da vida da Virgem e de Cristo são amplamente admiradas e copiadas por artistas posteriores. Os autores Dante, Boccaccio e Petrarca o elogiam como um inovador.
Seguindo este exemplo, o pintor de Siena Duccio di Buoninsegna pintou o Maest & agrave, um grande retábulo dedicado à Virgem Maria, para o altar-mor da Catedral de Siena. O retábulo de dupla face que mostra a Virgem e o Menino com santos e painéis narrativos da vida de Cristo e da Virgem tem um grande impacto no desenvolvimento da pintura de Siena e é admirado por artistas contemporâneos italianos e franceses.

Que uma renovação do pensamento clássico e religioso esteja se formando na Itália, começa a atuar como um atrativo para o país. Estudiosos bizantinos do início do século 15 viajam para a Itália, onde contribuem para o renascimento da língua e da cultura gregas que fundamentam os estudos humanistas da Renascença. Da mesma forma, no Oriente, sob o reinado de & ldquoThe Magnificent & rdquo S & uumlleyman, 1520 & ndash1566, Istambul se torna a capital de um império de comércio, crescimento econômico e tremenda atividade cultural e artística. As oficinas imperiais, assim como as guildas, são importantes para a produção artística. Embora ocorram desenvolvimentos em todos os campos artísticos, os da arquitetura, caligrafia, pintura manuscrita, têxteis e cerâmica são particularmente significativos. O calígrafo Ahmad Karahisari e os pintores Shah Quli e Kara Memi estão ativos durante este período.

Este período também vê o ressurgimento de Roma como uma grande potência internacional. A construção e a reforma são financiadas em grande parte pelos papas, muitos dos quais são eleitos das famílias mais ricas e influentes do país (como Colonna, Farnese e Medici). Seu objetivo coletivo é renovar o vínculo da cidade com o clássico passado, e transformá-lo em um símbolo da autoridade papal que, ao longo do período, se estende muito além das questões religiosas para a administração cívica e liderança política.

No século 15, a família Medici de mercadores e banqueiros chega ao poder em Florença. Embora nenhum membro da família tenha um título oficial até o século 16, a enorme riqueza e influência dos Medici garantem-lhes o domínio virtual de Florença.
Um favorito particular dos Medici é Donatello (ca. 1386 e ndash1466), um dos fundadores do estilo escultural renascentista.

Leonardo da Vinci nasceu na Toscana em 1452. Um jovem muito talentoso, Leonardo estudou em Florença na década de 1460 e por volta de 1472, ele é um mestre independente e, em 1481, recebe uma comissão para uma grande Adoração dos Magos para o mosteiro de San Donato a Scopeto em Florença. Deixada inacabada, a Adoração (agora em Florença e nas galerias Uffizi), no entanto, exibe a modelagem sutil de figuras com vários graus de luz e sombra (claro-escuro) que caracterizarão suas obras posteriores. É nessa época que o primeiro livro é impresso na Itália. O primeiro livro impresso a incluir ilustrações em xilogravura aparece em Roma em 1467.

No final do século 15, Sandro Botticelli (1444/45 e ndash1510), outro favorito dos Medici, produz as obras de sua maturidade. Destacam-se entre elas as alegorias mitológicas Primavera e O Nascimento de Vênus, que não apenas mostram o manejo lírico de cor e linha de Botticelli, mas também refletem uma celebração contemporânea da poesia clássica e temas mitológicos. Esses são dois princípios centrais da Renascença, que promoveram um renascimento do tema mitológico, derivado do estudo da arte e da literatura antigas.

Muito importante, em 1473, sob o Papa Sisto IV, os trabalhos foram iniciados na Capela Sistina no Vaticano. Mais de 20 anos depois, Michelangelo & mdash talvez o notável pintor, escultor, arquiteto e desenhista de seu tempo & mdash está ativo em Roma, tendo deixado Florença após a expulsão dos Médici em 1494. Ele recebe uma encomenda para o túmulo de um cardeal francês na Basílica de São Pedro, para a qual ele executa o Piet & agrave, uma escultura em tamanho real que representa o Cristo morto nos braços de sua mãe. A representação magistral da forma humana e da cortina fluida da vestimenta da Virgem, bem como a dignidade combinada e intensidade emocional deste trabalho são muito elogiados pelos contemporâneos do artista. Depois de completar a Piet & agrave, Michelangelo retorna a Florença, onde produz o colossal David, concluído em 1504. No entanto, em 1508, Júlio II convoca Michelangelo de uma estada em Florença para pintar afrescos no teto da capela. O programa complexo, pintado ao longo dos próximos quatro anos, inclui cenas do Livro do Gênesis & mdashnotably, a criação do homem e a expulsão de Adão e Eva do Jardim do Éden & ndash e permanece até hoje uma das imagens mais icônicas do mundo .

Na virada do século XVII, a concentração de inovação artística outrora detida por Florença muda para Roma, onde o dinâmico estilo barroco emerge e ganha ampla influência. Antes que os expoentes do barroco alcançassem a Itália central, os artistas da Toscana, Umbria e das Marcas reagiram a & mdas e em muitos casos rejeitaram & mdash o estilo maneirista do século XVI, voltando aos ideais clássicos dos primeiros mestres da Renascença. Enquanto isso, a família Medici governante atrai para sua corte florentina, ainda conhecida por sua magnificência, artistas influentes do norte da Itália, Roma e norte da Europa, que promovem a difusão dos estilos barroco, rococó e, mais tarde, neoclássico na Itália Central. No século XVIII, no entanto, os Medici deixam o poder e, com a extinção de sua linhagem em 1737, o governo da região passa para a Casa de Habsburgo-Lorena.

No início do século 19, a América começa a se construir como uma potência internacional e ganha independência econômica da Grã-Bretanha à medida que o país se industrializa ainda mais. A independência cultural se mostra mais difícil de alcançar. Apesar do grande foco na natureza na sociedade americana, os formadores de opinião continuam a buscar no exterior estilos clássicos e revivalistas. Enquanto os pintores folclóricos vagam pelas áreas rurais para fornecer retratos para americanos medianos, os pintores e escultores acadêmicos ainda buscam tours pela Europa e grandes temas históricos. As instituições nativas oferecem oportunidades para os artistas estudarem e exporem. Samuel FB Morse, que começa como retratista rural, faz o Grand Tour pelas capitais e coleções de arte europeias e, ao retornar a Nova York, busca encomendas para retratos de alto estilo e estudos históricos, ele funda a National Academy of Design, uma escola de arte e local de exposições de artes contemporâneas, em 1825 e atua como seu primeiro presidente.

Outras instituições são fundadas, como a Academia Americana de Belas Artes, fundada em 1802 em Nova York pelo prefeito Edward Livingston (com a ajuda de seu irmão Robert R. Livingston (1746 e 1813), ministro dos EUA na França, que envia uma coleção de moldes escultóricos de Paris.

À medida que a arte contemporânea é desenvolvida e explorada ainda mais, em 1839 o daguerreótipo, inventado pelo francês Louis-Jacques-Mand e eacute Daguerre, é introduzido nos Estados Unidos pelo artista e inventor Samuel F. B. Morse. A placa de metal sensível à luz se tornou uma das primeiras formas de fotografia. Mathew Brady montou um estúdio em Nova York em 1844 e, no final do século, em 1888, a mania da fotografia amadora foi lançada com a invenção da câmera Kodak # 1 por George Eastman. Essa nova forma radical de imagem mudará a maneira como os artistas pensam sobre a construção de uma imagem e afetará poderosamente sua abordagem da arte.

1861 & ndash65 marca o período da Guerra Civil dos Estados Unidos, um conflito militar entre a União e a Confederação. Tudo começa em abril de 1861, quando Charleston & # 39s Fort Sumter é alvejado. O conflito dura quatro anos, ceifa mais de 600.000 vidas e emancipa 4 milhões de escravos. O processo de cura após essa guerra sangrenta começa a realmente unir os Estados Unidos.

Em 1870, o Metropolitan Museum of Art de Nova York e o Museum of Fine Arts de Boston foram fundados por líderes urbanos para exibir arte e promover a educação artística ao público. A coleção de pinturas do Metropolitan Museum & # 39s começa com três coleções privadas europeias que o museu move em 1880 para seu local atual no Central Park.

Em meio ao cenário de industrialização progressiva, os artistas americanos consideram o mundo natural um paraíso, quase um Éden perdido, e o tomam como foco principal de seu trabalho. O culto à natureza virtual oferecido por artistas americanos é expresso de forma mais extrema do que no estilo aquarela pontilhado ao mesmo tempo íntimo e altamente objetivo aplicado a naturezas mortas e paisagens pelos seguidores americanos do crítico inglês John Ruskin, cuja filosofia estética & quottruth to nature & quot ganha amplo atenção durante a era da Guerra Civil.

Devido à nova e importante presença da América no cenário mundial, e aos vínculos comerciais cada vez mais reforçados através do Atlântico, artistas e arquitetos lutam para criar um estilo americano que não dependa mais dos modelos europeus. Especialmente devido aos avanços inovadores dos artistas impressionistas de vanguarda na França, as notícias sobre a nova onda de arte se espalham por toda parte. Artistas como Mary Cassatt e John Singer Sargent migram para Paris no final do século 19 para pintar temas modernos de maneiras inovadoras. Alguns vêm com representações de paisagens e cenas da vida cotidiana da classe média, pintadas com a paleta brilhante e a luz natural dos impressionistas. Em 1886, William Merritt Chase se torna o primeiro grande pintor americano a criar telas impressionistas com uma série de imagens dos novos parques urbanos de Nova York.

Um notável desenvolvimento do século XIX é o pleno florescimento da Stele School. Usando inscrições arcaicas em pedras, selos e vasos de bronze como referências, os expoentes da escola criam novas expressões caligráficas que enfatizam a estrutura lúcida e a força bruta. Essas obras oferecem uma alternativa estética à elegância fluida associada à caligrafia escovada canônica de Wang Xizhi, Zhao Mengfu e Dong Qichang.

Entre o reinado do imperador Daoguang (r. 1821 e ndash50) e o final da dinastia Qing, novas descobertas e publicações de artefatos de pedra e bronze inspiram uma variedade sem precedentes de estilos na Escola de Estela. 823 Ruan Yuan (1764 & ndash1849) publica Nanbei shupai lun (Discussão das Escolas de Caligrafia no Sul e no Norte) e Beipai nantei lun (Discussão das Estelas no Norte e Livros Modelo no Sul), que estabelecem a base teórica para a Escola Stele.

Devido à rebelião de Taiping, entre 1851 e ndash66, muitos chineses são forçados a fugir de suas casas. Artistas em busca de uma renda estável gravitam em torno de Xangai, uma cidade comercial em ascensão protegida pelos interesses ocidentais. & quotThe Four Rens & quot & mdashRen Xiong (1820 & ndash1857), Ren Xun (1835 & ndash1893), Ren Yu (1853 & ndash1901) e Ren Yi (1840 & ndash1896) & mdashare entre aqueles que fazem sua reputação em Xangai, pintando temas acessíveis, como flores e personagens de lendas populares.

No Japão do século 19, no entanto, há uma mudança dramática das políticas conservadoras e isolacionistas do período Edo, dominado pelo shogun, para o rápido e amplo impulso para modernizar e se envolver com o resto do mundo que caracteriza a Restauração Meiji.

Entre 1823 e 1831, Katsushika Hokusai produziu sua série extremamente popular de 46 gravuras em xilogravura policromada, intitulada Trinta e seis vistas do Monte Fuji. Essas imagens combinam uma ênfase tradicional em imagens de paisagem, especialmente porque se concentram no pico mais sagrado e famoso do Japão, com atenção às pessoas comuns retratadas de maneira alegre, refletindo os interesses das imagens ukiyo-e da moda. Essas impressões teriam um impacto mais profundo na arte e na cultura ocidentais do que Hokusai jamais poderia ter imaginado.

Em 1871, e após anos de descontentamento com a política nacional que isolava principalmente o Japão do resto do mundo, embaixadores partiram para o Ocidente. Um de seus insights mais interessantes sobre a civilização ocidental é o reconhecimento da importância dos museus para a disseminação das idéias culturais nacionais. Como resultado, o primeiro museu público japonês é inaugurado no mesmo ano, no santuário confucionista de Yushima Seido. Em uma linha semelhante de educação artística, e uma certa emulação fanática do Ocidente, em 1876 o governo Meiji estabeleceu a Escola Técnica de Belas Artes (Kobu Bijutsu Gakko), que mais tarde se tornou o Instituto de Tecnologia de Tóquio. Numerosos arquitetos, pintores e escultores estrangeiros, notavelmente os arquitetos Vincenzo Ragusa, Giovanni Cappelletti e o pintor Antonio Fontanesi são empregados para instruir estudantes japoneses em técnicas e mídia de arte ocidental. Esses indivíduos influenciam o desenvolvimento da arte e da arquitetura japonesas nas décadas seguintes.

Quando essas duas potências crescendo, China e Japão, inevitavelmente se cruzaram com raiva, foi o Japão que saiu por cima. Em 1894 e ndash95, o Japão prevaleceu na Primeira Guerra Sino-Japonesa. Além da troca de territórios, a repercussão duradoura do resultado foi que, por várias décadas depois, os chineses viram o Japão como uma ameaça imperialista e um exemplo de modernização. Esse medo e admiração, combinados com as rotas mais fáceis da China para o Ocidente, contribuíram muito para manter o reconhecimento global do Japão e uma certa reverência por sua arte e cultura.

Mudando nosso foco para o norte, e pela primeira vez totalmente para as Ilhas Britânicas, o século 19 viu o mundo mudar. Os desenvolvimentos econômicos, sociais e artísticos desse período são moldados pela Revolução Industrial - o período de transição do trabalho manual para o mecânico, que atinge seu ponto médio na virada do século. O movimento romântico nas artes e na literatura responde a isso e à tendência do racionalismo fomentada durante o Iluminismo, rejeitando a razão em favor da emoção e exaltando o poder supremo da natureza em uma estética conhecida como Sublime. Enquanto o progresso industrial fornece uma tremenda riqueza para o império britânico, os males sociais aumentam entre as classes trabalhadoras e muitos artistas, arquitetos e escritores buscam reparar o fosso crescente entre arte e artesanato e restaurar a beleza e integridade do design aos objetos do dia-a-dia.

Em 1802, recém-eleito para a Royal Academy, um dos mais famosos pintores britânicos Joseph Mallord William Turner visita a Suíça e a França. Durante suas viagens, ele produz aquarelas da paisagem alpina, bem como pinturas no estilo dos antigos mestres, especialmente Ticiano, Salomon van Ruysdael e Claude Lorrain, cujo trabalho ele estuda no Louvre. A primeira visita de Turner ao continente aprofunda a experiência do artista em pintura de paisagem e marinha e expande sua ambição de elevar o gênero com experimentos em luz e cor que transmitem o Sublime: a natureza simultaneamente em sua forma mais bela e assustadora.

O grande rival de Turner, John Constable pinta The Hay Wain em 1821, uma vista da paisagem rural de Suffolk, apresentando uma carroça puxada por cavalos (o haywain do título da imagem & # 39s) parada no sinuoso rio Stour, com uma cabana em seu banco. O trabalho recebe pouca menção na exposição da Royal Academy de 1821, mas seu naturalismo ganha grande aclamação no Salão de Paris de 1824, onde Constable é premiado com uma medalha de ouro por Charles X. Constable produz esboços de óleo em grande escala da natureza - como o vista da Catedral de Salisbury - para pinturas que executa em seu estúdio. A abordagem subjetiva de Constable à pintura de paisagens ecoa os ideais românticos de individualidade e sentimento pessoal.

Em 1837, a Rainha Vitória ascende ao trono da Grã-Bretanha, governando até sua morte em 1901, e para coincidir com a inauguração da National Gallery em Trafalgar Square, acessível a todos os membros da sociedade londrina, desde a elite rica do West End até os trabalhadores classes do East End.

Em 1851, a primeira feira mundial & # 39s, chamada de Grande Exposição das Obras da Indústria de Todas as Nações, é inaugurada em Londres. Seu principal proponente é o príncipe Albert, príncipe consorte de Victoria, que visualiza a imagem justa e viva do ponto de desenvolvimento ao qual toda a humanidade chegou e, inferno, e um novo ponto de partida a partir do qual todas as nações serão capazes de direcionar seu futuro esforços. & quot A Grande Exposição, como é popularmente conhecida, está localizada em Hyde Park, no enorme Palácio de Cristal (danificado por um incêndio em 1936 e demolido em 1941) projetado por Sir Joseph Paxton (1803 e 1865). Paxton descreve a estrutura como "a mais simples", a mais simples construção mecânica que poderia ser feita "composta inteiramente de vidro e ferro fundido, ela é em si um monumento às conquistas da Revolução Industrial, e sua imensidão surpreende os visitantes da exposição.

No início da década de 1860, o conceito de & quotart for art & # 39s sake & quot foi introduzido na Grã-Bretanha pelos pintores Frederic Leighton e James Abbott McNeill Whistler. Originado como um termo literário na França, l & # 39art pour l & # 39art, na década de 1830, promovido pelo escritor Th & eacuteophile Gauter (1811 & ndash1872), arte pela arte & # 39s causa afirma que uma obra & # 39s propriedades formais & mdashits organização, composição, coloração e detalhes de superfície & mdashare mais importantes do que seu tema, subvertendo o significado em favor da beleza. Essa pequena ideia, é ter possivelmente as maiores ramificações em toda a história da arte, abrindo a porta para movimentos artísticos em anos posteriores que seriam simplesmente inimagináveis ​​para os artistas e pensadores do século XIX.

Essa ideia já havia se consolidado na França. Já em 1874, a primeira das oito exposições de pintura impressionista é realizada em Paris, apresentando obras de Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Berthe Morisot, Alfred Sisley e Camille Pissarro. Malignado pelos críticos, um dos quais cunhou o termo impressionisme pejorativamente após Monet & # 39s Impression: Sunrise, 1872 (Mus & eacutee Marmottan Monet, Paris), este grupo de artistas é dedicado à representação da vida moderna, especialmente temas de paisagem e gênero, com base em observação direta. Eles desenvolvem um estilo de pintura com pinceladas soltas e quebradas que refletem a natureza frequentemente fugaz de seus temas.

No final da década de 1870, Paul C & eacutezanne se afastou do impressionismo, procurando imbuir objetos e paisagens com um senso de solidez e permanência, reduzindo-os às suas formas geométricas básicas: o cubo, o cone e o cilindro. Embora não tenha tido sucesso comercial em sua vida, a abordagem de C & eacutézanne à pintura, amplamente categorizada como pós-impressionista, influencia os principais movimentos da arte do século XX, especialmente o cubismo.

Neste período de filosofia artística, e em muitos grupos e facções diferentes de artistas, todos seguindo em direções diferentes, muitos manifestos e estilos artísticos são formalizados e publicados. Isso inclui movimentos como o Simbolismo, defendendo uma estética que rejeita o naturalismo em favor do mundo subjetivo dos sonhos, nuances e da imaginação. Sintetismo, pinturas de formas simplificadas e achatadas representadas em cores ousadas e não moduladas em sua intenção de transmitir emoções e ideias além de representar o mundo visual ou naturalismo, esboçado pela primeira vez por & Eacutemile Zola em sua L & # 39Oeuvre, um romance que aborda as questões estéticas do final do século 19, rejeitando a pintura acadêmica contemporânea e afirmando a importância da marca da personalidade de um artista ou temperamento em seu trabalho.

Em fevereiro de 1888, o pintor holandês Vincent van Gogh parte de Paris para Arles, no sul da França, na esperança de estabelecer uma comunidade de artistas. Em 23 de outubro, Paul Gauguin se junta a ele. Eles passam 9 semanas pintando lado a lado e morando juntos na Casa Amarela. A saída abrupta de Gauguin em 23 de dezembro foi precipitada pelo colapso de Van Gogh, durante o qual ele cortou parte de sua orelha esquerda com uma navalha.

Em 1894, o empresário alemão Siegfried Bing expande e reabre sua loja de artesanato oriental em Paris como a Maison de l & # 39Art Nouveau. Bing é um especialista em artes orientais e promove uma estética japonesa como meio de unir arte e artesanato de uma forma que impregna até o objeto mais utilitário com uma beleza simples. Ele é creditado - através da fundação de um periódico, Le Japon Artistique, e várias exposições de artefatos antigos e obras contemporâneas - com a promoção do Japonisme na França. O estilo Art Nouveau toma emprestado da arte japonesa sua ênfase em motivos ornamentais lineares, como formas vegetais entrelaçadas.

O século XX é frequentemente referido como o "Século Americano". Durante esses anos, os EUA emergem como uma das duas superpotências globais, ao lado da União Soviética. Também se torna central para o cenário artístico internacional, com Nova York usurpando o papel preeminente anteriormente desempenhado por Paris. No início do século, muitos pintores americanos continuam a trabalhar em um estilo influenciado pelo impressionismo francês. Por volta dos dezenove adolescentes, um maior realismo prevalece no trabalho dos artistas da Escola Ashcan. A paisagem industrial e urbana que surge na América do Norte do século XX é capturada por muitos artistas. Entre aqueles que celebram as fábricas e outras formas industriais estão os artistas Precisionistas, incluindo Charles Demuth (1883-1935), Charles Sheeler (1883-1965) e Ralston Crawford (1906-1978). Durante as primeiras décadas do século XX, os artistas americanos também se tornaram mais interessados ​​na abstração orgânica e geométrica e começaram a abraçar o modernismo, uma tendência que continua à medida que os artistas europeus emigram para os EUA na época da Segunda Guerra Mundial.

Na sequência do trabalho fotográfico de Samuel F. B. Morse e Mathew Brady, em 1902 Alfred Stieglitz começa a publicação de seu Camera Work, que continuará até 1917 e promove a fotografia moderna como uma bela arte. Em 1905, Stieglitz abre as Pequenas Galerias da Fotossecessão na 291 Fifth Avenue em Nova York, onde expõe o trabalho de fotógrafos, bem como de pintores e escultores modernistas europeus e americanos. Na progressão natural do trabalho de câmera de vídeo em movimento, em 1903, The Great Train Robbery, um filme de dez minutos dirigido por Edwin S. Porter, é exibido nos cinemas. Considerado o primeiro filme narrativo, ele emprega técnicas inovadoras como o jump-cut, o close-up e o movimento da câmera que se tornam a base do vocabulário cinematográfico. Apenas três anos depois, o primeiro Nickelodeon é inaugurado em Pittsburgh, Pensilvânia, proporcionando entretenimento acessível - entrada de 5 centavos - para a população urbana da classe trabalhadora. Em 1908, havia cerca de 8.000 nickelodeons nos EUA, apresentando uma lista de curtas-metragens da noite de & # 39s, teatro ao vivo e revistas musicais.

Na década de 1910, Greenwich Village na parte baixa de Manhattan surge como um enclave de cultura boêmia e radical, lar de pequenas editoras irreverentes, estúdios e galerias de arte de vanguarda e grupos de teatro experimental. Em 1913, a Exposição Internacional de Arte Moderna (o & quotArmory Show & quot) é realizada no 69th Regiment Armory em Nova York e apresenta aos americanos o trabalho modernista de Matisse, Kandinsky, Brancusi, Picasso, Braque e outros em grande escala. Nude Descending a Staircase, uma tela cubista de Marcel Duchamp, cria sensação pública. Quatro anos depois, Duchamp exibe seu primeiro readymade, Fountain, um urinol revirado e assinado, na Society of Independent Artists de Nova York. Este trabalho questiona o que significa ser um artista e o que constitui uma obra de arte.

Após a Primeira Guerra Mundial, na década de 1920 e início dos anos 30, as artes literárias, visuais e cênicas floresceram no Harlem, o enclave afro-americano da cidade de Nova York, estimulado pela migração em massa de afro-americanos negros das áreas rurais para as cidades do norte. Poetas, romancistas, pintores e músicos do que é chamado de Renascimento do Harlem, buscam novas formas de expressão para transmitir suas experiências raciais e celebrar a identidade cultural afro-americana. As principais figuras do Renascimento do Harlem incluem os poetas Langston Hughes e Countee Cullen, o romancista e antropólogo Zora Neale Hurston, o compositor de jazz Duke Ellington, os ativistas políticos W. E. B. Du Bois e Marcus Garvey, o fotógrafo James Van Der Zee e os artistas Aaron Douglas e Archibald Motley.

Por volta dessa época, mais instituições são fundadas para acomodar os novos meios de práticas e expressão artísticas, como em 1929, o Museu de Arte Moderna de Nova York, é inaugurado e, em 1933, uma faculdade de artes liberais é fundada em Black Mountain, Carolina do Norte , e se torna um locus de disseminação das idéias da Bauhaus por meio de seu corpo docente europeu e eacutemigr & eacute, incluindo o alemão Josef Albers (1888-1976). O Black Mountain College continua sendo um local para a produção de trabalhos experimentais de multimídia até seu fechamento em 1957.

Em outro exemplo de apoio nacional para atividades artísticas e culturais, em 1935 o governo federal lança o Works Progress Administration (WPA), que, como outros programas do New Deal, fornece empregos para artistas. Ben Shahn, Stuart Davis e Jackson Pollock, entre milhares de outros artistas, produzem murais, esculturas, pôsteres e outros materiais gráficos para edifícios públicos e exposições realizadas em dezenas de centros de arte comunitários estabelecidos em todo o país pelo Federal Art Project.

Em 1942, Edward Hopper pinta Nighthawks, uma obra seminal na história da arte americana. É uma representação icônica da solidão e do isolamento na vida americana contemporânea. Hopper mantém a fidelidade a um modo realista severo ao longo de sua vida, criando cenas urbanas e rurais totalmente marcadas por luz artificial brilhante e sombras profundas. Nesse mesmo ano, Peggy Guggenheim abre a galeria Art of This Century em Nova York. O arquiteto romeno-austríaco Frederick Kiesler projetou os interiores que pretendiam complementar a arte surrealista e abstrata em exibição.

A década de 1940 na cidade de Nova York marcou o triunfo do expressionismo abstrato americano, um movimento modernista que combinou lições aprendidas com Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealismo, Joan Mir & oacute, Cubismo, Fauvismo e o início do Modernismo por meio de grandes professores na América, como Hans Hofmann de Alemanha e John D. Graham da Ucrânia. Durante o final dos anos 1940, a abordagem radical de Jackson Pollock em relação à pintura revolucionou o potencial de todas as artes contemporâneas que o seguiram. Até certo ponto, Pollock percebeu que a jornada para fazer uma obra de arte era tão importante quanto a própria obra de arte. Como as inovadoras reinvenções de pintura e escultura de Pablo Picasso na virada do século por meio do cubismo e da escultura construída, com influências tão díspares quanto pinturas de areia navajo, surrealismo, análise junguiana e arte mural mexicana, [26] Pollock redefiniu o que era para produzir arte.

Na esteira do expressionismo abstrato, vários pintores desenvolveram estratégias que prolongaram a vida da pintura e, ao mesmo tempo, apontaram para seu inevitável desaparecimento. As bandeiras e alvos de Jasper Johns eram becos sem saída epistemológicos e a imagem que eles retratavam não podia ser separada de suas qualidades materiais, literalmente, como bandeira ou alvo. Como seu colega Robert Rauschenberg, Johns reviveu as preocupações com a vanguarda do pré-guerra em um contexto do pós-guerra, mas de uma maneira mais conceitualmente provocativa em sua fusão de dois paradigmas anteriormente antitéticos, o de Duchamp & # 39s readymade com noções de abstração e a grade de Malevich e o construtivismo. Um pouco mais tarde, Frank Stella criou pinturas a partir de arranjos programáticos de linhas que se irradiavam para determinar a forma geral da tela, todas as decisões composicionais e expressivas foram suprimidas em favor da execução de uma ideia. Como disse a famosa tautologia do artista: & quotO que você vê é o que você vê. & Quot

Em 1962, Andy Warhol pinta Latas de Sopa Campbell & # 39s, uma obra-chave do movimento Pop Art. Warhol e outros artistas associados ao movimento, incluindo Claes Oldenburg e Roy Lichtenstein, satirizam os americanos e o consumo voraz de produtos manufaturados no período pós-guerra.

Em 1969, uma exposição coletiva dedicada à arte conceitual, intitulada de 1 a 31 de janeiro: 0 objetos, 0 pinturas, 0 esculturas, é montada pelo marchand nova-iorquino Seth Siegelaub e apresenta o trabalho de quatro artistas: Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Robert Barry e Douglas Huebler. Como um movimento, o conceitualismo critica as estruturas políticas e econômicas que sustentam as formas de arte ocidentais, e os artistas conceituais produzem obras destinadas a transmitir ideias - muitas vezes por meio do uso de texto apenas - em vez de serem apreciadas como mercadorias preciosas.

O clima político da década de 1980 é relativamente conservador em comparação com a década de 1970, e a recuperação econômica começa em meados da década. Ao mesmo tempo, as inovações na tecnologia da computação mudam fundamentalmente a vida americana, afetando todos os aspectos da existência diária, incluindo trabalho, comunicações e lazer. Os artistas adotam novos meios de fazer e trocar imagens visuais, por exemplo, com computadores cada vez menores e mais baratos, discos compactos mais eficientes e fitas de vídeo. As novas mídias oferecerão um campo importante para os artistas até o final do século. As tecnologias emergentes também criam uma "bolha de tecnologia", na qual as ações de empresas relacionadas a computadores se tornam objetos de especulação no mercado de ações. Os preços inflacionados das ações começaram a cair no início de 2000, marcando o fim de um período de prosperidade e baixo desemprego.

O século XX testemunha a queda da dinastia Qing e, com ela, o antigo sistema imperial. Uma república se desenvolve em meio a conflitos entre os partidos nacionalista e comunista. Após a Segunda Guerra Mundial, os comunistas prevalecem e estabelecem a República Popular da China. A partir da década de 1940, o Partido Comunista impõe padrões à produção artística.As partidas do realismo socialista e dos temas comunistas são criticadas pelo presidente Mao Zedong e seus partidários até o final da Revolução Cultural (1966 e ndash76). A partir de meados da década de 1980, uma nova geração de artistas emerge para testar limites, experimentando assuntos que antes eram tabu e meios não convencionais.

Culturalmente, a arte japonesa é paralela à experiência histórica do país durante este século. Por um lado, o interesse por formas de arte tradicionais, incluindo xilogravuras, teatro kabuki, cerâmica e artesanato nativo, continuou e às vezes foi associado a motivações e identificação nacionalistas. Por outro lado, não apenas os artistas japoneses e o público continuaram a estudar e ser influenciados por técnicas, formas e tendências de arte estrangeira, como pintura a óleo, escultura, romances psicologicamente investigativos, dança moderna e arquitetura de estilo ocidental, mas muitos artistas japoneses ganharam renome mundial. Os artistas japoneses também dominam e usam de forma expressiva e inovadora novas formas de arte como cinema, animação, fotografia e moda.

Mas a direção da influência não viajou apenas do Ocidente para o Oriente. Artistas de toda a Europa no início do século 20 eram fascinados pelo Japonismo, e o estilo único permeou o trabalho de muitos impressionistas e da Vanguarda em Paris e Londres. Isso também se deveu à novidade que veio de mãos dadas com os produtos japoneses & ndash tendo apenas aberto suas fronteiras em meados do século 18, tudo o que veio da Terra do Sol Nascente era emocionante e fresco.

A influência estilística que as gravuras Ukiyo-e tiveram na arte ocidental foi vasta. Ukiyo-e era irresistível devido aos seus fundos coloridos, cenas internas e externas realistas e figuras idealizadas. A ênfase foi colocada nas diagonais, perspectiva e assimetria, todas as quais podem ser vistas nos artistas ocidentais que adaptaram este estilo. O pintor impressionista Claude Monet modelou partes de seu jardim em Giverny a partir de elementos japoneses, como a ponte sobre o lago com lírios, que ele pintou várias vezes. Ele foi influenciado pelos métodos visuais japoneses tradicionais encontrados nas gravuras ukiyo-e, das quais ele tinha uma grande coleção. Outros, como Degas, Manet e Whistler, todos tinham grandes coleções de gravuras japonesas, assim como Van Gogh, que até organizou uma exposição de gravuras japonesas em Paris em 1887.

No pós-guerra na China, sob o governo comunista de Mao, a liberdade artística é fortemente restringida. Inúmeros intelectuais e artistas considerados contra-revolucionários de direita sofrem humilhação, tortura e trabalhos forçados. As regras sobre a representação de figuras humanas são particularmente rígidas. Pintores tradicionalistas como Shi Lu (1919 e ndash1982) preferem cenas de paisagens, que têm menos probabilidade de atrair a condenação oficial. Mesmo depois da morte de Mao & rsquos em 1976, a arte não convencional e provocativa permanece reprimida.

De 1985 até os dias de hoje, no entanto, a criação da Associação de Jovens Artistas de Pequim marca o início de uma & quotNova Onda & quot, que defende a liberdade artística e a independência da ideologia oficial. Após a repressão da Praça Tiananmen em 1989, vários artistas de vanguarda encontraram sucesso no exterior. Sua fama internacional, como a de Ai Wei Wei, por sua vez, os ajuda a obter aceitação oficial na China.

A primeira metade do século XX, para toda a Europa, é marcada indelevelmente por duas guerras mundiais. Seu impacto na história da arte, filosofia moderna e relações culturais não pode ser subestimado.
O século 20 começa com a França, e especialmente a cidade de Paris, ocupando uma posição de destaque no mundo da arte. A vanguarda francesa do período posterior a 1900 busca o desenvolvimento do modernismo artístico iniciado no século XIX. Na virada do século, os artistas fauvistas, liderados por Henri Matisse (1869 e ndash 1954), produzem pinturas caracterizadas pela ampla aplicação de cores brilhantes. Aproximadamente na mesma época, artistas parisienses, entre eles Pablo Picasso (1881 e ndash 1973) e Georges Braque (1882 e ndash 1963), foram os pioneiros do estilo cubista. Tão importante se tornou Paris nas primeiras décadas do século XX no que diz respeito ao desenvolvimento da estética de vanguarda, que é possível falar de uma Escola de Paris formada por artistas de várias nações que se sentem atraídos pela cidade.
A perseguição de artistas judeus na Alemanha e em outros lugares nos anos que antecederam e incluíram a Segunda Guerra Mundial trazem muitos e poucos milagres a Paris. A subsequente ocupação alemã e o envolvimento francês no conflito afastam alguns de Paris para os Estados Unidos. No período do pós-guerra, a importância internacional de Paris como centro de produção de arte é um tanto eclipsada por Nova York. No entanto, os franceses continuam a dar contribuições importantes para a fotografia, pintura de cavalete e escultura, bem como para o design e a arquitetura. Os grandes projetos, entre outras obras, são importantes para estabelecer o pós-modernismo como um fenômeno cultural internacional durante as duas últimas décadas do século.

Possivelmente o movimento artístico mais importante do início do século 20 foi o cubismo, criado por Pablo Picasso e Georges Braque em Paris entre 1907 e 1914. Os pintores cubistas rejeitaram o conceito herdado de que a arte deveria copiar a natureza, ou que deveriam adotar as técnicas tradicionais de perspectiva, modelagem e encurtamento. Em vez disso, eles queriam enfatizar a bidimensionalidade da tela. Então, eles reduziram e fraturaram objetos em formas geométricas, e então os realinharam em um relevo raso como o espaço. Eles também usaram pontos de vantagem múltiplos ou contrastantes.

Os conceitos formais libertadores iniciados pelo cubismo também tiveram consequências de longo alcance para o dadá e o surrealismo, bem como para todos os artistas que buscavam a abstração na Alemanha, Holanda, Itália, Inglaterra, América e Rússia.

O surrealismo se originou no final da década de 1910 e início da década de 3920 como um movimento literário que experimentou um novo modo de expressão chamado escrita automática, ou automatismo, que buscava liberar a imaginação desenfreada do subconsciente. Oficialmente consagrado em Paris em 1924 com a publicação do Manifesto do Surrealismo pelo poeta e crítico Andr & eacute Breton, o Surrealismo tornou-se um movimento intelectual e político internacional, inspirado pelos escritos de Sigmund Freud e suas explorações no inconsciente.
Em 1927, o artista belga Ren & eacute Magritte mudou-se de Bruxelas para Paris e tornou-se uma figura de destaque no movimento visual surrealista. Influenciado pelas pinturas de De Chirico & # 39s entre 1910 e 1920, Magritte pintou objetos eroticamente explícitos justapostos em ambientes oníricos. Seu trabalho definiu uma cisão entre o automatismo visual promovido por Masson e Mir & oacute (e originalmente com palavras de Breton) e uma nova forma de surrealismo ilusionista praticada pelo espanhol Salvador Dal & iacute, o belga Paul Delvaux e o franco-americano Yves Tanguy. O movimento surrealista organizado na Europa foi dissolvido com o início da Segunda Guerra Mundial. Breton, Dal & iacute, Ernst, Masson e outros deixaram a Europa por Nova York. O movimento encontrou renovação nos Estados Unidos na galeria Peggy Guggenheim & # 39s.

Em 1928, o escultor britânico Henry Moore recebe sua primeira encomenda pública, um relevo a ser instalado em uma instalação de transporte de Londres. De diversas influências, incluindo abstração, surrealismo e primitivismo, Moore desenvolve uma estética única que eventualmente o torna um dos escultores mais conhecidos e admirados do século XX.

Em 1944, Francis Bacon pinta Três Estudos para Figuras na Base de uma Crucificação (Tate Gallery, Londres), uma reflexão sobre a selvageria da Segunda Guerra Mundial. As pinturas de figuras renomadas de Bacon, produzidas até sua morte em 1992, irão misturar provocativamente temas religiosos, violentos e homoeróticos. Pouco depois, em 1951, Lucian Freud ganha um prêmio no Festival da Grã-Bretanha por sua pintura Interior em Paddington, o que sinaliza seu surgimento como um dos mais destacados pintores figurais britânicos do período pós-guerra. Ele e Bacon se tornarão grandes amigos, redefinindo juntos o retrato e a teoria da pintura.


The Multinational Flavors of Postmodernism (1960 - Presente)

Na década de 1960, uma atmosfera inebriante de experimentação reinou, levando ao desenvolvimento da arte conceitual, arte feminista, arte corporal e arte performática. Embora esses movimentos artísticos fossem internacionais, os artistas americanos desempenharam um papel significativo em seu desenvolvimento e sua subsequente expansão em uma série de tendências.

Influenciada pela simplicidade redutiva do minimalismo, a arte conceitual enfatizava que o conceito de uma obra era mais importante do que sua forma ou mesmo conclusão. "Parágrafos sobre arte conceitual" de Sol LeWitt (1967) tornou-se o de fato manifesto do movimento, ele escreveu que a obra de arte "não importa a forma que possa ter, deve começar com uma ideia". Walter de Maria, Ed Ruscha, Marina Abramović, Dan Graham e o artista alemão Joseph Beuys foram apenas alguns dos principais artistas que se tornaram parte do movimento. Na atmosfera de experimentação, novas tendências se desenvolveram, incluindo a crítica institucional, liderada por uma série internacional de artistas, incluindo Hans Haacke, Michael Asher, Daniel Buren e Marcel Broodthaers, e The Pictures Generation, incluindo Sherrie Levine, Cindy Sherman, Robert Longo , Barbara Kruger e Richard Prince. Vários artistas conceituais criaram peças de instalação, à medida que a arte de instalação se tornou uma tendência principal, empregada em uma série de movimentos. Além disso, as práticas conceituais informaram o Neo-Geo, ou Conceitualismo Neo-Geométrico, um termo que definiu as obras de Peter Halley, Ashley Bickerton, Jeff Koons e Meyer Vaisman após sua exposição de 1986 em Nova York. Usando estratégias apropriativas, o grupo usou a forma geométrica para se distanciar ironicamente da pintura abstrata, ao mesmo tempo em que usou trabalhos anteriores como readymades que poderiam ser apropriados.

Fora do movimento dos Direitos Civis, do emergente movimento do Orgulho Gay e do fervor anti-guerra, a Arte Feminista se desenvolveu no final dos anos 1960. Organizações de arte feminina, como Art Worker's Coalition e Women Artists in Revolution, foram formadas para lidar com a desigualdade de gênero e outras questões feministas dentro da comunidade artística. Judy Chicago e Miriam Schapiro fundaram o Projeto de Arte Feminista do California Institute of the Art e Womanhouse, um projeto onde mulheres artistas puderam colaborar e criar grandes instalações. Mary Beth Edelson, Lynda Benglis, Martha Rosler, Carolee Schneemann, Suzanne Lacy, Leslie Labowitz, Bia Lowe, Barbara Kruger e as Guerilla Girls estavam liderando artistas feministas, pois o movimento explorou diversas abordagens e os artistas envolvidos tornaram-se associados a vários movimentos simultaneamente. Judy Chicago ficou famosa por ela Jantar (1974-79), um exemplo icônico de Arte Feminista e Arte de Instalação, enquanto as performances de Carolee Schneemann foram pioneiras nos movimentos Feminista, Body Art e Performance. A Arte Feminista apoiou e inspirou ativamente o desenvolvimento da Arte Queer, focada na identidade queer e conectada ao movimento do Orgulho Gay e à crise da AIDS, e deu início a uma era de Política de Identidade que se concentrava na experiência de grupos marginalizados e nas desigualdades que eles enfrentavam.

Na década de 1960, a arte performática enfatizou eventos ao vivo em que o artista, às vezes com colaboradores ou performers, apagava todas as fronteiras entre o artista e a obra de arte. O movimento internacional baseou-se em uma série de tendências de vanguarda iniciais, incluindo Dada, Futurismo e Surrealismo, mas foi mais recentemente originado nas obras de John Cage, artistas do Fluxus e acontecimentos de Allan Kaprow nos anos 1950. Encenando o que às vezes é chamado de "ações", os artistas performáticos costumam confrontar o público. O movimento estava intimamente ligado ao desenvolvimento da Body Art, já que artistas americanos, incluindo Chris Burden, Carolee Schneemann e Hannah Wilke, empregaram seu próprio corpo como meio.


Práticas funerárias em todas as civilizações

Ao longo do tempo, muitas civilizações incorporaram a crença na vida após a morte e nas tradições funerárias em sua vida cotidiana e rituais. A morte e as práticas funerárias costumam ser alguns dos recursos mais bem preservados e amplamente disponíveis para explorar civilizações inteiras! Os túmulos fornecem aos estudiosos e arqueólogos um vislumbre da cultura, mas os itens encontrados próximos ou colocados ao redor do corpo fornecem a riqueza de informações da cultura, interligando crenças, rituais, status socioeconômico e cultura. Olhando principalmente para três civilizações (egípcia, grega e etrusca), exploraremos as semelhanças e diferenças óbvias e mínimas entre as culturas. Junto com a observação da vida após a morte e das práticas funerárias, cavaremos nas sepulturas os bens deixados com o corpo, ou ao redor do corpo, durante a preservação. Em última análise, estaremos explorando as diferenças e semelhanças entre essas civilizações e suas práticas funerárias e a preparação que acompanha a preparação do corpo para uma vida após a morte.

Olhando para a nossa primeira civilização, o Egito Antigo, há uma grande importância na preservação do corpo e da alma humanos. Voltando na história, essa civilização durou cerca de 3500 a.C. até 2000 d.C. Durante esse tempo, muitos governantes e períodos diferentes ocorreram, deixando muitas obras de arte culturais incríveis e tendências funerárias. A mais popular dessas tendências inclui a mumificação.

Jars Canoptic: https://www.britishmuseum.org/about_this_site/terms_of_use.aspx

O primeiro exemplo de um túmulo bom nas práticas funerárias egípcias ocorreu antes de 1000 a.C. em pequenos potes chamados “potes canóticos”. Estaremos olhando para os jarros Canópticos de Deir el-Bahari (Alto Egito) da 21ª Dinastia que datam de 1069-945 aC. Nos potes Canoptic específicos que estamos olhando, os potes continham os órgãos de uma mulher chamada "Neskhons". Esses potes foram notavelmente especiais no processo de mumificação. O ritual de mumificação é visivelmente expansivo e complexo. A mumificação inclui a remoção de órgãos internos do corpo falecido e colocados nesses frascos para preservação. Os jarros representam os "quatro filhos de Horus" e cada jarro protegia um órgão específico. Imsety (jarra com cabeça humana) protegia o fígado e é protegida por Ísis, a deusa da criação, destruição, maternidade, magia e fertilidade. Hapy (jarra com cabeça de babuíno) protegia os pulmões e era protegida por Néftis, a Deusa das famílias, da morte, do serviço e da noite. Finalmente, Qebehsenuef (jarra com cabeça de falcão) protegeu os intestinos e Duametuf (jarra com cabeça de chacal) protegeu o estômago. Mas os órgãos não foram simplesmente retirados do corpo e colocados nesses frascos; eles passaram por um processo chamado embalsamamento. Esse processo consiste em secar o corpo com um sal chamado natrão e, após esfregar a oleosidade na pele, envolvê-la em tiras de linho. Mas os órgãos eram apenas lavados, secos com natrão e depois embrulhados em linho, pulando a parte do óleo do ritual. Todo o processo de mumificação e embalsamamento não ocorria apenas para a classe comum ou inferior da sociedade egípcia. Durante a 21ª Dinastia, apenas a classe alta foi capaz de ter seus corpos preservados e mumificados dessa maneira devido à quantidade limitada de embalsamadores qualificados e ao peso econômico que eles mantinham. Assim, por meio dessas práticas funerárias, podemos saber a situação socioeconômica do corpo sem saber quem ele realmente é. Mas, como discutimos anteriormente, sabemos que os jarros Canoptic que estamos examinando são os de ‘Neskons’. Neskons nasceu na classe alta, onde seu pai, Smendes II, que era o rei preist de Amon em Tebas, a casou com o tio de sangue Penodjem II, que também foi um sumo sacerdote de Amon em Tebas durante a 21ª Dinastia. Na civilização egípcia, os sacerdotes eram vistos como parte da classe alta e, portanto, Neskhons também. Mas esses potes não fornecem apenas evidências verdadeiras do status socioeconômico, mas fornecem uma visão da civilização egípcia como um todo e o que eles consideram importante. A morte não foi vista como o fim de sua vida ou alma, mas mais como um estado de transição de espera por revivificação. A vida após a morte para os egípcios era muito difícil e frequentemente incluía pular muitos obstáculos para chegar ao “juízo final” antes de entrar na vasta e eterna vida após a morte. Os egípcios davam tanta importância ao processo de mumificação porque, embora o espírito do falecido passasse para a vida após a morte, o corpo tinha que ser preservado para se aventurar na vida após a morte também. A razão pela qual os órgãos vitais são retirados do corpo e colocados nesses jarros Canópticos é porque os egípcios não acreditavam que eles eram necessários durante a jornada para a vida após a morte, mas eram necessários assim que alcançassem a vida após a morte. Após cerca de 1000 a.C. o processo de mumificação finalmente sofreu uma ligeira mudança e os órgãos foram removidos, secos e colocados de volta no corpo. Mas os potes Canoptic ainda estavam colocados com o corpo, fossem falsos ou sólidos. O motivo é ainda apresentar a proteção dos quatro filhos de Hórus.

Máscara de Tutancâmon: http://www.history.com/news/beard-on-king-tuts-mask-snapped-off-glued-back-on

Outra prática funerária popular comum à cultura egípcia era a máscara funerária. Uma das máscaras funerárias mais populares é a “Máscara de Tutancâmon” da 18ª dinastia por volta de 1327 aC, que veremos nesta exposição. Para entender a máscara funerária, devemos nos aprofundar na biografia do Faraó Tutancâmon (também conhecido como rei Tut). Em relevância para outros reis egípcios, o rei Tut era um rei relativamente menor no grande esquema das coisas. Seu nome de nascimento, Sa Ra, que significa "filho do sol", foi mais tarde alterado para Tutankhaen, que significa "a imagem viva de Aton". Aton representa o deus ou espírito do sol e é descrito como o disco solar real. Tut pertenceu à 18ª Dinastia dos Reis Egípcios, que existiu durante o período do Novo Império. Em 1334 a.C. Tut foi feito Faraó aos 9 anos de idade e, no mesmo ano, casou-se com sua meia-irmã, Anhensenpaaten. Mas o governo de Tut durou apenas um total de 9 anos antes de sua misteriosa morte aos 18/19 anos. Então, por que o rei Tutancâmon é tão popular na sociedade de hoje? Em 1922, um arqueólogo chamado Howard Carter (com o patrocinador Lord Carnarvon) encontrou-o e em sua glória e riqueza tornou-se um fascínio imediato. Agora que você conhece os antecedentes de Tutancâmon, podemos entender perfeitamente a máscara funerária e os elementos-chave que foram usados ​​para produzir esta obra-prima. As máscaras funerárias dessa época eram produzidas apenas para a realeza, e só mais tarde foram fabricadas para as classes de elite masculinas e femininas. A função de apresentar a máscara em ouro maciço não representa apenas o status socioeconômico, que o rei Tut obviamente tinha, mas, mais importante, representa a carne imortal do faraó brilhando como o sol de um deus.O lápis-lazúli (parte azul da máscara) e a carne brilhante representam o deus do sol, Hórus. Um aspecto importante de todos os processos de mumificação é devido ao grande livro chamado “O Livro dos Mortos”. O Livro dos Mortos em suma constitui os feitiços e fórmulas para o uso do falecido na vida após a morte e é contribuído com as idéias básicas da mitologia egípcia. Spell 151 é uma compilação visual que descreve o processo de mumificação e mais de perto o ritual de embalsamamento. Isso se relaciona com as máscaras funerárias porque o Livro dos Mortos explica como as características especiais da máscara, como sobrancelhas, testa, olhos e outras características, remetem a divindades especiais, como os quatro filhos de Hórus (Imsety, Hapy, Qebehsenuef, e Duametuf). Os egípcios prestavam muita atenção aos detalhes das máscaras porque as máscaras eram a representação física dos mortos e também serviam como garantia de que os mortos chegariam com segurança na vida após a morte. Quanto mais próxima a máscara parecer de uma verdadeira divindade, melhores serão suas chances de vida após a morte. Ao chegar na vida após a morte, eles devem ganhar aceitação entre todas as outras divindades em uma estrutura semelhante a um conselho e predominantemente Osíris, o grande deus dos mortos. A função de cobrir o rosto da múmia com uma máscara funerária na cultura egípcia demonstra a jornada e a transição do estado físico e espiritual deste mundo para a transformação divina após a morte. Embora o rei Tutancâmon possa ter ganhado popularidade hoje por meio da pura beleza estética de sua máscara funerária, as máscaras funerárias não são feitas apenas para parecer bonitas, mas também para servir de proteção para a cabeça durante o processo de mumificação. Conforme discutimos com os jarros Canópticos, isso fornece outro exemplo de como os egípcios davam grande importância à preservação dos mortos para a vida após a morte.

/> Estatueta de Ushabti: Apresentada pelo Projeto de Pesquisa Semítica Ocidental Projeto de Digitalização e Distribuição de Manuscritos Antigos (AMDDP) Universidade do Sul da Califórnia Financiado pelo Centro de Comunicações Annenberg da Universidade do Sul da Califórnia Criado por Ellis Horowitz, Marilyn Lundberg, Jay Weaver e Bruce Zuckerman

Nossa última peça de arte egípcia que veremos nesta exposição é o Ushabti. Os Ushabtis são pequenas estatuetas mumificadas que geralmente tinham entre dez e trinta centímetros de altura e eram feitas de vários materiais. A função dessas pequenas estatuetas mudou ao longo do tempo. O exemplo apresentado acima é da 26ª Dinastia (663-525 AC) e funciona como um trabalhador no outro mundo no lugar do falecido. Isso é representado por na parte de trás dessas estatuetas, onde você verá uma bolsa de sementes enrolada em seu corpo e ferramentas para trabalhar no outro mundo, geralmente ferramentas para semear e colher campos ou dependendo da ação que realizarão na vida após a morte. Mas para realmente entender a razão pela qual a função dessas pequenas estatuetas mudou, temos que voltar e olhar para toda a civilização egípcia. A ideia do Ushabati remonta ao período pré-dinástico (antes de 3100 a.C.) e ao início do período dinástico (3100-2686 a.C.), onde os verdadeiros servos humanos deviam ser sacrificados e enterrados com seu governante falecido. Felizmente para os servos das gerações posteriores, esta prática foi considerada desnecessária e um desperdício e foi quando a ideia de uma imagem simbólica dos servos foi inventada. A primeira representação de um servo nas práticas funerárias egípcias é vista pintada dentro de tumbas e para funcionar como auxílio para os mortos no outro mundo. Essa tendência funerária acabou levando à ideia de uma pequena estátua tangível de um escravo que foi chamada de “Shabti”. O Shabti é uma pequena figura humanizada para realizar tarefas para o falecido na vida após a morte. Na vida após a morte egípcia, o deus do sol "Ra" fornece a cada pessoa falecida uma parcela de terra para que os mortos abençoados possam receber comida na vida após a morte. Como na sociedade egípcia, os ricos e a realeza não realizavam trabalho manual durante sua vida e eles não estavam prestes a começar agora na vida após a morte. Daí a função do Shabti, eles receberam ferramentas para completar as várias tarefas agrícolas. Mais tarde, a figura Shabti se desenvolveu em “Shawabti” ou “Ushabti” dependendo do período de tempo e local. Essas estatuetas tornaram-se mais avançadas em sua aparência geral e em sua função, que agora estava inscrita na estátua tangível que indicava claramente seu trabalho na vida após a morte. As estatuetas de Shawabti existiam ao longo da margem oeste de Tebas durante a 17ª Dinastia (1580-1550 a.C.) e a 18ª Dinastia (1543-1292 a.C.). Os modelos Ushabati existiram desde a 21ª Dinastia e mais tarde. O que nos traz de volta ao nosso exemplo da estatueta de Ushabti da 26ª Dinastia. Como nossa figura de Ushabti é posterior ao período pré-dinástico, há uma inscrição na pequena estatueta que diz:

“O resplendor do Osíris, General Ankh-wah-ib-Ra-sa-Neit. Filho de (nome confuso). Ushabti, se for decretado que Osíris deve fazer o trabalho que houver na vida após a morte, elimine os obstáculos que este homem enfrenta. Veja-me (sempre que) você (o Ushabti) ​​for chamado. Esteja atento a qualquer momento para trabalhar lá. Para arar os campos, para regar e (carregar) a areia para o leste, para o oeste. Me olhe sempre que for chamado

Em última análise, a inscrição está afirmando que o Ushbati deve arar os campos, regar e / ou carregar a areia para o leste e oeste sempre que Osíris o invocar. Como as práticas funerárias egípcias que discutimos anteriormente, sabemos que as representações do falecido eram altamente estilizadas. Os Ushabtis são outro exemplo de como a civilização egípcia dava grande importância à preservação do falecido e sua aparência transcendente na vida após a morte. Estas pequenas figuras estilizadas representam a postura corporal tradicional da mumificação egípcia com os braços falecidos cruzados segurando um artefato egípcio.

Passando para nossa próxima civilização, os gregos governaram de 8.000 aC a 30 aC. Durante este período, houve muitos pequenos períodos que caracterizaram a sociedade e as tradições atuais. Os gregos viam os rituais funerários como uma forma de ajudar a alma dos mortos a transcender para o outro mundo. Enquanto transcendem, os rituais funerários existem para ajudar a proteger o falecido do azar e do infortúnio. Os gregos acreditavam que, quando a pessoa morria, naquele momento a psique, ou espírito dos mortos, deixava o corpo como um pequeno sopro de vento. Nesse momento é quando o corpo é preparado para o enterro (seja qual for o ritual para o período de tempo). Os gregos antigos introduziram a ideia de relacionar o sono e a morte, eles têm um ditado que diz: “O sono e a morte são irmãos”. Essa ideia de sono e morte inter-relacionados prevalece na antiga arte funerária da Grécia, que veremos nesta exposição. Assim como os egípcios, os gregos também colocavam bens mortais nas honrosas tumbas mortas que consistiam em armas, joias e outros bens preciosos.

Krater: & # 8220 Atribuído ao Hirschfeld Workshop: Krater [grego, sótão] & # 8221 (14.130.14) In Heilbrunn Timeline of Art History. Nova York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/14.130.14. (Outubro de 2006) O primeiro exemplo grego de prática funerária é visto durante o período geométrico de 900 a 700 a.C. Este período é caracterizado pela renovação urbana das cidades-estado gregas e um renascimento do passado histórico, como a literatura e a arte. Durante o período geométrico da civilização grega, grandes vasos serviram como lápides monumentais com inscrições funerárias. O período geométrico é fácil de diferenciar em comparação com outros períodos devido às distinções artísticas visíveis. Os corpos do vaso apresentam seios triangulares, pernas alongadas e cabeças circulares. As partes superior e inferior do vaso são decoradas com linhas e formas geométricas, predominantes nesta época. Este grande vaso é creditado como o “Krater” da segunda metade do século VIII a.C. da Attica, Grécia. Este vaso em particular provavelmente representa a morte de um guerreiro militar. Isso é deduzido das várias faixas de histórias enroladas horizontalmente em torno do próprio vaso. A faixa mais larga do vaso (faixa superior) mostra o ritual nas práticas funerárias gregas antigas chamado 'Prothesis', nesta prática a mulher da família banha e ensaboa o corpo com óleo ungido e depois veste o corpo com linho. Depois disso, o corpo é deitado em sua casa em uma cama alta. Neste momento da prática funerária, amigos e familiares podem vir e lamentar o falecido e prestar suas homenagens. Esta parte do processo funerário é especialmente importante porque, na prática funerária grega, acreditava-se que os mortos existiam no mundo subterrâneo da mesma forma exata em que deixaram o mundo dos vivos. Portanto, a preparação especial do cadáver era uma das coisas mais, senão a mais importante, da prática funerária. Se não o fizesse, ficaria indignado e acreditava-se que eles não sobreviveriam à vida após a morte. Na banda inferior (banda inferior), carruagens com cavalos presos carregam guerreiros com lanças e escudos, isso provavelmente se refere ao passado militar falecido. A prática funerária, embora não representada no vaso, terminou com o falecido sendo levado ao cemitério por volta do amanhecer por meio de uma procissão chamada ‘Ekphora’. Muito poucos corpos da época foram colocados no solo físico, mas sim uma tumba retangular, um monte de terra monumental e uma estela ou estátua elaborada para mostrar onde a sepultura foi erguida e para garantir que os mortos não sejam esquecidos. Os corpos eram comumente cremados e colocados em vasos que eram enterrados ao lado da sepultura junto com outros bens da sepultura, como joias, armas e outros presentes de familiares e amigos. . Kraters, como o descrito acima, servia como lápide onde os membros da família podiam derramar azeite, vinho, água e outras oferendas líquidas ao falecido através de um orifício no fundo. Relacionando-se às antigas crenças gregas comuns, o sono e a morte eram associados um ao outro como sendo “irmãos”. Hoje, muitos vemos o sono como um estado temporário, ao passo que a morte se parece mais com um estado mais permanente. A morte é vista como uma representação mais longa do sono, à medida que o corpo transcende para o depois por meio das etapas, conforme falamos anteriormente (consulte Prothesis e Ekphora). O Krater ajuda a descrever essa proeminente crença grega antiga, representando o falecido em uma posição de dormir durante o ritual de Prótese. No final, este Krater serve para representar as tradições funerárias durante o antigo período geométrico grego. Por meio desse Krater, podemos deduzir que os gregos antigos davam grande ênfase às práticas e rituais físicos da vida após a morte, mais do que aos objetos colocados na sepultura. Ao contrário dos rituais egípcios, o corpo falecido permaneceu intacto até o final do ritual funerário, que geralmente envolvia o corpo sendo cremado.

Kouros Figura: & # 8220Estata de um kouros (jovem) [grego, sótão] & # 8221 (32.11.1) Em Heilbrunn Timeline of Art History. Nova York: The Metropolitan Museum of Art, 2000–. http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/32.11.1. (Outubro de 2006) Passando do período geométrico para um período posterior da antiga civilização grega chamada de período arcaico. É aí que discutiremos nosso próximo exemplo de uma obra de arte funerária chamada “figura Kouros”. Datada de 590-580 a.C. na Ática, esta figura é uma das primeiras estátuas independentes de mármore conhecidas. O termo Kouros significa jovem do sexo masculino e geralmente é retratado com a mesma postura rígida durante todo o período arcaico. A postura geralmente representava um homem de pé frontal com a perna esquerda ligeiramente mais para a frente do que a direita e os braços dobrados perto do corpo com as mãos fechadas na parte superior das coxas. Essa simetria e padrão estritos destacavam as diferentes partes da anatomia. Mas também representa a identidade cultural da Grécia nessa época. O amor dos gregos pela harmonia e simetria está presente quando você entende “Kalokagathea”. Kalokagathea é a crença de que as idéias de harmonia e ordem estão relacionadas de maneira importante ao desenvolvimento da cidade. Durante este tempo, a Grécia era uma força dominante emergente e através do uso da simetria, iria conseguir isso e esta crença está presente na figura de Kouros. Os egípcios tiveram um grande impacto no período arcaico junto com a figura de Kouros. Antes desse período, os gregos haviam esculpido suas estátuas em madeira. Por meio da influência dos egípcios, os gregos queriam começar a esculpir a partir de um meio mais importante introduzido no Egito para garantir que a alma do falecido vivesse dentro da estátua. Os gregos incorporaram o uso de um meio mais permanente para representar a vida após a morte eterna, e não para contemplar a alma. Comparando a figura com outras civilizações, o homem é apresentado como um menino porque os jovens eram admirados na sociedade grega, como os egípcios que idealizavam um indivíduo jovem. Os aspectos da estátua também são estilizados como os egípcios, desde o cabelo que representa as contas até os aspectos geométricos da postura do menino. A figura também representava a visão de mudança das culturas sobre o corpo humano. Olhando para trás, para o vaso de Krater que discutimos antes, as figuras de Kouros estavam se tornando mais populares, significando vasos diminuindo, o que acabou levando à sua extinção nas práticas funerárias gregas. Isso prova que os gregos estavam se tornando mais interessados ​​em corpos humanos e como o corpo humano acabaria por levar a uma grande revelação cultural do ideal. Analisando as práticas funerárias da Grécia Antiga, os gregos ricos gastavam muito dinheiro em práticas e rituais funerários. Um ritual funerário popular que durou cerca de 700 a 480 aC foi a ideia de cemitérios fora dos muros das cidades. A figura de Kouros estava presente nos cemitérios atenienses, onde atenienses ricos e proeminentes construíam essas estátuas como lápides ou monumento funerário. Acredita-se que a figura que estamos vendo hoje tenha marcado o túmulo de um jovem aristocrata ateniense. A estátua real não representa uma divindade ou figura política, mas sim as perfeições dos humanos mortais que eram proeminentes o suficiente para serem comemorados. Abaixo das lápides geralmente havia um epitáfio na base e versos que destacavam os interesses do falecido. Os antigos gregos davam grande importância à vida após a morte, mas não eram obcecados durante o período arcaico. Eles estavam mais preocupados com sua existência e conforto na terra. Isso é visto na figura de Kouros por meio do movimento em direção a uma representação realista e idealizada de um mortal. No final, a estátua pode parecer artificial e rígida, mas representa a função da arte grega da época, que era ter um interesse pela vitalidade natural e uma preocupação com a harmonia e a ordem.

Um exemplo da mudança de visão das práticas funerárias é durante o período etrusco que data de cerca de 750 aC - 250 aC. Como as outras civilizações durante este tempo, havia uma forte ênfase na vida após a morte. Falando sobre a civilização etrusca, os etruscos ocuparam o território do norte da Itália enquanto os romanos e os gregos eram o pai do sul e examinaremos como essas civilizações se misturam.

Tumba de triclínio: http://www.artoffresco.com/03-History/03.4-tarquinia/03.4-history-tarquinia.htm

Em comparação com o que discutimos anteriormente sobre a civilização grega, os etruscos eram uma civilização completamente diferente, que veremos hoje. Ao contrário dos gregos, um único líder ou grande cidade não dominava a cultura etrusca. Um aspecto da civilização etrusca que dominou a cultura e a vida cotidiana foi a religião. Na religião etrusca, seus deuses falavam com eles (os mortais) por meio da natureza e de eventos naturais ou desastres. Com a obsessão pela religião, há uma correlação de que eles também estariam extremamente interessados ​​no aspecto da religião após a morte. Os etruscos acreditavam que a morte era apenas o começo e a jornada para a vida após a morte. Por meio do uso da arte e de práticas funerárias, os etruscos acreditavam que os mortos não perseguiriam os mortais se estivessem satisfeitos com suas ofertas para a vida após a morte. O exemplo que veremos hoje é a Tumba do Triclínio. De Tarquinia, Itália por volta de 480-470 AC. Para compreender totalmente a importância da tumba, vamos rever como a cidade de Tarquinia impacta a cultura etrusca. Tarquinia está localizada na costa oeste da península italiana e é mais conhecida como um dos centros de maior autoridade e destaque da Itália naquela época. Os afrescos das paredes apresentam cenas de dançarinos e pessoas curtindo uma festa clássica da sociedade. É por isso que os afrescos nas paredes são comumente chamados de “Dançarinos e Comensais” e representam um processo funerário de celebração. Os foliões representados nos afrescos são vistos reclinados no “Trinclinium”, que são sofás formais de sala de jantar nos quais você relaxa enquanto come ou relaxa. Os servos também estão esperando pelas pessoas enquanto a música ao vivo está sendo executada. Os afrescos podem representar a vida diária da cultura etrusca ou a maneira como eles querem viver sua vida após a morte. As pessoas apresentadas nos afrescos são vistas em pares ou sozinhas, mas todos estão em festa e se divertem nesta festa. A forma como estão a festejar, através das bebidas e da paisagem, é muito extravagante e estilizada. Resolvendo o significado desta tumba, vamos primeiro examinar a função mais básica da tumba. A tumba é uma antiga prática funerária etrusca que envolve uma tumba escavada na rocha que contém os falecidos e os bens da sepultura para a vida após a morte. Os afrescos na parede, ao contrário de qualquer civilização que vimos nesta exposição, não são vistos como sombrios, mas sim como um festival ou uma festa. O aspecto banquete representa o período de transição do mundo vivo para a vida após a morte nos rituais funerários etruscos. O espírito falecido é representado como a refeição e os utensílios e pratos são incluídos em parte dos bens da sepultura. Mas também serve para representar as normas sociais da sociedade. Como falamos antes, os etruscos acreditavam que, para passar com sucesso para a vida após a morte, o falecido deve estar satisfeito com a forma como sua tumba é decorada, caso contrário, os mortos perseguirão os mortais. É por isso que os etruscos passaram tanto tempo construindo e aperfeiçoando seus túmulos e rituais para os mortos. Mas a tumba também continha bens ou oferendas para os mortos levarem para a vida após a morte. Os afrescos na parede também representam uma semelhança estilística com os gregos. Pelas semelhanças, podemos deduzir que gregos e etruscos participaram de um comércio que revela a história da civilização.Este exemplo apresenta a forma como a civilização etrusca via a morte (ou mortes) de uma pessoa de grande importância ou da alta sociedade e como as normas funerárias são incorporadas.

Sarcófago dos Cônjuges: http://www.italianways.com/the-sarcophagus-of-the-spouses-everlasting-etruscan-love/

Uma das obras de arte funerárias etruscas mais importantes encontradas até hoje é a que veremos hoje. A obra de arte é chamada de “sarcófago de um casal (ou cônjuges)” por volta de 520 aC e é feita de terracota. Para compreender totalmente a importância desta obra de arte, vamos olhar para a história das civilizações etruscas. A casa dos etruscos ficava ao norte de Roma. Os romanos ainda não eram um domínio completo na Itália e no mundo, mas sim o oposto do que conhecemos hoje. Até 509 AC, Roma ainda era governada por reis etruscos. A obra de arte que estamos vendo data um pouco antes de os romanos dispensarem o último rei etrusco em Roma. O sarcófago é bastante revolucionário em comparação com as obras de arte da época. Como vimos anteriormente, a figura de Kouros representa as diferenças nas duas civilizações. Em comparação com os gregos, a figura de Kouros é apresentada como uma aparência rígida e rígida. Neste exemplo, o casal é visto como dinâmico e como se estivessem se mudando para o seu espaço. Outra diferença fundamental entre essa representação funerária e os gregos é a incorporação de incluir a esposa e o marido juntos no sarcófago em uma pose muito íntima. Por outro lado, a figura do kouros está sozinha e representa apenas o homem. A incorporação de uma figura feminina faz mais do que apenas representar sua esposa. Isso prova que a civilização etrusca via homens e mulheres como iguais. Agora vamos dar uma olhada no sarcófago real. As figuras no sarcófago são de um marido e uma mulher se entregando a um banquete. Os banquetes eram cenas comuns geralmente representadas em tumbas etruscas, como outro exemplo anterior que examinamos, chamado de “Tumba de Triclínio”. Mas existem algumas especulações sobre o que a esposa estaria segurando. Ou ela está segurando uma xícara ou um copo, o que representaria sua função em um banquete. Mas, por outro lado, alguns estudiosos acreditam que ela pode ter participado de um ritual funerário etrusco. Neste ritual, a esposa é retratada derramando perfume na mão do marido enquanto ele segura uma romã (que era um símbolo da imortalidade ou do eterno). Como as outras duas civilizações que investigamos hoje, os etruscos também idealizaram seus falecidos para uma extensão. A maioria dos aspectos do sarcófago são estilizados a partir das almofadas que eles reclinam sobre seus penteados. As proporções alongadas dos casais são típicas de formas estilizadas arcaicas. Vamos agora examinar os aspectos funerários desta obra de arte. A função funerária do sarcófago é um tanto enganosa. Ao contrário do sarcófago egípcio antigo que continha o corpo mumificado do falecido, este sarcófago não continha realmente os corpos físicos falecidos. Em vez disso, são mantidos os restos cremados do casal como uma urna. Nos rituais funerários etruscos, era comum os corpos dos mortos serem cremados. O casal é apresentado como se divertindo em um banquete porque os etruscos acreditavam que retratar o falecido como ele deseja ser lembrado na vida após a morte promete a ele felicidade eterna. Com medo de não gostarem de sua tumba, a antiga crença funerária etrusca era que, se o falecido não estivesse satisfeito com sua tumba, eles perseguiriam os mortais por toda a eternidade. É por isso que tanta ênfase foi colocada nos aspectos funerários dos mortos. Esta obra de arte representa a civilização etrusca e suas práticas funerárias por meio do uso de bens fúnebres. Em última análise, o sarcófago revela as normas culturais da elite e a crença funerária de que a morte é uma ocasião positiva e comemorativa.

No final, revisamos três civilizações que representam as mudanças nas práticas funerárias nas sociedades antigas. Enquanto alguns desses aspectos ainda prevalecem em diferentes culturas hoje, vamos ser gratos que a maioria dessas práticas e rituais funerários não são mais prevalentes!

1- Museu Britânico. & # 8220Potes de canóticos. & # 8221 Exploração de mumificação. Acessado em 22 de abril de 2015.


Períodos de arte resumida e movimentos de amp

PERÍODOS DE ARTE

CARACTERÍSTICAS

OBRAS PRINCIPAIS

EVENTOS HISTÓRICOS

& # 8211 Nova Idade da Pedra e primeiros assentamentos permanentes 8.000–2500 a.C.

& # 8211 A arte era portátil e estacionária.- Stone Venus. & # 8211 Representação de animais em pinturas vivamente realistas.

& # 8211 A figura humana está completamente ausente na pintura ou representada com um traço simples, como um pau.

Exemplos importantes de pinturas rupestres estão localizados em: França: Chauvet, Cosquer, Cussac, Font-de-Gaume, Lascaux, Les Combarelles, Les Trois-Freres, Niaux e Rouffignac. Espanha: Altamira. & # 8211 Estritamente caçadores-coletores.

& # 8211 Uso de rituais e danças para promover um clima excelente.

& # 8211 Pintura rupestre na Europa, África do Sul e leste da Espanha.

& # 8211 Construção de megálitos

A fertilidade feminina assume um papel protagonista, assim como a deusa mãe.

As estatuetas agora são de barro e assadas.

& # 8211 A retirada das geleiras proporcionando mais terra e estabilização do clima.

& # 8211 Os humanos estavam se estabelecendo em sociedades agrárias.

& # 8211 Foi um dos primeiros metais a ser usado pelo homem em seu estado natural por não saber derreter.

Idade do Bronze. 2500-800 a.C.

& # 8211 Intensificação de negócios.

& # 8211 O último período da pré-história antes do início da história com a invenção da escrita.

& # 8211 Desenvolvimento das habilidades artísticas devido ao melhor aproveitamento do tempo quando o homem tem ferramentas aprimoradas elaboradas com ferro.

& # 8211 Desenvolvimento da tecnologia militar e armas fortes.

& # 8211 Elaboração de vidro cuneiforme e cerâmica de cordas cerâmicas.

& # 8211 Espirais de ouro.

& # 8211 Abundantes flechas ditas “Palmela”.

& # 8211 Punhais triangulares em cobre.

& # 8211 Placas perfuradas.

Trabalho de prefeito da Idade do Bronze:

& # 8211 Os petróglifos, pintura em objetos menores, esculturas e estelas, fazem uso frequente de ornamentos e imagens artísticas para decoração de ferramentas e utensílios domésticos.

O ferro é um bom material para a fabricação de serras, machados, enxós e pregos.

& # 8211 Petro glifos nórdicos.

& # 8211 O homem aperfeiçoou as técnicas da cerâmica permitindo experimentar processos metalúrgicos.

& # 8211 A maioria dos itens fabricados eram ferramentas.

Propagação da agricultura e pecuária.

& # 8211 Domínio de metais no desenvolvimento de novas ligas.

& # 8211 Assíria origina uma tecnologia militar impressionante.

& # 8211 O ferro substituiu o bronze como material de fabricação de instrumentos e armas.

& # 8211 Celtas e nórdicos começam a usar o ferro como ferramentas e armas.

& # 8211 Decoração com motivos da natureza.

& # 8211 Representação proporcional do corpo humano.

& # 8211 Religião educada. Sociedade matriarcal.

& # 8211 Encontrado para atividades físicas.

& # 8211 Atividades comerciais importantes.

& # 8211 Joias ostentosas. Ourives experiente.

& # 8211 Mulher dançarina amplamente representada na arte.

& # 8211 Afresco de golfinhos na câmara Quing & # 8217s.

Acontecimentos históricos minóicos: -Desenvolvimento como sociedade matriarcal.- Fundação dos primeiros palácios.

& # 8211 Desaparecimento repentino devido a conquistas e desastres naturais.

& # 8211 A civilização mais antiga da região com representação de estatuetas de argila, tabuinhas cuneiformes e selos.

& # 8211 tabelas e selos de escrita cuneiforme.

& # 8211 Gilgamesh Representação épica em peças de arte.

& # 8211 Guerreiros com arte e narração em relevo de pedra com representação predominante de Leões e esfinges aladas.

& # 8211 Diorite Stele of Hammurabi & # 8217s Code.

& # 8211 História do tablet da inundação épica de Gilgamesh.

Portas Nimrud ou Jursabad com esfinges aladas

A construção dos Zigurates.

& # 8211 Invenção da escrita por volta de 3400 a.C.

& # 8211 A dinastia de Sargão entre (2300 - 2223 aC) constrói zigurates e selos de argila.

& # 8211 Hammurabi escreve seu código de leis em 1780 a.C.

& # 8211 Abraão funda o monoteísmo.

& # 8211 O palácio do rei Nabucodonosor é construtor na Babilônia.

Por volta de 884 aC, a Assíria fica à frente do poder em uma vasta região sob o reinado de Ashur-Nassir-Pal.

Período Aqueménida (550-330) A.C.- Estilo monumental com esculturas em relevo unidas a juntas arquitetônicas com decoração abundante, mas simples.

& # 8211 Representação do trabalho em metal evitando o ambíguo, obscuro ou desajeitado. O mesmo princípio de simplicidade se aplica à pintura.

& # 8211 Utilização de tijolo esmaltado em baixo relevo da técnica Babylons.

& # 8211 Simplicidade das mensagens evitando complicações, escuridão ou confusão.

& # 8211 Decoração arquitetônica em pedra esculpida, paredes revestidas de estuque decoradas com cores vivas e contrastantes.

& # 8211 Atraente e profundamente expressivo com decoração requintada, emocional e imaginativa.

& # 8211 Representação de idéias abstratas sem violar os termos dos aspectos visuais.

& # 8211 Caligrafia e decoração de manuscritos.

& # 8211 Decoração das paredes com estuque e revestidas a tintas figurativas coloridas e detalhadas.

& # 8211 Os tijolos vitrificados são usados ​​para decorar o palácio de Dario.

& # 8211 Relevo nas paredes do palácio representando o poder dos governantes.

& # 8211 Importante trabalho em metal na decoração de armas.

& # 8211 Decorações de esmalte espetaculares.

& # 8211 Trabalho de metal detalhado em armas e objetos de uso diário.

& # 8211 Domínio de tapeçaria e joalheria.

& # 8211 Caligrafia e decoração do manuscrito.

& # 8211 Cerâmica com influência da cerâmica chinesa.

& # 8211 Metalwork com arabescos.

& # 8211 Durante o reinado de Ciro, o Grande, a Pérsia se expande para o oeste e noroeste além das fronteiras do que é hoje o Irã para incluir a Babilônia, algumas das ilhas do Egeu e a Anatólia. - O governo de Dario (522 a 486 aC). A regra de Darius abrange muitas culturas.

Ele e seu filho usaram artistas estrangeiros para promover e fortalecer sua imagem de poder.

& # 8211 As maiores conquistas da cultura persa, o último grande Império iraniano antes da conquista islâmica da Pérsia.

& # 8211 A conquista da Pérsia por Alexandre, o Grande, deu início à difusão da arte helenística na Ásia Ocidental.

& # 8211 A adoção do Islã como religião em todo o território resultou em mudanças importantes na cultura persa.

& # 8211 Os persas tornaram-se o principal instrumento de expansão do Islã na maior parte do restante do território asiático.

& # 8211 A imagem carrega um simbolismo e uma mensagem que não é com a intenção de mostrar beleza.

& # 8211 As figuras mostram que a posição de frontalidade é um conceito fixo que se repete.

& # 8211 A grande pirâmide de Gizé, construída pelo rei Quéops cerca de 4.500.-

& # 8211 O rei Narmer une Alto / Baixo Egito (3100 aC) .- Ramsés II luta contra os hititas 1274 aC- Domínio persa do Egito.1085-333: Domínio persa do Egito.- O domínio do Egito sob os gregos e os romanos. - Cleopatra morre 30B.C.

& # 8211 dealismo grego de equilíbrio, proporções perfeitas e medidas matemáticas aplicadas a todas as manifestações da arte.

Representação de uma arte idílica orientada para ser decorativa e realçar a beleza das formas.

& # 8211 Ordens arquitetônicas (dórica, jônica, coríntia)

& # 8211 Grande Olaria, cerâmica vermelha, cerâmica negra.

& # 8211 A escultura arcaica Korai e Kouroi.

& # 8211 O artista de esculturas de mestres destaca individualmente como Myron, Phidias, Polycleitus, Praxiteles, scopas, Lisipo.

& # 8211 Atenas derrota a Pérsia na Maratona de 490 a.C.- Guerras do Peloponeso (431–404) a.C.

& # 8211 Alexandre, o Grate, conquista a Grécia 336 -323 a.C.

& # 8211 Período Helenístico: século 4 (a.C.) desde o reinado de Alexandre o Grande (336-323 aC) até a conquista da Grécia por Roma, em meados do século II a.C.

& # 8211 Realismo romano: prático e utilitário com os pés no chão.- Introdução de novas técnicas na arte, mas ainda com influências gregas.- Arte a serviço da propaganda do poder do Império Romano.

& # 8211 Aborda tanto o idealismo quanto o realismo na arte.

& # 8211 Temas centrais na escultura romana são retratos.

& # 8211 Realizações do prefeito em arquitetura

& # 8211 Conteúdo erótico e sensual em pintura.

& # 8211 Ilusionista anônimo ou pintura de palcos.

& # 8211 Escultura do Imperador Constantino.

& # 8211 Cidade de Pompéia e pintura de Herculano & # 8217s

Júlio César é assassinado em 44 a.C.

Augusto proclamou imperador em 27 a.C.

Diocleciano divide o Império em 292 d.C.

O imperador Constantino adotou o cristianismo.

& # 8211 Características multiculturais e multiétnicas coloridas dinâmicas.- Templos budistas esculpidos nas montanhas.-

Arte serena, meditativa e amp solemner no budismo e no jainismo.

& # 8211 Simbolismos eróticos e amplos na escultura do hinduísmo.

& # 8211 Sensualidade, dramaticidade, movimento e simbolismos na pintura do hinduísmo.

& # 8211 Esplendor em joias e têxteis.

& # 8211 A natureza e seu panteão religioso politeísta são os principais elementos de representação de sua arte.

& # 8211 Templo Jaina de Vimala Vasahi em el monte Abu.

& # 8211 Templo Budista de Ajanta. Maharastra.

& # 8211 O Mahabharata e o Ramayana, dois grandes manuscritos épicos em sânscrito dos antigos templos da região da Índia.

& # 8211 Os dravidianos desenvolvem urbanismos e cultura avançados.

& # 8211 O próspero elenco social e religioso do bramanismo fez uma declaração importante na Índia.

& # 8211 O Budismo e o Jainismo prosperam.

& # 8211 O Hinduísmo modifica o ancestral panteão politeísta do Bramanismo.

& # 8211 Persia Invade India foi a última conquista do Mughal muito importante para a arte na Índia.

& # 8211 The England Indian’s Company estabelece uma colônia começando no litoral da Índia e depois se estendendo.

& # 8211 Representa uma paisagem idealista com detalhes realistas.

& # 8211 Homenagem à natureza e à paisagem na pintura.

& # 8211 Após um período colorido na pintura, este é reduzido a uma representação de cores de tons duplos em períodos posteriores.

& # 8211 Importante produção de cerâmica a partir de porcelana feita com caulim.

& # 8211 Pintura detalhada em papel, madeira e tecidos.

& # 8211 O uso abundante de caligrafia em tintas foi tão importante quanto a própria tinta.

& # 8211 Magníficas obras em marfim e jade.

& # 8211 Arquitetura destinada ao uso prático, não ornamental e integrada à paisagem ao redor do edifício. Estrutura de madeira com planta repetitiva.

& # 8211 Ampla representação de imagens Budda com características e posturas asiáticas particulares.

O budismo se espalhou para a China dos séculos I a II d.C. e pelo Japão do século V d.C.

& # 8211 O caráter simbólico das obras torna-se mais importante até mesmo sobre sua expressão e estética, respondendo à teologia e representação do poder eclesiástico. & # 8211 Elas não imitam a imagem do homem e da natureza em detalhes, elas fazem ao invés uma representação racional do conceito dessas imagens.-

& # 8211 Materiais ricos em bizantino.Mosaico, com abundância no uso de ouro. (Sensação de brilho).

& # 8211 Mosaicos bizantinos celestiais.- Arquitetura islâmica e incrível design semelhante a um labirinto.- Pintura mural.- Madeira e dípticos de marfim.- Catedral de Hagia Sophia.


Precursores angelicais

Assíria

Lamassu do período Neo-Assírio, Reinado de Sargão II (721-705 AC)

Na antiga cultura assíria, um Lamassu era uma divindade protetora. Também conhecido como um & # 8220touro com asas & # 8221, esta figura híbrida compreende a cabeça de um humano, o corpo de um bovino ou leão e grandes asas emplumadas.

Por causa de seu papel de protetor e da beleza de sua aparência mitológica, esse deus era frequentemente o tema da arte assíria. Mais famosa, pares de lamassu esculpidos foram colocados nas entradas do palácio, com os primeiros exemplos datando do século 10 aC.

Grécia antiga

Na Grécia, duas figuras prontas para voar inspiraram anjos na arte: Eros e Nike. Na mitologia, Eros (mais tarde conhecido como o equivalente romano, Cupido) é o filho de Afrodite e o deus do amor. Arte do período clássico (510 aC-323 aC) retrata Eros como um adolescente com asas proeminentes.

The Winged Victory of Samothrace (Foto: Stock Photos from muratart / Shutterstock)

Durante o período helenístico (323 aC-31 dC), a popularidade das esculturas de mármore disparou. Muitos artistas usaram esse meio para criar estátuas dos deuses, com a Vitória Alada de Samotrácia entre os exemplos mais famosos.

Criada para comemorar uma batalha naval no início do segundo século AEC, esta escultura de 18 pés retrata Nike, a deusa grega da vitória. A figura habilmente esculpida é famosa por sua postura realista, cortinas flutuantes e, claro, suas asas colossais.


História da Arte da Idade do Bronze (na Europa: 3000-1200 AC)

Os exemplos mais famosos da arte da Idade do Bronze apareceram no 'berço da civilização' em torno do Mediterrâneo no Oriente Próximo, durante a ascensão da Mesopotâmia (atual Iraque), Grécia, Creta (civilização minóica) e Egito. O surgimento das cidades, o uso de linguagens escritas e o desenvolvimento de ferramentas mais sofisticadas levaram à criação de uma gama muito mais ampla de obras de arte monumentais e portáteis.

Arte egípcia (de 3100 aC)

O Egito, sem dúvida a maior civilização da história da arte antiga, foi a primeira cultura a adotar um estilo de arte reconhecível. Os pintores egípcios retrataram a cabeça, pernas e pés de seus temas humanos de perfil, enquanto retratavam os olhos, ombros, braços e tronco de frente. Outras convenções artísticas estabelecem como deuses, faraós e pessoas comuns devem ser representados, regulando elementos como tamanho, cor e posição figurativa. Uma série de pinturas de cera encáustica egípcia maravilhosas, conhecidas como os retratos de Fayum, oferecem um vislumbre fascinante da cultura helenística no Egito Antigo. Além disso, o estilo único da arquitetura egípcia apresentava uma série de enormes câmaras mortuárias de pedra, chamadas de Pirâmides. A experiência egípcia em pedra teve um grande impacto na arquitetura grega posterior. As famosas pirâmides egípcias incluem: A pirâmide de degraus de Djoser (c.2630 AC), e A Grande Pirâmide de Gizé (c.2550 AC), também chamada de Pirâmide de Khufu ou 'Pirâmide de Quéops'.

Arte Suméria (de 3500 aC)

Na Mesopotâmia e na Pérsia Antiga, os sumérios estavam desenvolvendo seu próprio edifício - uma forma alternativa de pirâmide escalonada chamada de zigurate. Não eram câmaras mortuárias, mas montanhas feitas pelo homem, destinadas a aproximar governantes e pessoas de seus deuses que, segundo a lenda, viviam no alto das montanhas ao leste. Os zigurates foram construídos com tijolos de argila, geralmente decorados com esmaltes coloridos. Veja Arte Suméria (c.4500-2270 AC).

Arte persa (de 3500 aC)

Durante a maior parte da Antiguidade, a arte da antiga Pérsia esteve intimamente ligada à de seus vizinhos, especialmente a Mesopotâmia (atual Iraque), e influenciou - e foi influenciada pela - arte grega.As primeiras obras persas de arte portátil apresentam as intrincadas cerâmicas de Susa e Persépolis (c.3000 AC), mas os dois períodos importantes da arte persa foram a Era Aquemênida (c.550-330 AC) - exemplificada pelos palácios monumentais de Persépolis e Susa, decorada com esculturas, relevos de pedra e o famoso & quotFrieze of Archers & quot (Louvre, Paris) criado a partir de tijolos esmaltados - e a Era Sassanid (226-650 DC) - conhecida por suas pedras altamente decorativas mosaicos, pratos de ouro e prata, afrescos e manuscritos iluminados bem como artesanato como fabricação de tapetes e tecelagem de seda. Mas, as maiores relíquias da arte sassânida são os esculturas de rocha esculpido em penhascos de calcário íngremes em Taq-i-Bustan, Shahpur, Naqsh-e Rostam e Naqsh-e Rajab.

Arte Minóica (c.2100-1425 AC)

A primeira vertente importante da arte do Egeu, criada em Creta pelos minoanos, estava enraizada em seu arquitetura do palácio em Knossos, Phaestus, Akrotiri, Kato Zakros e Mallia, que foram construídos com uma combinação de pedra, tijolo de barro e gesso e decorados com murais coloridos e pinturas de afrescos, retratando símbolos animais mitológicos (por exemplo, o touro), bem como um gama de narrativas mitológicas. A arte minóica também apresenta esculturas em pedra (principalmente pedras de vedação) e trabalhos em metal precioso. O período protopalacial minóico (c.1700 aC), que terminou em um grande terremoto, foi seguido por um período neopalacial ainda mais ornamentado (c.1700-1425 aC), que testemunhou o ponto alto da cultura antes de ser encerrado por um segundo conjunto de terremotos em 1425. Os artesãos minóicos também são conhecidos por seus cerâmica e vaso-pintura, que apresentava uma série de motivos marinhos e marítimos. Esse foco na natureza e nos eventos - em vez de governantes e divindades - também é evidente nos murais e esculturas dos palácios minóicos.

Nomeado após o metal que o tornou próspero, o período da Idade do Bronze testemunhou uma série de maravilhosas metalurgia feito de muitos materiais diferentes. Esta forma de metalurgia é exemplificada por duas obras-primas extraordinárias: O & quotRam in the Thicket & quot (c.2500 AC, British Museum, Londres) uma pequena escultura iraquiana feita de folha de ouro, cobre, lápis-lazúli e calcário vermelho e The & quotMaikop Gold Bull & quot (c.2500 aC, Hermitage, São Petersburgo) uma escultura de ouro em miniatura da cultura Maikop, Cáucaso do Norte, Rússia. Veja também: arte assíria (c.1500-612 AC) e arte hitita (c.1600-1180 AC). O período também viu o surgimento de Bronzeworks chinês (de cerca de 1750 aC), na forma de placas de bronze e esculturas frequentemente decoradas com Jade, da Bacia do Rio Amarelo na Província de Henan, China Central.

Para as civilizações da Idade do Bronze nas Américas, consulte: Arte pré-colombiana, que cobre a arte e o artesanato das culturas mesoamericana e sul-americana.

Para mais informações sobre a história da pintura, escultura, arquitetura e artesanato durante este período, consulte: Arte da Idade do Bronze.

História da Arte da Idade do Ferro e Antiguidade Clássica (c.1500-200 AC)

A Arte da Antiguidade Clássica testemunhou um grande crescimento durante este período, especialmente na Grécia e em torno do Mediterrâneo oriental. Coincidiu com o surgimento da cultura helênica (de influência grega).

Arte micênica (c.1500-1100 aC)

Embora Micenas fosse uma cidade grega independente no Peloponeso grego, o termo cultura & quotMiceniana & quot é às vezes usado para descrever a arte grega como um todo durante o final da Idade do Bronze. Inicialmente muito sob a influência da cultura minóica, a arte micênica gradualmente alcançou seu próprio equilíbrio entre o naturalismo vivo de Creta e o idioma artístico mais formal do continente, como exemplificado em seus numerosos afrescos de têmpera, escultura, cerâmica, gemas esculpidas, joias, vidro, ornamentos e trabalhos em metal precioso. Além disso, em contraste com a cultura minóica de "comércio marítimo", os micênicos eram guerreiros, de modo que sua arte foi projetada principalmente para glorificar seus governantes seculares. Incluía vários túmulos tholos cheios de trabalhos em ouro, armas ornamentais e joias preciosas.

Arte da Grécia Antiga (c.1100-100 a.C.)

A arte da Grécia Antiga é tradicionalmente dividida nos seguintes períodos: (1) Idade das Trevas (c.1100-900 aC). (2) O período geométrico (c.900-700 aC). (3) O período de estilo oriental (c.700-625 aC). (4) O período arcaico (c.625-500 aC). (5) O período clássico (c.500-323 aC). (6) O período helenístico (c.323-100 aC). Infelizmente, quase todas as pinturas gregas e uma grande parte das esculturas gregas se perderam, deixando-nos com uma coleção de ruínas ou cópias romanas. A arquitetura grega também é amplamente conhecida por nós por meio de suas ruínas. Apesar disso pequeno legado, os artistas gregos permanecem altamente reverenciados, o que demonstra o quão verdadeiramente avançados eles eram.

Como todos os artesãos da região mediterrânea, os gregos antigos emprestaram uma série de técnicas artísticas importantes de seus vizinhos e parceiros comerciais. Mesmo assim, com a morte do imperador macedônio Alexandre, o Grande, em 323 AEC, a arte grega foi considerada, em geral, a melhor já feita. Mesmo os romanos - apesar de suas incríveis habilidades militares e de engenharia - nunca superaram totalmente seu senso de inferioridade em face do artesanato grego e (felizmente para nós) copiou obras de arte gregas assiduamente. Dezessete séculos depois, a arquitetura grega, os relevos escultóricos, as estátuas e a cerâmica seriam redescobertos durante o Renascimento italiano e se tornariam a pedra angular da arte ocidental por mais de 400 anos.

Idade das Trevas
Após a queda da civilização micênica (século 12 aC), a Grécia entrou em um período de declínio, conhecido como Idade das Trevas - porque sabemos muito pouco sobre isso. A escultura, a pintura e a arquitetura monumental quase cessaram.

Período Geométrico
Então, por volta de 900 aC, essas artes (criadas principalmente para famílias aristocráticas que haviam alcançado o poder durante a Idade das Trevas) reapareceram durante o período geométrico, em homenagem aos desenhos decorativos de sua cerâmica.

Período oriental
O período subsequente de Orientalização foi caracterizado pela influência do designwork do Oriente Próximo, notadamente os padrões curvilíneos, zoomórficos e florais.

Período Arcaico
O período arcaico foi um período de experimentação gradual, a forma escultural mais valorizada foi a kouros (pl.kouroi), ou nu masculino em pé. Isso foi seguido pelo período clássico, que representa o apogeu da arte grega.

Período Clássico
A arquitetura grega floresceu, com base em um sistema de 'Ordens Clássicas' (dóricas, jônicas e coríntias) ou regras para o projeto de construção, com base nas proporções de e entre as partes individuais. O Partenon no complexo da Acrópole em Atenas é o exemplo supremo da arquitetura clássica grega: outros exemplos famosos incluem: o Templo de Zeus em Olímpia, o Templo de Hefesto, o Templo de Atena Nike, o Teatro em Delfos e o Templo Tholos de Athena Pronaia. Nas artes plásticas, grandes escultores gregos clássicos gostam Polykleitos, Myron, e Fídias demonstrou um domínio do realismo que permaneceria insuperável até o Renascimento italiano. Mas a pintura continuou sendo a forma de arte mais respeitada - notavelmente pinturas em painel executadas em têmpera ou tinta encáustica - com renomados pintores gregos como Zeuxis, Apeles, e Parrhasius adicionou novas técnicas de realce, sombreamento e coloração.

helenismo
O início da fase helenística final coincidiu com a morte de Alexandre e a incorporação do Império Persa ao mundo grego. Em termos de estilo, o realismo clássico foi substituído por uma maior solenidade e heroicismo (exemplificado pela enorme estátua "O Colosso de Rodes", do mesmo tamanho que a Estátua da Liberdade), bem como um expressionismo crescente. O período é caracterizado pela difusão da cultura grega (helenização) por todo o mundo civilizado, incluindo técnicas de escultura e arte em mosaico. Esculturas helenísticas famosas incluem: o célebre & quotVênus de Milo& quot, & quotDying Gaul & quot por Epigonus the Pergamon Altar of Zeus (c.166-156 BCE) & quotWinged Victory of Samothrace & quot e & quotLaocoon and His Sons & quot por Hagesandrus, Polydorus and Athenodorus.

A cerâmica grega se desenvolveu muito antes de outras formas de arte: por volta de 3.000 aC, o Peloponeso já era o principal centro de cerâmica. Mais tarde, após a conquista do continente grego por tribos indo-europeias por volta de 2100 AEC, uma nova forma de cerâmica foi introduzida, conhecida como Minyan Ware. Foi o primeiro tipo grego a ser feito em uma roda de oleiro. Apesar disso, foi a cerâmica minóica em Creta - com seu novo estilo escuro sobre a luz - que predominou durante o segundo milênio aC. Posteriormente, no entanto, os ceramistas gregos recuperaram a iniciativa, introduzindo uma série de inovações deslumbrantes, incluindo: lindas proporções Estilo Geométrico cerâmica (900-725), bem como oriental (725-600), Figura Negra (600-480) e Figura Vermelha (530-480) estilos. Os ceramistas gregos famosos incluem Exekias, Kleitias, Ergotimos, Nearchos, Lydos, o Pintor Amasis, Andokides, Euthymides e Sophilos (todos os bonecos negros), além de Douris, Brygos e Onesimos (bonecos vermelhos).

Arte etrusca (c.700-90 AC)

Na Etrúria, Itália, a antiga cultura Villanovan deu lugar à civilização etrusca por volta de 700 aC. Isso atingiu seu auge durante o século VI aC, quando suas cidades-estado ganharam o controle da Itália central. Como os egípcios, mas ao contrário dos gregos, os etruscos acreditavam em uma vida após a morte, portanto, a tumba ou a arte funerária eram uma característica da cultura etrusca. Artistas etruscos também eram famosos por seus escultura figurativa, em pedra, terracota e bronze. Acima de tudo, a arte etrusca é famosa por seu & quotjoi de vivre & quot, exemplificado por sua animada pintura mural de afrescos, especialmente nas vilas dos ricos. Além disso, a habilidade de Ourives etruscos foi altamente valorizado em toda a Itália e além. A cultura etrusca, ela própria fortemente influenciada pelos estilos gregos, teve um impacto marcante em outras culturas, notadamente nos estilos Hallstatt e La Tene de arte celta. A cultura etrusca declinou de 396 AEC em diante, à medida que suas cidades-estado foram absorvidas pelo Império Romano.

Para mais informações sobre a história da pintura, escultura, arquitetura e artesanato da Etrúria, consulte: Arte etrusca.

Arte Celta (c.600-100 a.C.)

Por volta de 600 aC, tribos pagãs migrantes das estepes russas, conhecidas como celtas, estabeleceram-se montadas no Danúbio Superior, na Europa central. A cultura celta, baseada em habilidades comerciais excepcionais e no domínio precoce do ferro, facilitou sua expansão gradual por toda a Europa e levou a dois estilos de arte celta cujos artefatos são conhecidos por nós em vários sítios arqueológicos importantes na Suíça e na Áustria. Os dois estilos são Hallstatt (600-450) e La Tene (450-100). Ambos foram exemplificados por belos trabalhos em metal e complexos projetos lineares. Embora no início do primeiro milênio dC a maioria dos artistas celtas pagãos tenham sido totalmente absorvidos pelo Império Romano, suas tradições de desenhos em espiral, zoomórfico, knotwork e entrelaçado ressurgiram e floresceram posteriormente (600-1100 dC) em muitas formas de arte hiberno-saxônica ( veja abaixo), como manuscritos iluminados do Evangelho, trabalhos religiosos em metal e Escultura em Cruz Alta. Exemplos famosos da arte em metal celta incluem o Caldeirão Gundestrup, a Coroa Petrie e o torc de ouro Broighter.

Arte Romana (c.200 AC-400 CE)

Ao contrário de seus vizinhos intelectuais gregos, os romanos eram principalmente pessoas práticas com uma afinidade natural por engenharia, assuntos militares e construção de impérios. A arquitetura romana foi projetada para maravilhar, entreter e atender a uma população crescente na Itália e em todo o Império. Assim, as conquistas arquitetônicas romanas são exemplificadas por novos sistemas de drenagem, aquedutos, pontes, banhos públicos, instalações esportivas e anfiteatros (por exemplo, o Coliseu 72-80 CE), caracterizados por grandes avanços nos materiais (por exemplo, a invenção do concreto) e no construção de arcos e cúpulas. Este último não só permitia a cobertura de edifícios maiores, mas também conferia ao exterior muito maior grandeza e majestade. Tudo isso revolucionou o campo da arquitetura dominado pelos gregos, pelo menos em forma e tamanho, senão em criatividade, e forneceu oportunidades infinitas para embelezamento na forma de relevos esculturais, estátuas, murais de afrescos e mosaicos. Os exemplos mais famosos da arquitetura romana incluem: o enorme Coliseu, o Arco de Tito e a Coluna de Trajano.

Se a arquitetura romana era excepcionalmente grandiosa, suas pinturas e esculturas continuaram a imitar o estilo grego, exceto que seu objetivo principal era a glorificação do poder e da majestade de Roma. A arte romana primitiva (c.200-27 aC) era detalhada, não idealizada e realista, enquanto os estilos imperiais posteriores (c.27 aC - 200 dC) eram mais heróicos. A pintura medíocre floresceu na forma de pinturas murais padrão de design de interiores, enquanto a pintura em painel de alta qualidade foi executada em têmpera ou em pigmentos encáusticos. A escultura romana também variava em qualidade: além de dezenas de milhares de bustos de retratos de qualidade média de imperadores e outros dignitários, os escultores romanos também produziram algumas esculturas históricas maravilhosas em relevo, como a escultura em baixo-relevo em espiral na coluna de Trajano, celebrando a vitória do imperador na guerra Dacian.

Para mais informações sobre a história da pintura, escultura, arquitetura e artesanato da Roma Antiga, consulte: Arte Romana.

Primeiras artes de todo o mundo

Embora a história da arte seja comumente vista como preocupada principalmente com civilizações derivadas das culturas européia e chinesa, uma quantidade significativa de artes e ofícios apareceu desde os primeiros tempos na periferia do mundo conhecido. Para mais informações sobre a história e artefatos dessas culturas, consulte: Arte Oceânica (do Pacífico Sul e Australásia), Arte Africana (de todas as partes do continente) e Arte Tribal (da África, Ilhas do Pacífico, Indonésia, Birmânia, Australásia , América do Norte e Alasca).


Linha do tempo da história da arte

Encontrar o seu caminho ao longo da linha do tempo da história da arte não é fácil. Existem movimentos artísticos, escolas, irmandades, academias de arte e individualismo e muito mais. É difícil obter uma visão geral. Esperamos que nossa Linha do Tempo da História da Arte dê a você uma visão mais ampla da história da arte, quando os diferentes artistas viveram e em que período.

Se você quiser saber mais sobre um determinado artista, clique em seu nome à direita da Linha de tempo, mais abaixo. Acima da linha do tempo, você pode clicar em um movimento artístico ou era que também está representado em nossa linha do tempo. Ele lhe dará exemplos de pinturas, pintores e uma breve descrição desse período. Se não houver um link anexado no momento, você pode esperar por isso em um futuro próximo.

Observe que os limites não são exatos quando se considera o desenvolvimento das artes plásticas.

Boa sorte, divirta-se - e inspire-se!

Todas as Eras e Movimentos em ordem alfabética:

Lilás (na linha do tempo)

Barroco - Arte bizantina - Arte contemporânea - Arte do gótico antigo - Arte gótica - Modernismo - Neoclassicismo - Renascença - Rococó

Verde (na linha do tempo)

Expressionismo abstrato - Arte acadêmica - Cubismo - Realismo holandês - Expressionismo e arte abstática - Maneirismo - Impressionismo - Pós-impressionismo - Realismo - Romantismo - Surrealismo - Simbolismo

Rosa (na linha do tempo)

Art Nouveau - Escola Ashan - Escola Barbizon - Bauhaus - Grupo Bloomsbury - Escola Bolonhesa - CoBrA - Construtivismo - Dadaísmo - De Stijl - Der Blaue Reiter - Die Brücke - Fauvismo - Fontainbleau - Futurismo - Escola do Rio Hudson - Movimento nazareno - Escola Norwich - Pontilhismo - Pop art - Irmandade pré-rafaelita


Assista o vídeo: Linha do tempo, da história da arte