Por que os torresmos entraram e saíram de moda?

Por que os torresmos entraram e saíram de moda?

Fiz uma descoberta muito contra-intuitiva. Wikipedia diz:

Os torresmos eram comuns até por volta do século IX, quando desapareceram em grande parte. Não há muitas evidências de seu uso até o segundo quarto do século XIII.

Se os chausses os tornaram obsoletos, por que eles reapareceram? As chausses foram preferidas pela flexibilidade? Eles foram tornados ineficazes pela introdução de espadas ou armas de ponta mais afiladas?


Greaves realmente se desenvolveu no final da Idade Média como um componente de armadura de placa completa. Portanto, neste exemplo específico, o "reaparecimento" das grevas foi basicamente apenas parte do avanço geral da cota de malha para a armadura de placas. Apesar da nomenclatura compartilhada, esses torresmos de placa eram muito diferente dos caneleiras da idade das trevas ou da antiguidade. Esses são mais precisamente demi-torresmos.

A motivação era, obviamente, o melhor valor protetor do prato. Na maior parte da Idade Média, a cota de malha fornecia proteção "boa o suficiente", ao mesmo tempo que mantinha uma flexibilidade decente. No entanto, com o tempo, os avanços das armas inevitavelmente corroeram seu valor protetor.

Os escudos estavam se tornando cada vez menores e mais manobráveis. Mail tinha os méritos de grande flexibilidade e resistência a golpes cortantes. Mas era vulnerável a flechas com ponta de aço e não conseguia resistir a golpes esmagadores.

França, John, ed. Guerra medieval 1000-1300. Routledge, 2017.

Conseqüentemente, quando se tornou tecnicamente viável produzi-los, a blindagem de placas substituiu rapidamente a malha para aqueles que podem pagá-la. Obviamente, a armadura de placas só protegia o que realmente cobria. Portanto, era completamente lógico que a armadura se estendesse até o pé inteiro.

Outro fator contribuinte, mencionado na citação acima, é que os escudos maiores geralmente haviam caído em desuso nesse período. Devido à sua dificuldade de manejo, eles eram considerados mais impedimentos do que ajuda no campo de batalha. Isso, no entanto, significava que as pernas, especialmente para tropas montadas, eram particularmente vulneráveis ​​e requerem proteção separada.

Em contraste, os escudos de pipas anteriores, como aqueles representados na Tapeçaria de Bayeux, eram muito maiores e alongados. Isso significa que eles podem ser usados ​​para proteger a parte inferior das pernas.

Na verdade, esta não foi a primeira vez que os escudos afetaram o uso de torresmos. Na Roma Antiga,

No geral, a armadura romana do primeiro século AEC não era muito diferente da armadura grega antiga; apenas o escudo diferia significativamente ... a forma do escudo e tamanho aumentado significava que o portador não precisava usar greaves (armadura para as pernas) como os gregos usavam, o que resultou em um maior grau de liberdade de movimento e, portanto, velocidade.

DeVries, Kelly e Robert Douglas Smith. Tecnologia Militar Medieval. University of Toronto Press, 2012.


As tendências da moda mais opressivas da história

Durante grande parte da história, as mulheres viveram como cidadãs de segunda classe. As mulheres americanas só tiveram o direito de votar no século XX. Ainda na década de 1970, o cartão de crédito podia ser negado a uma mulher, a menos que ele tivesse a assinatura do marido. A liberdade que desfrutamos hoje é algo bastante recente que nossas avós viveram em uma era com menos direitos, e as gerações que vieram antes delas a tinham ainda pior.

Além de ter menos direitos legais, as mulheres no passado também tinham menos opções de moda. Ainda na década de 1940, as mulheres podiam ser presas por usar calças em público, por serem consideradas roupas masculinas. Hoje, as mulheres têm muito mais opções de vestir roupas que sejam confortáveis e expressa seu estilo pessoal. As opções históricas, no entanto, eram bastante limitadas - e muitas vezes opressivas. Algumas das modas às quais as mulheres foram submetidas ao longo da história foram desconfortáveis, restritivas e francamente perigosas. Em alguns casos, as tendências históricas da moda podem até ser mortais. Aqui estão algumas das tendências da moda mais opressivas que existiram ao longo da história.


Corsets in Fashion: Uma História Completa

Já se perguntou como é o espartilho ao longo da história? Descubra o guia completo de espartilhos na moda, começando já em 1600 AC.

Os espartilhos têm uma longa história rica na indústria da moda. Usado por centenas, possivelmente milhares de anos, o espartilho não foi usado apenas por razões práticas, mas também como uma declaração de moda. Continue lendo para descobrir a história dos espartilhos na moda, desde os primeiros exemplos até o século 21 ...

O primeiro espartilho registrado ...

O primeiro exemplo conhecido de um espartilho usado para fins de moda data do povo minóico, em Creta, na Grécia. Imagens pintadas em cerâmica antiga mostram homens e mulheres usando cintos de forma justa na cintura, completos com coletes com anéis ou tiras de couro. Os cintos e coletes são pintados em ouro e são o ponto focal, criando uma declaração de moda atraente.

O século 15 ...

Embora entendamos que os corsets podem ter sido usados ​​já em 1600 AC, a partir do século 15 temos melhores registros do tipo de espartilhos que estavam na moda. Durante o século 15, uma vestimenta semelhante a um espartilho, chamada de "cotte", tornou-se popular pela primeira vez na França. O cotte tinha um formato semelhante aos espartilhos que conhecemos hoje, mas não dava muita cobertura ao busto e apresentava um decote quadrado com tiras largas para revelar a parte superior do busto e as clavículas.

Os espartilhos tornaram-se mais reveladores no século XV. Agnes Sorel, amante de Carlos VII da França mudou a história do espartilho quando ela usou um vestido na corte francesa que expôs seus seios. Uma tendência começou e as francesas começaram a abrir os espartilhos para revelar os seios. Um pouco depois, outra tendência começou - mostrando a parte inferior das costas, então as mulheres usavam espartilhos curtos e abriam seus vestidos para mostrar isso.

O século 16 ...

Durante o século 16, a moda de uma cintura fina aumentou ainda mais, quando Catarina de Medici proibiu as "cinturas grossas" na corte. Isso significava que as mulheres ricas em público deveriam usar espartilhos o tempo todo. Os espartilhos do século 16 eram amarrados na frente e nas costas, com um painel decorativo chamado "stomacher" para esconder os laços.

Na Espanha, no século 16, os espartilhos usavam uma haste de madeira ou osso chamada de "busk" na frente, que criava uma forma plana. Na Inglaterra, o ‘Tudor Corset’ usava capas de espartilho de ferro, enquanto na Alemanha e na Itália, um estilo menos rígido era preferível.

Os espartilhos dessa época eram projetados para achatar a cintura e empurrar os seios para cima. Muitos tinham alças de ombro e abas na cintura. Eles foram usados ​​ao lado de um "farthingale" que seguraria as saias em uma forma rígida. Os espartilhos não eram escondidos sob camadas adicionais; em vez disso, eram usados ​​com orgulho e feitos de lindos tecidos com padrões e acabamentos.

O século 17 ...

Ao longo do século XVII, os espartilhos eram em sua maioria feitos de linho, com junco ou osso de baleia para adicionar estrutura. Na época, estava na moda ter um busto proeminente, então os espartilhos ajudaram a acentuar isso e a colocar mais foco no decote.

Às vezes, os espartilhos eram usados ​​com mangas presas e os estilos se tornavam muito decorativos. A renda era muito usada em espartilhos do século 17, e algumas mulheres até adicionavam fitas extras para realçar ainda mais o estilo. O formato do espartilho durante esta época apresentava uma busk longa e pontiaguda e os estilos eram tipicamente amarrados nas costas, muito parecido com os espartilhos de hoje. Um pouco mais tarde, no século 17, os espartilhos saíram de moda brevemente e os vestidos desossados ​​se tornaram populares, e é improvável que as mulheres usassem um vestido desossado além de um espartilho.

O século 18 ...

A moda de cintura fina desenvolveu-se ainda mais no século 18, com mais demanda por uma forma apertada. Por causa disso, os espartilhos eram feitos de material rígido usando osso de baleia ou bengala como suporte. O estilo do século 18 tinha cintura baixa e corte estreito nas costas e largo na frente. Os espartilhos tinham alças de ombro, e a moda era usar as alças e o espartilho para puxar os ombros para trás até quase se tocarem.

Os espartilhos normalmente tinham abas, que eram feitas com cortes da borda inferior até a cintura. Isso deu aos quadris mais espaço, enquanto ainda puxava a cintura e empurrava o busto para cima. Espartilhos altamente decorativos ainda estavam na moda, usando brocado de seda e detalhes dourados. No final do século 18, os espartilhos começaram a ficar mais curtos e as cinturas aumentaram.

O século 19 ...

Tanto o espartilho quanto o espartilho mais curtos foram usados ​​durante o século 19 e eram feitos de cetim, algodão ou seda. Os espartilhos costumavam ser dados como presentes às mulheres por seus maridos. Alguns espartilhos do século 19 usariam até 60 ossos de baleia para criar a ilusão de uma cintura fina.

Durante este período, o busk de fecho frontal foi introduzido em 1848, o que pela primeira vez permitiu que as mulheres colocassem seu espartilho com facilidade sozinhas. O novo busk apresentava curvas suaves para seguir as linhas naturais do corpo.

O século 20…

No início do século 20, o foco na criação de uma cintura fina mudou e, em vez disso, as mulheres queriam minimizar seu estômago e quadris. Por causa disso, os estilos de corset mudaram dramaticamente, e o primeiro corset underbust foi introduzido. A cintura do espartilho ficava logo acima da cintura natural, e os espartilhos eram longos e retos no corpo. Os estilos se tornaram muito longos e geralmente terminavam no meio da coxa. Os estilos de espartilho eram simples, pois agora eram usados ​​por baixo das roupas e discretamente. Nos anos 20, formas mais relaxadas e linhas retas se tornaram populares. Vestidos melindrosos significavam que um formato infantil era desejável, e então os espartilhos mudaram um pouco para afinar os quadris e as coxas o máximo possível. Os espartilhos dessa época eram usados ​​sob as roupas e presos na frente e nas costas. Uma variedade de estilos tornou-se disponível, como o ‘espartilho esportivo’ e ‘quadril limitadores’.

Avançando para os anos 30 e 40, os espartilhos ainda eram longos, mas começaram a incluir sutiãs. Conhecido como espartilho de corpo inteiro, esse estilo ainda era usado discretamente por baixo das roupas. A partir dos anos 50, a moda começou a mudar em um ritmo rápido, e isso fez com que o espartilho se tornasse mais uma roupa especializada, em vez de ser usado como uma peça essencial para o dia a dia.

Hoje os corsets ainda são usados ​​por entusiastas. Embora não sejam considerados um item do dia a dia, os avanços na tecnologia e na fabricação significam que os corsets de hoje são de melhor qualidade do que nunca. No século 21, os tops do espartilho são usados ​​como roupa exterior, enquanto os espartilhos mais tradicionais podem ser usados ​​como uma peça de referência ou como uma roupa íntima para reduzir a cintura e fornecer suporte.

Ao longo dos anos, vários designers usaram espartilhos como parte de sua coleção, desde estilos mais tradicionais até reimaginar essa vestimenta histórica.


9 Qual a idade de Grace?

O que alguns novos fãs não percebem é que existe um Bruxa boa filme que saiu em 2008, sete anos antes de a série chegar ao programa de TV. O filme fez tanto sucesso que a Hallmark o transformou em sua própria série.

No A bruxa boa No filme, Brandon e Tara disseram a Cassie que se casariam em dois anos, logo após o nascimento de Grace. Isso significaria que Grace teria cerca de dois anos no casamento. Mas quando eles se casam, Grace tem cerca de cinco anos e está pronta para a escola! Além disso, na primeira temporada de A bruxa boa apenas cinco anos deveriam ter se passado. Se for esse o caso, como Grace tem 15 anos!


Wisconsin tradicional à moda antiga

Aubrey Dodd, mixologista, Badger Liquor

Reimpresso de Coquetéis de Wisconsin por Jeanette Hurt com permissão da University of Wisconsin Press. & # 169 2020 pelo Conselho de Regentes do Sistema da Universidade de Wisconsin. Todos os direitos reservados.

1 a 3 cubos de açúcar
2 travessões Angostura bitters ou outros bitters
1 fatia de laranja
1 cereja, de preferência cerejas sujas
2 onças conhaque
1 a 2 onças. refrigerante de limão, refrigerante azedo e / ou seltzer

VIDRO: rochas ou antiquado
ENFEITURA: rodela de laranja e cereja em um palito

Coloque o cubo de açúcar no fundo de seu copo antigo (também chamado de copo pequeno ou copo baixo ou de pedra). Espalhe o bitters em cima do cubo ou cubos. Em seguida, adicione a fatia de laranja e cereja e conhaque, misturando a mistura até que se torne uma mistura granulosa e lamacenta & # 8212 cerca de cinco ou seis boas pitadas com um misturador deve resolver. E é importante não misturar apenas a parte frutada da fatia de laranja & # 8212 misturar a casca liberará seus óleos e adicionará aromáticos à bebida. Adicione gelo e cubra com refrigerante de limão, refrigerante azedo e / ou seltzer. Para um doce à moda antiga, use refrigerante de limão e lima.

Para um azedo antiquado, use um refrigerante azedo, como Squirt. Para um refrigerante à moda antiga, use água com gás e, para uma prensa à moda antiga, use metade com gás e metade refrigerante de limão. Enfeite com outra rodela de laranja e cereja em um palito.

Gastro Obscura cobre as comidas e bebidas mais maravilhosas do mundo.
Cadastre-se para receber nosso e-mail, entregue duas vezes por semana.


A história do parque de diversões Knott & aposs Berry Farm

Janey Ellis |

Este ano marca o 100º aniversário da Fazenda Knott’s Berry e é um momento perfeito para refletir sobre a história única da Fazenda. É uma história incrível de trabalho árduo e acidentes felizes que resultou no primeiro parque temático da América.

Em dezembro de 1920, a família Knott dirigiu seu Ford Modelo T do centro da Califórnia até Buena Park para um novo começo com Jim Preston, primo de Walter Knott, um experiente agricultor de frutas silvestres. Juntos, eles arrendaram terras de William H. Coughran e Walter começaram a cultivar frutas silvestres.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Apesar de uma geada matando a primeira safra de Walter, ele persistiu, e em 1923 foi capaz de construir um estande na estrada na Grand Avenue, vendendo suas frutas. Com muito trabalho, a família Knott conseguiu comprar seu terreno em 1927 e construir uma casa no ano seguinte, juntamente com um Berry Market permanente, que substituiu o simples estande à beira da estrada. Junto com o mercado havia um viveiro para vender plantas e até mesmo uma pequena Sala de Chá onde a esposa de Walter, Cordelia, vendia sanduíches, geleias e tortas feitas com as frutas da Fazenda. Eles o chamaram de Knott’s Berry Place.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

A Grande Depressão tomou conta dos Estados Unidos em 1929, o que fez com que os preços das terras caíssem e, embora a família Knott mal conseguisse se sustentar, Walter dobrou as despesas, comprando mais terras para expandir sua fazenda.

Em meio à Grande Depressão, Walter estava fazendo seu próprio nome com suas frutas e, em 1932, um homem chamado George M. Darrow ouviu falar de uma fruta superior que se dizia ter sido criada por um “Sr. Boysen. ” Darrow imaginou que Walter conheceria esse Sr. Boysen devido ao interesse mútuo deles por frutas vermelhas, mas Walter admitiu que não, mas sugeriu que procurassem Boysen na lista telefônica. Isso os levou a Rudolph Boysen em Anaheim. Boysen admitiu ter feito experiências com frutas vermelhas, mas as deixou para trás em sua propriedade anterior. Juntos, os três homens encontraram a planta de baga há muito esquecida de Boysen em uma vala coberta de ervas daninhas e sem frutas. Boysen disse que a planta era um cruzamento entre framboesa vermelha, amora silvestre e amora silvestre. Depois de obter permissão dos novos proprietários, Walter levou as mudas de volta para Buena Park para plantar e cultivar. Um ano depois, Walter teve uma surpresa bem-vinda - bagas enormes! Em 1934, Walter tinha mudas e frutas suficientes para introduzir o novo boysenberry como um produto comercial e Cordelia incorporou a nova fruta em seu cardápio de salão de chá. As frutas vermelhas, geléias e tortas foram um sucesso instantâneo! Esta nova baga não tinha nome e, embora os amigos de Walter dissessem que ele deveria batizá-la com seu próprio nome, ele optou por homenagear o criador da baga e a apelidou de amora.

A família Knott lutou durante a Grande Depressão, mas em 1934 Cordelia teve uma ideia que mudaria tudo. Em uma noite de junho, Cordelia preparou oito jantares de frango frito para seus convidados do Salão de Chá. Servido junto com salada com ruibarbo, biscoitos, vegetais, purê de batata com molho e torta de frutas vermelhas na porcelana do casamento da família, o jantar custou 65 centavos. Walter lembrou que o momento foi “o ponto de inflexão em nossa vida econômica”. Foi realmente o ponto de viragem que iria transformar uma fazenda em um parque temático.

A notícia deste delicioso frango frito se espalhou e logo as pessoas estavam se aglomerando na pequena fazenda e na Sala de Chá em Buena Park. A pequena sala de jantar tinha originalmente 20 lugares e em 1935 eles a expandiram para 40, apenas para ter que expandi-la novamente no ano seguinte para acomodar 70. O pequeno salão de chá de Cordelia se tornou um restaurante completo e quando eles expandiram para 350 lugares eles imaginei que as pessoas não precisariam mais esperar, mas esperaram!

Em 1939, em uma tentativa de dar às pessoas que esperavam algo para fazer, a filha de Walter e Cordelia, Virginia, montou uma mesa de jogo com pequenos itens para presente à venda. À medida que o restaurante crescia, também crescia a empresa de Virginia, recebendo sua própria loja de presentes que ainda existe hoje.

Não era incomum que convidados famintos esperassem mais de três horas por uma mesa e logo um alto-falante foi instalado. Mas, além de ler atentamente as ofertas de Virginia, o que havia para fazer durante a longa espera? Walter começou a ter algumas idéias. Ele começou com algumas caixas de música antigas, então ele construiu um jardim de pedras com uma cachoeira usando rocha vulcânica do Vale da Morte. Ele construiu uma pequena cena com uma pedra de moinho histórica e uma roda d'água com uma placa encorajando aqueles que esperavam para cantar "Down by the Old Mill Stream". Ao lado, ele acrescentou uma recriação da lareira de George Washington em Mount Vernon. A cachoeira, o cenário de pedra de moinho e a lareira ainda estão na Fazenda, localizada atrás do Mercado de Berry. Ele construiu um pequeno vulcão para obstruir um cano que era “operado” por um diabinho girando uma manivela. Ele acrescentou uma colmeia de abelhas, madeira petrificada, rochas fluorescentes que brilhavam sob a luz negra - qualquer coisa que ele achasse divertido, ele imaginava que outros também o fariam.

Foto cedida por jericlo Flickr

Inspirado por sua mãe e sua jornada para a Califórnia em um vagão coberto em 1868, Walter decidiu ir ainda mais longe com suas ideias. Desta vez, ele construiria uma Cidade Fantasma para entreter os clientes que ansiavam por aves. Em 1940, a construção começou no que se tornaria a rua principal. Walter estava em busca de todas as coisas do velho oeste, comprando pedaços de prédios antigos, carrinhos, ferramentas e muito mais. Ele os usou para construir um salão, escritório do xerife, escritório de ensaio, barbearia e muito mais! A peça central foi o Gold Trails Hotel, construído com peças de um antigo hotel do Arizona. O Gold Trails Hotel não era um hotel - em vez disso, abrigava um ciclorama de uma carroça coberta e contava a história dos pioneiros do oeste. As pessoas que esperavam por suas mesas ficaram tão encantadas com a cidade fantasma de Walter que o sistema de alto-falantes teve que ser expandido para chamá-los de volta para a reserva de mesa.

Antes que ele percebesse, a Cidade Fantasma de Walter tinha crescido uma vida própria e as pessoas estavam vindo apenas para visitá-la. Walter contratou vários atores para povoar sua falsa cidade do oeste e divertir os convidados. Com a ajuda criativa do designer e pintor Paul Von Klieben, a Cidade Fantasma se expandiu com edifícios coloridos e divertidos. O escultor Claude Bell também ajudou a povoar a Cidade Fantasma com estátuas de concreto, incluindo Handsome Brady e Whiskey Bill, bem como as encantadoras dançarinas Marilyn e Cecelia. Ambos os pares se tornaram um ponto quente para fotos para quem os visita e continuam sendo um até hoje.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Em 1947, Walter chamou sua empresa em expansão de Knott’s Berry Farm e, no mesmo ano, a Pan for Gold chegou. Ainda uma atração popular hoje, os visitantes podiam pegar uma panela como os mineiros em 1849 para peneirar e levar para casa ouro verdadeiro. O Wagon Camp logo se seguiu e se tornou um lugar privilegiado para entretenimento gratuito de artistas country e western.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

A década de 1950 viu uma grande expansão da Cidade Fantasma com a adição do Calico Saloon, da Ghost Town e da Calico Railroad (a última ferrovia de bitola estreita em operação na América) e da escola. Embora muitos dos edifícios da Cidade Fantasma tenham sido criados, a escola era real construída em 1879 e transferida do Kansas para a Fazenda. O cemitério de Boot Hill também foi adicionado, assim como o Bird Cage Theatre, cuja fachada é uma réplica da de Tombstone, Arizona. Em 1954, o Bird Cage abriu para apresentações de vaudeville e melodrama, onde nomes como Steve Martin e Dean Jones começaram. E antes que a década acabasse, a Haunted Shack foi adicionada ao parque.

Foto cedida por jericlo Flickr

As coisas realmente começaram a andar quando Wendell “Bud” Hurlbut chegou à Fazenda. Hurlbut projetou e construiu brinquedos de diversão e foi convidado a se tornar concessionário da Fazenda com seu histórico carrossel Dentzel e, posteriormente, um pequeno passeio de carro. A amizade de Hurlbut com Walter Knott cresceu e, com muita confiança e um acordo de aperto de mão, Hurlbut construiu duas atrações que elevariam a Fazenda a novas alturas, Calico Mine Ride e Timber Mountain Log Ride. Hurlbut e uma equipe incrível criaram o Calico Mine Ride com cavernas maravilhosas de beleza junto com mineiros rústicos de tempos passados, que foi inaugurado em novembro de 1960. O passeio também foi o primeiro a apresentar uma fila escondida em ziguezague, que tem passou a se tornar padrão no design de parques temáticos.

Foto cedida por jericlo Flickr

À medida que a Cidade Fantasma continuou a se expandir, Walter nunca vacilou em sua paixão por atrações baseadas na história e na educação. Ele trouxe o enorme Western Trails Museum de Marion Speer, o museu de miniaturas da família Mott, um museu de boxe dentro do celeiro do pugilista Jim Jeffries e logo acrescentaria outro elemento educacional maciço, uma réplica exata do Independence Hall. Hurlbut, junto com outros da Fazenda, foi para a Filadélfia fotografando, medindo e tomando notas abundantes em cada detalhe. Hurlbut até mesmo fez a barba do interior do Liberty Bell para que Walter pudesse recriar o sino até o material. O Independence Hall foi inaugurado em 4 de julho de 1966 com grande alarde e ainda é uma fonte de inspiração e educação hoje.

Em 1967, a filha mais nova de Walter e Cordelia, Marion, começou a ajudar seu pai nas operações da Cidade Fantasma. Desde 1941, os hóspedes podiam entrar e sair da Cidade Fantasma, andando pela área de graça, pagando apenas se desejassem andar de bicicleta ou comprar algo. Mesmo assim, em 1968, foi decidido encerrar o parque e cobrar uma taxa de entrada de um dólar.

No ano seguinte, Marion anunciou que a Knott’s Berry Farm se expandiria, mas deixaria de lado a ideia de apenas uma cidade fantasma. Inspirado nos dias do início da Califórnia, o novo terreno temático de Knott foi apelidado de Fiesta Village. Enquanto o planejamento do Fiesta Village estava em andamento, em 11 de julho de 1969 o Calico Log Ride (agora Timber Mountain Log Ride) foi inaugurado, o primeiro passeio de troncos nos Estados Unidos, com a estrela do cowboy John Wayne como mestre de cerimônias.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Com o sucesso de Fiesta Village e Calico Log Ride, Marion procurou adicionar outra área temática para expandir o parque e se estabeleceu em um tema cigano, chamando a nova área de Acampamento Cigano. O Gypsy Camp foi inaugurado em 28 de maio de 1971, e os visitantes exploraram cavernas para encontrar uma loja de mágica, fliperama, ler a sorte e desfrutar da música de músicos vestidos de cores coloridas em um palco ao ar livre construído acima das cavernas. O Wagon Camp ao ar livre de Ghost Town provou ser muito pequeno e rústico para atrair grandes artistas, então Marion adicionou o John Wayne Theatre ao Gypsy Camp. O novo teatro de 2.150 lugares proporcionou um maravilhoso local coberto e até mesmo hospedou a estréia do filme de Wayne, Big Jake, em 19 de junho de 1971. Ao longo dos anos, incontáveis ​​artistas subiram ao palco e shows no gelo utilizaram o filme embutido , ringue de patinação no gelo. Com estrelas maiores enchendo o novo John Wayne Theatre, o Wagon Camp tornou-se o lar de um show de acrobacias, que continua a emocionar os visitantes até hoje.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Outubro sempre foi um momento lento no parque, e em setembro de 1973 pessoas do marketing e entretenimento tiveram uma ideia que mudaria Knott para sempre - um evento de Halloween de três noites chamado Knott’s Halloween Haunt. Funcionários com maquiagem e fantasias de monstros foram instruídos a correr pela Cidade Fantasma e assustar os convidados. O Haunted Shack foi transformado no "Monster Maze". O Calico Mine Ride e o Log Ride também receberam um tratamento terrível. Sucesso instantâneo, o evento voltou no ano seguinte e esgotou todas as noites. Em seu terceiro ano, o evento recebeu o apelido de “Fazenda assustadora de Knott”. Desde então, Scary Farm, o evento de Halloween mais antigo em um parque temático, se expandiu para abranger todo o parque com 1.000 monstros e vários labirintos.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Em meio ao sucesso de Scary Farm, a Farm perdeu sua matriarca, a mulher responsável por transformar uma pequena fazenda de frutas silvestres em um ícone do sul da Califórnia. Em 23 de abril de 1974, Cordelia faleceu aos 84 anos.

Entre o sucesso de Scary Farm e o luto por Cordelia, o Gypsy Camp estava se debatendo. No final de 1974, Marion anunciou que o Gypsy Camp seria reformado e transformado em uma área chamada Roaring 20's. Embora a década de 1920 possa ter inicialmente parecido uma escolha estranha, foi um reflexo da decisão de Walter de construir uma cidade fantasma do velho oeste. Marion descreveu: “Assim como a Cidade Fantasma do meu pai era um memorial para seus pais, queríamos que nossa mais nova área fosse um memorial para mamãe e papai. Afinal, os loucos anos 20 foram a era deles. ”

A área Roaring 20s foi inaugurada em 6 de junho de 1975. Como parte do re-tema, o John Wayne Theatre foi rebatizado de Good Time Theatre. A nova área também foi a primeira incursão da Farm no mundo das montanhas-russas com a Corkscrew, a primeira montanha-russa moderna de 360 ​​graus do mundo. A seguir, atrações exclusivas, como Knott’s Bear-y Tales, Sky Cabin e Wacky Soap Box Racers. Antes do fim da década de 1970, uma segunda montanha-russa foi adicionada, desta vez no Fiesta Village, com Montezooma's Revenge.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Em 1981, após 61 anos de controle total da família, a família Knott contratou Terry Van Gorder, o primeiro membro não familiar a ser presidente e CEO, no entanto Marion e outros membros da família Knott permaneceram envolvidos. No final do ano, a Fazenda trocou os bilhetes do livro de cupons por um passeio com tudo incluído e bilhete de entrada. O ano teve mais um momento marcante em 3 de dezembro, quando, apenas uma semana antes de seu 92º aniversário, Walter faleceu.

Os anos 80 veriam outra grande adição à Fazenda, o Snoopy e a Gangue do Amendoim. No entanto, sua chegada ao parque pode realmente ser rastreada até 1960, quando o ilustrador Pete Winters foi encarregado de criar um ícone de personagem para Knott. O resultado foi um velho garimpeiro feliz com uma barba branca simplesmente chamado de “O Velho Timer” e ele apareceu em vários papéis de funcionários, livros de ingressos, sinalização de parques e muito mais. Em 1973, a Fazenda decidiu transformar “The Old Timer” em um personagem ambulante e o chamou de Whittles. Com proporções inadequadas, Whittles era simplesmente mais adequado para a página e não como um personagem da vida real. “Não deu certo ... Ele assustou as crianças”, observou Russell Knott. Esse passo em falso não acabou com o desejo da Fazenda por um ícone e personagem de passeio e eles decidiram que talvez devessem tentar garantir um ícone familiar já estabelecido, bem conhecido.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

Ron Mizaker foi encarregado de encontrar e garantir o novo ícone e, como os personagens da história em quadrinhos de Charles M. Schulz, Peanuts, já estavam fazendo um trabalho de patrocínio, Mizaker sabia que havia uma possibilidade para eles se juntarem à Fazenda. Mizaker se encontrou com Schulz em Santa Rosa e, no meio do encontro, Schulz disse que precisava ir ao ensaio de patinação de sua filha na pista de gelo que a família Schulz possuía, que ficava do outro lado da rua. Schulz convidou Mizaker para se juntar a ele. Durante o ensaio, Mizaker informou Schulz sobre a pista de gelo dentro do palco do Good Time Theatre e disse: "Não seria ótimo se fizéssemos um show no gelo com o Snoopy?" Schulz gostou da ideia e perguntou “Será que minha filha pode ser Snoopy?” Mizaker disse que eles poderiam resolver isso e isso se tornou a base do acordo para que a gangue Peanuts ingressasse na Fazenda. Logo Snoopy e companhia chegaram para atender os convidados e, em 1983, a Knott’s decidiu dar aos Peanuts sua própria área na Fazenda, expandindo a Knott’s mais uma vez, para criar o Camp Snoopy.

Foto cedida pelos Arquivos do Condado de Orange

À medida que os anos 80 continuavam, duas novas atrações chegaram. A família Bear-y Tales deixou a área de Roaring 20 e foi substituída por criaturas pré-históricas no Reino dos Dinossauros em 1987. No ano seguinte, contos de uma criatura peluda levaram as pessoas a explorar e se molhar em Corredeiras de Pé Grande.

As emoções, o mistério e a diversão continuaram até os anos 90. A montanha-russa Boomerang substituiu o saca-rolhas, o único, o intrigante Mystery Lodge chegou e Jaguar rugiu em Fiesta Village. O Roaring 20s recebeu uma reformulação e foi rebatizado de Boardwalk, em homenagem ao sol, à areia e ao mar das praias do sul da Califórnia. Os hóspedes correram uns contra os outros em outra nova montanha-russa, Windjammer, que substituiu Wacky Soap Box Racers em 1997. O mesmo ano também marcou a maior mudança na Fazenda desde que Cordelia serviu seu frango frito - após 78 anos de propriedade da família Walter e Cordelia's filhos e netos venderam a Knott's Berry Farm para a Cedar Fair.

No entanto, antes do milênio, atrações mais emocionantes seriam adicionadas ao horizonte crescente da Fazenda, com montanhas-russas Supreme Scream, GhostRider e Pony Express, a primeira "montanha-russa" dos Estados Unidos.

Em 2000, para homenagear o criador do amado Peanuts, o Good Time Theatre foi rebatizado de Charles M. Schulz Theatre e continua a apresentar shows incrivelmente divertidos, muitas vezes incluindo membros da gangue Peanuts.

As montanhas-russas continuaram a entrar na Fazenda com o Windjammer sendo substituído pelo Xcelerator e as adições de Silver Bullet e Sierra Sidewinder. Mas os velhos favoritos não foram esquecidos. Em 2013, o Log Ride de Ghost Town foi reformado e reaberto com novos personagens animatrônicos. The Calico Mine Ride seguiu o exemplo em 2014 e Camp Snoopy recebeu muitas novidades para famílias.

Vago desde 2004, o espaço que já abrigou Knott's Bear-y Tales e Kingdom of the Dinosaurs recebeu uma nova atração interativa, Voyage to the Iron Reef, em 2015. No ano seguinte, outra adição incrivelmente única e interativa chegou ao Farm, Ghost Town Alive! Originalmente, a história dirigida pelo personagem e seus muitos atores deveriam durar um verão para comemorar o 75º aniversário da Cidade Fantasma, mas o que resultou é uma tradição anual maravilhosa. For the first time since their construction, you could walk into the charming peek-ins that Walter had developed to entertain those waiting for their tables at Mrs. Knott’s Chicken Dinner Restaurant and participate in your very own wild-west story with the various citizens of Ghost Town. Ghost Town Alive! has returned each summer and continues to charm guests young and old, becoming a delightful attraction itself.

More recently, new thrills arrived with Sol Spin and Hang Time, the first dive coaster in California. Ghost Town continued to receive updates and revamps as well when Big Foot Rapids being transformed into Calico River Rapids linking its storyline to the rest of Ghost Town. And this summer the Bear-y Family returns to the Farm with Knott’s Bear-y Tales: Return to the Fair.

It’s amazing that within one-hundred years a little, leased berry farm has transformed into one of the most popular theme parks in the United States, receiving awards, and winning over the hearts of everyone. Because of its age, Knott’s Berry Farm has a wonderful generational feel to it, where people can walk and enjoy the same sights that their parents and even grandparents enjoyed, while also continuing to experience new and thrilling things. There is certainly something for everyone and who knows what is in store for the next 100 years at Knott’s Berry Farm? Happy Anniversary, Knott’s!

To learn more about Knott’s Berry Farm’s incredibly history, be sure to read Knott’s Preserved!

Knott's Anniversary Ambassador

Janey Ellis is the writer behind the blog Atomic Redhead. There she shares interesting history, places to explore across Southern California and beyond, as well as her take on vintage fashion and home. She is very thankful to also have the wonderful opportunity to share her passion for amusement parks and history on the Knott's Berry Blog.


Menswear

The most significant development in men’s fashion occurred in two unique kinds of trousers: the Oxford bags and the plus-fours. Oxford bags grew in popularity around 1924-25 when undergraduates at Oxford adopted these wide-legged trousers. Though the origin of the style is contentious, it is generally agreed that it derived from the trousers that rowers on Oxford’s crew teams pulled on over their shorts, and you can see how The Bystander satirized this in 1924 (Fig. 2). The original style was about 22 inches wide at the bottom, several inches wider than the average men’s trouser leg. Oxford undergraduates began wearing these around the university and soon the style spread. As the style spread, so too did the width of the trouser legs until at one point they reached up to 44 inches wide. The trousers were made out of flannel and came in a variety of colors. They were mostly worn by youths – perhaps the male counterparts of the flapper – and became a favorite of Britain’s “Bright Young People,” a group of wealthy, aristocrats known for their antics in London’s nightlife.

The other development in menswear in the twenties was the plus-fours. Plus-fours developed out of ordinary knickers – short-legged trousers that gather around the knee – and like Oxford bags were a bit baggier version of their precursor. They had four extra inches of material (hence the name) but instead of extending the trouser leg, they still fastened around the knee and the extra material hung over the band, creating the baggy look as seen at a racecourse in 1920 (Fig. 3). Often worn with a sweater, plus-fours were popular golf attire, but much like how tennis-wear crept into casual womenswear, this style was also popular daywear for men, as was tennis-wear for men, too. You can see the casual way men dressed to play tennis, though some still wore ties in 1920 (Fig. 4).

Fig. 1 - Artist unknown. Fashion Plate, 1920-1939. New York: Costume Institute Fashion Plates. Source: The Met Digital Collections


5 Why Long Hair Became A Thing For Women

While hair trends have fallen in and out of fashion, one thing across cultures and millennia has remained fairly constant: the expectation that women would have long hair. We&rsquove seen it from the depiction of a long-haired Aphrodite to St. Paul&rsquos letter to the Corinthians, in which he wrote, &ldquoIf a woman has long hair, it is a glory to her.&rdquo

Kurt Stenn, author of Hair: A Human History, says that women almost always have longer hair than men. Mas por que?

According to Stenn, a former professor of pathology and dermatology at Yale, hair is highly communicative. It sends messages about sexuality, religious beliefs, and power. In particular, he believes that long hair can communicate health and wealth.

&ldquoTo have long hair, you have to be healthy,&rdquo Stenn says. &ldquoYou have to eat well, have no diseases, no infectious organisms, you have to have good rest and exercise.&rdquo He adds, &ldquoTo have long hair, you have to have your needs in life taken care of, which implies you have the wealth to do it.&rdquo [6]


Leitura recomendada

Down the Rabbit Hole: The Surprising Tale of the Bunny Suit

The Internet Mocked Her as a Teenager. It’s Embracing Her Now.

The Dark Side of Fitness Culture

While sisters (of all ages) have been wearing the same clothes for centuries, mother-daughter dressing didn’t catch on until the early 1900s. The couturière Jeanne Lanvin launched the trend after giving birth to her only child, Marguerite, in 1897, at the then-advaced age of 30. Spotting a gap in the market, she debuted a high-end children’s line in 1908, using the same luxurious textiles and avant-garde styles that characterized her womenswear, albeit simplified for younger tastes and bodies. Marguerite served as her model and mini-me the inseparable pair were often spotted parading around Paris in coordinating couture outfits. A 1907 photo of the two of them in costume for a masquerade ball—complete with matching pointy hats—inspired the house’s stylized, Paul Iribe–designed logo, which is still used on its labels. Years later, Marguerite would confess that she found the attention embarrassing, saying: “As soon as I was dressed up all I wanted to do was hide.”

Lanvin’s creations were too expensive to have a widespread influence, and the Great Depression soon made such conspicuous displays of wealth undesirable, even for those who could afford them. But mother-daughter fashions surged in the late 1930s, partly driven by the Hollywood publicity machine. In 1935, for example, the actress Joan Bennett and two of her daughters posed for press photos in coordinating outfits. Because fashion production and retailing was strictly divided by age group, however, it took time for the trend to reach the mainstream. In July 1938, Vida magazine noted that “not until this summer did the mother-and-daughter custom really become popular.”

Vida nailed the appeal of mother-daughter dressing when it declared: “‘Look Alike’ means ‘Look Young.’” Unlike Lanvin’s kiddie couture, the mommy-and-me looks of the 1940s and ’50s were decidedly girlish, emphasizing the mother’s youthfulness rather than the daughter’s maturity. Em suas memórias Mommie Dearest, Christina Crawford remembered posing for publicity photos with her adoptive mother, Joan, in the late 1940s, at the age of 8. “I had to get dressed in one of the many ‘mother-and-daughter’ outfits we were always photographed in … Mother and I would go through the whole day doing things for the camera and changing from one matching outfit to another.” Often, these outfits consisted of ruffled pinafores or skirts with suspenders worn over frilly blouses with puffed sleeves, with matching ribbons in their hair—clothes more appropriate for an 8-year-old than a grown woman. Tellingly, if a woman had more than one daughter, she was advised to twin with the youngest, according to Vida.

As the U.S. economy rebounded, Ladies’ Home Diário—one of the leading women’s magazines in America—had strong ideas about how the country could spend its new wealth. From 1939 into the early 1950s, the magazine published a series of covers illustrated by Al Parker, a contemporary of Norman Rockwell, depicting mothers and daughters in matching outfits engaging in household chores and leisure activities such as baking cookies, riding bicycles, raking leaves, knitting, skiing, and wrapping Christmas gifts. One memorable image portrayed a rosy-cheeked mother and daughter pair, ice skating hand-in-hand above the headline: “Is Society Committing Suicide Today?”

While Lanvin had thoughtfully adapted adult styles for juvenile clients, avoiding exact copies, Parker’s mothers and daughters were identically dressed from head-to-toe, including their hairstyles, coloring, and accessories like aprons, gardening gloves, and roller skates. These covers “were so wildly popular that readers were writing in asking for patterns,” Gordon said. Pattern companies as well as fashion magazines complied, offering mother-daughter sewing, knitting, and crochet patterns similar garments could also be bought ready-made from department stores or the Sears catalogue.

Far from petering out during World War II, the twinning trend only intensified. “During the war, there was an emphasis on the home front and everybody doing their part for the war effort, including daughters helping their mothers at home,” said Gordon. Home sewing was encouraged as a patriotic gesture, and mother-daughter outfits served as a kind of civilian uniform, projecting unity as well as efficiency.

While women entered the workforce during the war, they were put firmly back in their place once it ended during the postwar boom, mother-daughter fashions reinforced the primacy of the domestic sphere. As the large families and multigenerational households of the Victorian era were replaced by the small nuclear family, the mother-daughter bond grew stronger and more performative. “The whole idea of dressing multiple children in matching garments was more of an economic choice,” Gordon said. “But by the mid-20th century, mommy-and-me dressing was promoted as a special, fun thing rather than having a financial impetus. It was something that mothers and daughters could do together—not only wearing but making matching clothes.” A 1949 dressmaking manual, The Complete Book of Sewing, asked: “Why not make ‘mother-and-daughter’ dresses and conduct a family contest that the men of the family can cheer?”

Not everyone cheered such dressing, however. “Ladies’ Home Journal talked about it like it was the greatest thing since sliced bread,” Gordon said. “But there was this undercurrent of people criticizing it. Some designers loathed it.” Helen Lee, one of the leading children’s wear designers of the 1950s and ’60s, called it her “pet peeve,” explaining: “There’s a difference of 20 to 30 years between mother and daughter and in most outfits one or the other will look ridiculous.” Some magazines advised women not to match their daughters exactly, but many did anyway. Even Lee bowed to popular demand and created mother-daughter patterns for McCall’s, Gordon said.

The rise of the working mother in the 1970s effectively halted the mommy-and-me trend. Even women who didn’t work took their fashion cues from those who did, donning sophisticated wrap dresses, trouser suits, and midi skirts by the 1980s, “power dressing” trickled from the boardroom to the street. Lilly Pulitzer—one of the original purveyors of “mother-daughter matching”—shut down in 1984, only to be relaunched in 1993, when the retail market became more receptive to pastel printed sundresses.

Today, it’s once again “cool to be a mom,” Gordon said. Celebrities show off their adorably chic children to thousands of fans on Instagram and on the red carpet, while average parents can resort to Facebook and holiday cards. Fashion designers like Stella McCartney and Michelle Smith of Milly are modern-day Jeanne Lanvins, making public appearances with their children and designing children’s lines alongside adult clothing. Models like Coco Rocha and Cindy Crawford have shared the runway with their daughters.

These days, however, the mommy-and-me looks are usually store-bought. Indeed, with the likes of Gucci, Dolce & Gabbana, and, fittingly, the rebooted house of Lanvin getting into the luxury children’s wear market, they often come with decidedly grown-up price tags. But there are plenty of budget-friendly version, like Target’s recent collaboration with Victoria Beckham, or Drew Barrymore’s new line for Crocs.

Though a few halfhearted attempts to launch father-son fashions in the 1950s never really took off, family fashions have surged in recent years as many dads have become more hands-on. Often focused on holiday dressing, vacation clothes, or sleepwear, these collections—which are diversified enough to accommodate a broad range of ages and genders—offer a less literal interpretation of twinning, one intended for special occasions (or perhaps professional family portraits). Which is to say that “daddy, mommy, all my siblings, and me” might be the new mommy-and-me.


Like Sheep: Why Didn't You Fight?

A survivor's gives his personal answer to this often-asked question.

After the war, many people, especially American Jews, including some members of my own family, asked me why we never fought back. Why, for instance, when the learned, kind Dr. Bloch was being shot, didn't we start a rebellion and try to save him? Why did millions of Jews in Europe go passively to the camps and then to their deaths?

This logical question deserves an answer. When I was first brought to Kamionka, there were Russian prisoners of war whom the German army had captured a few months earlier. To make room for the transport of Jews, some of the Russians were sent to other camps and others were killed. Killing POWs was against the Geneva Convention, but the Germans were beyond abiding by any rules of civilized conduct. They had become utterly savage.

With my own eyes I saw the execution of POWs. Having been raised so close to the Russian border, I understood Russian and listened carefully to what the Russian POWs were saying as they were being selected for death. One man, about forty-five years old, was considered too old for a labor camp and so the Germans decided to shoot him. He stood tall and looked straight into the eyes of the German soldiers: "I have three sons in the Red Army. They are on their way. Remember, you will pay for this." And then the Germans shot him.

There was nothing the Russian could do in the face of many armed German soldiers. Polish soldiers, whose army had been swiftly defeated at the start of the war, faced the same situation. I saw four or five German soldiers control a thousand Polish POWs. Later on in Kamionka, a small number of Germans did whatever they wanted with Russian soldiers, men who had been trained to fight battles. High-ranking officers were reduced to powerless, ordinary men when confronted with the lowliest German soldier and a gun.

When the tide turned and the Germans began losing the war, I beheld the same sight in reverse: hundreds of mighty German soldiers, who only weeks before took life or saved it as their mood dictated, were now herded about passively by a few Russian soldiers with weapons.

These soldiers had all been trained to fight, to use firearms, to survive under the harshest conditions. If they could not resist imprisonment, how were we Jews &ndash a civilian population, with little or no firearm experience and no weapons, a tribe of merchants, artisans, scholars, women and children, all weak from starvation and exhaustion &ndash able to rebel against a well-equipped army? If you are under the gun, there is little you can do.

Certainly, there were a few, wonderful exceptions. The Warsaw Ghetto uprising, the first of its kind among a civilian population in Poland, is the most famous. Even in Warsaw, however, organizing to fight did not take place when there had been half a million Jews in the ghetto. Only when almost the entire ghetto had been liquidated and death was at hand did a few thousand remaining residents &ndash right-wingers, leftists, Bundists, religionists, atheists, Jews of every political and religious stripe &ndash band together, under the leadership of Mordechai Anielewicz, to fight since they knew their days were numbered. They realized they would not be able to beat the German army. But if they were going to die, they would at least take some Germans with them.

Those of us in Kamionka who were young and still strong would have been more than willing to fight in an organized fashion if we thought we had the slightest chance of making a difference. For months after learning of the German defeat at Stalingrad, we waited for partisans who were rumored to be in the vicinity. It would have been a great honor, a tremendous opportunity, to join them, to fight to save the lives of innocent Jews and non-Jews under German occupation. We had heard that the partisans liberated a camp not far from ours. Many Jews had joined their ranks immediately. In the end, though, the partisans did not come near Kamionka until the camp had already been liquidated.

One night in April 1943, Ladovsky, Rebel's Jewish chauffer, came into my barracks and woke me up. He had just returned from Warsaw with Rebel where they had gone to purchase supplies. In Warsaw Lasovsky had heard about, and actually seen, the uprising during its second day.

"Jews," he told me, "are killing Germans! I saw it with my own eyes, German blood being spilled!"

"Thank G-d I lived to see the day," I said to him and jumped off my bunk.

The two of us began to sing and dance, crying and laughing, beside ourselves with joy. After two days of successful fighting, Mordechai Anielewicz said that killing German soldiers proved that they, too, were vulnerable, that the Germans were not invincible. Like Jews, they could bleed, and this resistance saved Jewish honor. Of course, within a few weeks the Germans had overrun the ghetto, killing almost everyone inside, and shipped the survivors to the death camps. But the thought of Jews defending themselves thrilled us beyond description. Even though we knew there were Jewish soldiers fighting in the Allied armed forces, we had become accustomed to feeling helpless under German occupation.


Assista o vídeo: Torresmo